| PROGRAMA ANTIC TEATRE 2016 /// FEBRER /// FEBRERO /// FEBRERO → |
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TWINS EXPERIMENT
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CRIS BLANCO sobre ¿Cómo se hace una performance? de Twins Experiment:
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Un día de 2015 mientras algunos rezagados que no nos íbamos nunca de Pradillo bailábamos un tema de Rhianna y/o de Kiesza y/o de Pulp Ainhoa y Laura se me acercaron y me dijeron: “hola, queremos hacer nuestra primera pieza, va de intentar saber cómo se hace una performance y queremos que tú seas nuestra coach”. Yo les dije que sí corriendo y seguimos bailando muy contentas. No siempre se tiene la oportunidad de asistir a la primera pieza de alguien, que te dejen asomar la nariz ahí me parece un reto y una suerte. [+]
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Y desde entonces me fui asomando, no tanto como me hubiera gustado porque el tiempo y el espacio son unos factores que, por algún misterio, todavía no dominamos, y he ido viendo cómo le preguntaban a sus madres “qué es y cómo se hace una una performance?” y a todo el que pillaban, y a mí que les decía que no tengo ni idea, y se fueron a Ámsterdam a hacer las pruebas para entrar en la SNDO, y allí vieron muchas performances, y se preguntaban si para hacer una performance hay que usar muchos objetos, y llevar zapatillas New Balance, y calcetines brillantes, y si hay que saber quién es Marten Spangberg, y después conocieron a Marten Spangberg y les pareció muy bien, y se fueron a Brest y Barcelona y a PAF (Performing Arts Forum), cada vez viendo más piezas y reconstruyéndolas de memoria, y se atascaron porque ahora parecía que estaban aprendiendo demasiado sobre performance y se desatascaron porque estaban juntas y ellas en realidad lo que querían era ser twins, gemelas, ser iguales, ser una misma persona, pensar lo mismo, hacer todo juntas y a la vez, y vieron muchos videos de gemelos y se pusieron a jugar juntas, a practicar, y decidieron meter el proceso en la práctica, o que la práctica fuera el proceso y que fuera un juego y que sería lo que enseñarían como performance . Se preguntaban por la performance y se toparon con el juego y sus reglas, algo tendrán que ver. Yo he tenido la suerte de ver algo del proceso y me ha parecido emocionante. Ahora os podéis asomar vosotros también a ese proceso. Hay que ir a verlo, hay que verlas practicar, hay que ir a ver la primera pieza de alguien, hay que ver si se han convertido en twins, si llevan New Balance y si les sigue interesando saber cómo se hace una performance o se han puesto a hacerla. |
PLAYDRAMATURGIA sobre ¿Cómo se hace una performance? de Twins Experiment:
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Se pisan las frases.
Claro.
Es como si tuvieran un Dropbox o algo así desde el que sacar las frases juntas.
Se ríen mazo.
Las Twins son las Titwins. Antes se llamaban así pero les sonaba a mono tití o a T-shirt o a dibujito animado, no lo sé, pero para mí que suena más cerca de lo que son, menos a gemelas gemelas y más a un nombre cualquiera con cualesquiera que sean las abstracciones que vaya a nombrar o para lo que sirva llamarse así. [+]
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Los nombres
comprometen, lo dice uno que se apellida Dramaturgia, que es jodido, y a la vez sirven para crear un diálogo interno con la propia práctica o familia. Para decirla o desdecirla. Estas gemelas, que ni lo son ni casi nunca lo parecen, se apellidan Experiment, que es lo más parecido a Expósito, el apellido aquel de aquellos horfanatos. El experimento no es otro que intentar saber cómo se hace una performance. Las Titwins se preguntan, como nosotros, de dónde vienen las cosas que les gustan, las que llevan viendo vorazmente y motivando viajes y haciéndoles llenar libretas con ideas e impresiones desde hace un par de años. Cuál ha sido la gestación de sus cosas favoritas, cómo gestionar esta lluvia de cuerpos que hacen cosas en escena, qué hay de herencias, de estilos, de tendencias. De familias. Lo chungo de la purpurina es que no te la quitas de encima en años, siempre queda alguna motita por ahí rondando. Yo fui este finde al Antic a ver lo de Pere Faura. Una invocación de coreografías top de musicales hit al servicio de otras cosas. Me emocioné mucho al ver a Oihana en escena. Birra en mano le contaba a Oihana que había leído el uso de las frases coreográficas como citas; también frases que se extraen de allá para ponerlas acá y que sirven para apoyar una idea normalmente distinta a la que trae, que discurre en un cuerpo de texto mayor y también distinto al de la cita en sí, menos en Tinder. Al citar es inevitable atravesar lo que se dice. Y ese a través activa un juego doble con el respeto: por un lado, es un gesto de reconocimiento; por otro, una apropiación utilitaria. Lo que me gustaba mientras veía lo de Pere es lo que me suele gustar de vivenciar la escena: la profunda sensación de presente, la comprensión de unos materiales en purito gerundio. Y es que las citas, cuando se las resucita, abandonan el participio. Y pienso ahora que no hay nada que tenga más sentido recuperar (repertoriar) para poner en contractura con el presente que el movimiento. Desde este prisma recupero ahora las sensaciones del primer encuentro con las Twins alrededor de este trabajo que traen ahora al Antic, en Madrid, allá por mayo. Y cómo se preguntaban cómo se hace una performance precisamente citando un montón de frases coreográficas que les habían interesado en algún momento o parecido importante; que reconocían por lo que sea y que, en su mayoría, nosotros también, como espectadores, hacíamos al presenciarlas. Me gusta reconocer citas en pintura, en el flamenco, me gustan los samplers en el rap y los mashups por todos lados y las apropiaciones a lo Sherrie Levine y los covers en YouTube. Pero lo que me flipa es comprobar que toda esa fuerza por poner en gerundio lo que existe en participio cobra auténtico sentido cuando se organiza, ahora, para construir algo más. Y es ahí dónde reside este experimento y mi deseo por estar delante. Al poco de llegar a su casa con las maletas a cuestas, preguntaba Oihana a las Twins si necesitarían algo más de lo obvio. Una de las dos le contestó con lo que sonó a la única respuesta necesaria: “No, para la práctica lo importante es estar juntas”. Javi de Play  Ayer me quedé dormido leyendo a Eduardo Haro Ibars en una frase que decía: “Flash Gordon explica los secretos del oficio: saberse el guión y no tropezar con los muebles”. Todavía no sé qué significa, y por eso me gusta. Sí intuyo que Flash Gordon empezaría a currar en lo suyo sabiéndose el guión y no tropezando con los muebles, pero que poco a poco iría desprendiéndose del texto hasta que los muebles desaparecieron, y que así es como consiguió moverse como un rayo. Las Twins comparten ahora su primer trabajo, pero viene de lejos, de antes de que empezara. Quizás del momento en el que comenzaron a desprenderse. Y puede que ese momento fuera un laboratorio con Paz Rojo en el participaron Ainhoa y Laura que, precisamente, iba de eso, de desprenderse para dejar de ser algo y abrir campos a otros movimientos. Posibilidades que sólo tienen sentido en forma de pregunta, ya que a veces no consiste más que en jugar con la respuesta. “¿Cómo se hace un perfomance?” supongo que va de eso. Cada vez tengo menos claro qué es una obra de teatro, de danza, una performance o como lo llamen, y mucho menos cómo se hace eso que dice Valcárcel Medina que tiene fecha, hora, lugar y duración, eso para lo que se convoca a un público. En caso de haberlas, hay obras y hay obras. Hace unas semanas entre cañas me contaba un colega que había visto una obra de Mårten Spångberg. No me dijo nada. Sólo apuntó una idea. Que le molaba esa obra de Spångberg porque no entraba en la dialéctica vanguardia-retaguardia. Es decir: viejonuevo, guay-no guay. Y eso, para mí, a día de hoy, si es que es cierto o posible o me lo quiero creer, es uno de los lugares desde el que trabajar que más me acerca a las obras en el caso de haberlas. No salirse, ni siquiera entrar en las formas, las herramientas, los conceptos y los ademanes que han convertido la obsesión por la novedad y lo original en uno de nuestros peores enemigos como creadores, pero también como público (o “consumidores”). Los “decididores” (su propaganda) lo saben, lo están explotando, y como decían Los Planteas, seguimos “aquí dando vueltas” como si no consiguiéramos desprendernos de su maquinaria. Me gusta encontrarme con personas que se centran en generar las condiciones de presente para por si acaso logramos entre todos que se produzca una apertura, y ya. Yo sólo con eso flipo. Mazo. Molt. Todavía no he visto la primera obra de las Twins Experiment, pero conozco su recorrido y el lugar desde el que están peleando por trabajar, y creo que “por allí resopla”. Por eso quiero ir a ver cómo se preguntan cómo se hace una performance. María Salgado nos decía en un taller hace poco que en literatura, como en los demás ámbitos, siempre se tiende a estar con o en contra. Javi cita mucho a María para defender estar con. Para esta obra las Twins empezaron a trabajar con los materiales de obras de Aitana Cordero, Aleksandra Lemm y Emma Daniel, Paz Rojo, Cris Blanco, Eva Meyer Keller, con lugares, con libros, con… De todo eso se habrán desprendido, y habrán conseguido abrir otros campos en su juego por responder a la pregunta. Por eso quiero ir a ver “¿Cómo se hace una performance?” Por eso y para que me inviten con mi Carnet de Prensa de Teatron a una caña en el Antic Teatre. Fer de Play! |
MAR MEDINA sobre ¿Cómo se hace una performance? de Twins Experiment:
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El cuerpo de este texto ha surgido de una partida. Las Twins esencialmente juegan, así que les propuse a Laura y Ainhoa jugar una partida de SUSANA*, que es un juego para hablar de cosas, y escribir sobre su trabajo. [+]
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Las instrucciones del juego determinan un mínimo de tres jugadores, uno de los cuales será
SUSANA y los otros dos los asistentes que, mediante el diálogo, la ayudarán a articular, desplegar
o reconducir su discurso en relación a las preguntas de cada tirada. Como las Twins juegan a ser
una sola mente, me puse a pensar que ocurriría si tuviesen que darse la voz entre ellas para
responder. Así que les propuse una escisión y, dividiéndolas entre SUSANA y asistente, salieron a
jugar Laura y Ainhoa. Sin tiempo para ponerse de acuerdo previamente y alternando de lado a lado
de la cancha han estado, aunque sin estarlo nunca, en el mismo equipo. Lo que sigue a continuación es la transcripción de esa conversación alrededor de ¿Cómo se hace una performance? de Twins Experiment. Estuvimos hablando 45 minutos. Lo mismo que dura la pieza que presentan en Antic Teatre durante este fin de semana. SUSANA es ahora Ainhoa: ¿Por qué te interesa trabajar con este medio? -Medio. El medio. Supongo que nos estaremos refiriendo a… hmmm… Lo primero que me viene a la cabeza es la performance. Entonces, si es la performance, ¿por qué me interesa trabajar con este medio? Porque tiene que ver con un lugar en el que se explora. Que difícil es esto. A ver… (Laura como asistente dice “Jo, Ainhoa!, pero si lo hemos hablado mil veces!). Porque es un lugar en el que se explora desde la investigación, la experimentación, porque no hay tanta sensación de farsa… no sé. “A ver, como te asisto?” dice Laura. Y prosigue: “viniendo de donde venimos, del teatro físico, o viniendo de lo último que hicimos antes de esto que fue un Chejov, te empezó a interesar la performance a raíz de ¿Qué puede un cuerpo? de Paz Rojo, no? Y te acuerdas que hablamos de qué nos pasó cuando vimos los dúos? De qué pasó ahí? “. “Sí!”, dice Ainhoa, “como que de repente descubres un nuevo medio que no es en el que has estado trabajando y te pones a trabajar desde otro lugar que no es el de la interpretación. De una manera que te lleva más allá del lugar de representación, más allá de la posibilidad de representar. Y añade, “y hay algo como con el presente también. Con lo que pasa ahí en ese momento. Y también en la relación con el espectador. El lugar desde el que trabajas es completamente diferente. Emborronado… como yo ahora. Y también por el riesgo. Sí, el riesgo. -O sea, que a ti te pone? -Me pone, me pone… (risas) -Que bruta!… -A mi también. SUSANA es ahora Laura: ¿El formato con el que estás trabajando es el formato adecuado para hacer lo que quieres hacer? -“Puedo decir sí o no y chao, no?” -Sí (risas). “Pero es como el “sí y además”, no?” añade sonriendo y se dispone a contestar. “Considerando en este caso formato como acto escénico que voy a compartir, sí. Creo que es adecuado el hacerlo para que otra gente lo vea”. “Igual tiene que ver con el dispositivo”, apunta Ainhoa. “El dispositivo, vale sí”. Sigue Laura, “si le llamo formato a lo que nosotras hacemos que es un juego, un juego en el que Laura y Ainhoa entran, las Twins juegan 45 minutos, y Laura y Ainhoa se van, creo que es el formato adecuado porque a lo largo de un año y medio de proceso todo ha sido, de manera muy inconsciente, como un juego. En el sentido en que nos juntábamos para hacer prácticas comunes como reproducir piezas que ya existen, leer… la manera de hacer ha llevado a que el formato sea un juego. No lo encontramos realmente hasta después de un año, o sea, no lo pudimos nombrar como juego hasta después de ese tiempo. Nunca quisimos hacer un juego, nunca fue la idea, pero todo tenía esa dinámica que no sé como es (mueve las manos como moviendo cosas invisibles de sitio), sólo sé reproducirla con las manos”. Y sigue, “creo también que dentro del juego tú tienes una serie de pautas, de cosas a hacer, pero cómo las haces, en qué tiempo las haces, para qué las haces, en qué desembocan… Todas esas preguntas vienen a posteriori. Y todo eso es el riesgo que nosotras querermos asumir. Por eso creo que, a día de hoy, este formato de juego es el que mejor contiene el trabajo de un año y medio. -Si el formato se deriva del proceso suele ser así. -“Pues un sí”. SUSANA es ahora Ainhoa: ¿Qué materiales necesitas? -El cuerpo. A mi Twin, a mi otro cuerpo. El cuerpo, sí, porque si no tengo cuerpo no puedo acceder a otro cuerpo. Necesito también una kettle con una luz azul, dos micrófonos, una playlist bastante variada, dos pares de zapatillas, unas bragas, dos petos, dos cajas, rotuladores, sudaderas Adidas, Rihanna… “Qué más materiales?” Se pregunta. Y Laura toma el relevo, saltándose las reglas, y añade: “una linterna de muchos colores, libros, waffles, calcetines de rayas, una tela de colores con purpurina, pintauñas de purpurina, los tatuajes, los brillitos, a Perec, a Agamben”. Y Ainhoa sigue “sí, y agua, un proyector, capsulas de té, Céline Dion, las tazas de camping, unas luces de bici. Y luego todos los objetos que están pero que no salen. Que están ahí sólo porque tienen que estar, no sabemos por qué, pero no hay manera de desprenderse de ellos”. SUSANA es ahora Laura: ¿Si no tienes las herramientas necesarias cómo te las inventas? -Partiendo del hecho de que cuando empecé a hacer esto consideré que no tenía las herramientas y me las inventé, creo que sólo tienes que hacerlo. Es algo así como probar. Te pasa una cosa por la cabeza y la pruebas. En este caso como era con Ainhoa, lo que me pasaba por la cabeza lo compartía con ella. A veces, al compartir esa herramienta imaginada la clarificaba y una vez clarificada la ponía en práctica. Y sirviese o no sirviese ahí quedaba. -El compartir es entonces un generador de herramientas. Ainhoa dice en voz baja “…es que nos hemos inventado todo…”. Y Laura sigue: “Y la observación. Si no tienes herramientas te las puedes inventar observando. En algunos contextos la observación se ha perdido. Nosotras hemos observado mucho. Me he dado cuenta de que durante un año y medio he observado mucho. A mucha gente, muchas piezas”. Empiezan a hablar al unísono, “es un poco científico: tienes la observación, la hipótesis…”. Y sigue Laura, “de ahí sale un invento. Es como una fórmula, no es que invente de la nada. El inventar es un proceso, un trabajo. Y hay algo también de estar muy abierta a inventar, disponible. Porque igual lo que se te pasa por la cabeza no pertenece a un patrón, a un contexto, a una estructura o a una forma reconocible, porque igual es algo nuevo para ti y para apreciar eso tiene que haber una puertecita abierta”. SUSANA es ahora Ainhoa: ¿Puedes aplicar tu práctica o metodología a otra profesión o disciplina y viceversa? -Yo creo que sí. En relación a la metodología sí. A través de poner cosas en el espacio hemos empezado a entender lo que hacemos juntas y el porqué lo hacemos juntas. El encontrar ese universo común se ha transformado en una metodología, en una manera de trabajar. A ese nivel hay algo de ir generando metodología mientras haces, en vez de imponer una metodología, que puede aplicarse a otras disciplinas. -Sí, lo veo, pero… ¿vosotras podríais cocinar juntas? ¿Aplicando las reglas de vuestro trabajo en escena, podríais hacer una paella? -Siguiendo las mismas pautas que tiene el juego? Contestan a dúo, una vez más Laura pasa por encima de la red, “¡Pues podría ser!” (risas). Y siguen juntas de manera casi indiscernible: “Sí. Yendo a la base sí. Una cosa detona a otra, una cosa interrumpe a otra, es un juego de detonadores. Entonces sí que podría ser algo así como cuando echas la cebolla y empieza a chisporrotear pues entonces la otra echa el calabacín, y cuando la otra va a echar el arroz la otra dice “no!, que todavía no!” y entonces después echas el agua de golpe y pones música. Y entonces la música tiene que sonar hasta que el agua hierva, y cuando termine de hervir tiene que haber un silencio como de dos minutos para que el arroz esté tranquilito, se repose, y digas: “esto lo he hecho yo” (risas). SUSANA es ahora Laura: ¿Estás trabajando con el medio adecuado? -A ti te ha salido antes esa pregunta que hablaba del medio (refiriéndose a Ainhoa) y a mí me ha interpelado. Porque tú has dicho antes la palabra performance. Y yo tengo como un poquito de conflicto ahí entre performance y coreografía. “Estás trabajando con el medio adecuado?” se pregunta a si misma de nuevo en voz alta. Y sigue. “Sí, estoy trabajando con el medio adecuado si digo que mi medio es el trabajo coreográfico. Pero si digo que el medio es el de la performace, no lo sé. No sé. Lo niego casi como por rehuir de algo”. Ainhoa apunta “de un tiempo acá ha habido como un trasvase de significado de la palabra performance a la palabra coreografía, como contenedor de muchas cosas, y como que la frontera está muy desdibujada”. Laura sigue: “Relaciono la performance con el arte de acción pero no sólo es eso, también está relacionada con los años 60, en la órbita del happening y, si tengo en cuenta todo eso, no considero que actualmente sea mi medio porque no estoy haciendo ese tipo de acciones. A lo mejor, como he vuelto de Ámsterdam hace un año y he conocido a gente que trabaja con coreografía estoy más familiarizada con ese medio. -Coreografía expandida. – “Sí. Si lo llamo coreografía, en el sentido más amplio de la palabra, el medio es el adecuado.” SUSANA es ahora Ainhoa: ¿Hay equilibrio entre práctica y descanso? -¿En lo que hacemos? No. No hay, no hay, no hay. Ningún equilibrio. No hay descanso. Laura salta la barrera de nuevo y dice: “De hecho Ainhoa pierde continuamente el equilibrio. Muchísimo” (risas). Y Ainhoa sigue: “Sí, yo pierdo constantemente el equilibrio porque no hay descanso. Entonces claro, acabas en el tropiezo. Hay algo de hacer y hacer y cuando lo que estás haciendo no es visible estás haciendo dentro, en la cabeza. Ahí. Todo el rato. Intentado encontrar lo que viene después, intentando encajar las piezas del puzzle”. – ¿El proceso ha sido igual de trepidante? -Ha habido descanso porque no hemos podido hacerlo todo de golpe. Por falta de espacio. Porque si no… si no tendríamos ya tres piezas! (risas). Laura añade, “de hecho tenemos cuatro. Tres en la cabeza y esta” (más risas). Sigue Ainhoa haciendo uso de su turno: “Sí que ha habido espacios de pausa pero en los momentos en que hemos estado ensayando no ha habido descanso. De hecho creo que somos como bastante bestias. ¿Que tenemos la sala de nueve de la mañana a diez de la noche? Pues de nueve de la mañana a diez de la noche estamos en la sala. Y no paramos de trabajar, aunque comamos o nos echemos la siesta juntas, sigue siendo trabajo. Hay una especie de cosa como de mantener la actividad volcada hacia el trabajo todo el rato. De mantener el proceso activo todo el tiempo. Por lo tanto no hay equilibrio. Y esto también es generacional y también es de ahora, está todo el rato presente el ¿si no estás trabajando que estás haciendo? Si no estás trabajando no estás haciendo nada. El ocio queda al margen. Está mal visto. Descansar es malo. Hay algo muy chungo. Tenemos muy presente esta cosa de la multiventana, que es muy peligrosa. Parece que sólo estás haciendo un video para subir a Youtube pero a la vez sabes que te va a servir para hacer nosequé y a la vez te está inspirando para otra cosa futura. Y a la vez estás calentando el tupper con la comida. Y todo lleno. Todo lleno y todo vacío. Porque de repente te sientes como que ya no hay más. Yo creo que hasta los sueños a veces están como fracturados también. Lo multitodo. Míranos. Estamos multi. Hablando y dibujando a la vez. Increíble. SUSANA es ahora Laura: ¿Qué lenguaje necesitas para hacer lo que haces? -No es broma. Necesitaría el lenguaje telepático. Digamos que tengo el lenguaje verbal y el no verbal, pero me doy cuenta de que para hacer lo que hago necesito inventarme un lenguaje nuevo, que ahora ya existe y es el de las Twins, que tiene mucho que ver con pasar tiempo juntas. Al estar tanto tiempo juntas se ha ido desarrollando un lenguaje sin querer. (Empiezan a hablar a la vez, doblando la voz) “Como que se te pegan gestos, haces cosas a la vez, asocias cosas a la vez”. “Me estoy metiendo, me callo”, dice Ainhoa. Y Laura sigue. “Claro, ves, te crees que sabes lo que la otra piensa y lo dices. No nos diferenciamos. En realidad ahora porque estás tú pero cuando hablamos y no hay nadie más una acaba las frases de la otra o hablamos raro” (empiezan de nuevo a hablar a la vez y reímos). Laura sigue: “Realmente creo que funcionaría muy bien la telepatía entre las dos. ¿Las twins como se comunican? Nos hemos planteado el lenjuage verbal dentro de la pieza, porque entre nosotras no hablamos. Las Twins no hablan, así que al principio cada vez que queríamos decirnos algo lo hacíamos mediante medios, utilizando un chat o el traductor de Google. Y si hablamos para el público, hablamos las dos a la vez. Con la misma entonación, los mismos tiempos, si no, no hablamos. No lo necesitamos. Y si necesitamos que la otra se entere de algo es casi intentar comunicar con la mirada… algo casi medio telepático, sí. Últimamente está saliendo lo onomatopéyico y el uso de los emoticonos”. “Sí”, dice Ainhoa, “y ahí es donde decimos cultura de masas, toda esa sobreestimulación, toda esta cosa de nuestra generación que es como… es muy fuerte”. Y Laura sigue “es como que de repente dices este emoticono somos nosotras, y si te pongo esto y esto otro quiere decir esta cosa” (suena el tono de aviso de mensaje de whatsapp en mi móvil). -Entonces eso es estar huyendo de la representación y yendo a buscar aquello que te representa. Laura contesta: “Es muy fuerte, eh. Yo creo que eso ocurre también porque a nosotras nos pesa un poquito el lenguaje. El lenguaje verbal, el lenguaje del teatro, la declamación, y eso que venimos del teatro físico. Aún así hay mucho peso de la palabra.” SUSANA es ahora Ainhoa: ¿Eres flexible en lo que haces? -Bueno, partiendo de la base de que lo que hago es porque he sido flexible pues supongo que sí, no? Me refiero a que tiene que haber algo premeable para encontrar ese lugar común y esa metodología de trabajo. Si no hay una flexibilidad y tú lo que quieres hacer es una técnica concreta pues eso es lo que va a haber. “Oh! y yo le puedo hacer una pregunta?” dice Laura. -No. Hay una targeta para formular una pregunta pero nos tendría que salir. -Pues no la hago pero me la guardo aquí en la multicosa (risas). Ainhoa sigue: “Supongo que soy flexible hasta un punto”. -“Hasta que punto?”, dice Laura, y me pregunta en voz baja, “eso sí puedo, no?”) -“Hasta que punto?”. Ainhoa responde: “Pues ahora, por ejemplo, supongo que con lo que tenemos soy menos flexible, porque hay algo que está, y si ahora de repente eso fuese de nuevo un lugar de…”. (Laura interrumpe y se inicia un diálogo entre ellas dos) -O sea, que eres flexible en la investigación pero cuando encuentras una especie de dispositivo ya dejas de ser flexible? Eso es lo que estoy entendiendo yo ahora. -Pues no lo sé… -Flexible físicamente eres, eso sí… (risas) -Bueno, pues ya está. Lo dejamos aquí (más risas). -Esto nos va a dar para tema de conversación toda la semana… SUSANA es ahora Laura: ¿Le dedicarías un año más a desarrollar tu idea? -No, yo creo que ya esta idea se va a desarrollar compartiéndola con el público. No le daría un año más a esta idea. A la idea de Ainhoa y yo solas en un estudio no. Porque la pieza que falta es lo externo a nosotras. Un año y medio de endogamia es suficiente. Ahora ya está. SUSANA sigue siendo Laura: ¿Con qué herramientas trabajas? -Una herramienta muy potente es Ainhoa (risas). Dirigiéndose a Ainhoa, “no es que te quiera llamar herramienta”. Pero es la más potente. Es como cuando tú ves a los bailarines de Graham que se rinden a esa técnica. A esa herramienta. Pues a mí me pasa lo mismo con ella. Que yo me rindo. Y digo, “pues venga, pues vamos”. Ahora te veo como un destornillador… La herramienta es el cuerpo. -Y los objetos? -Eso es un temazo. -Sí, por eso lo saco. Laura me contesta. “Ha habido momentos en que he pensado que los objetos eran un lugar para agarrarnos cuando estábamos indefensas o indecisas. Sirven para, a través de ellos, hacer algo. Son el passing through. Todo pasa por ellos. Son canalizadores.” -Todo lo que pasa en escena está mediado por vuestros cuerpos y los objetos. La dinámica que recuerdo de la muestra de vuestro trabajo en La Caldera es la de un cuerpo que entra en acción por medio de un objeto que aparece. Así que creo que ahí hay una relación instrumental con el objeto muy potente que está creando una manera de hacer todo el rato. Laura me explica: “Antes salían muchos más objetos que ahora se están quedando dentro de las cajas. Ya no salen objetos porque sí. Aunque más que los “por qué” nos planteábamos los “para qué”. Para qué ponemos esto aquí? Muchísimos de los objetos son derivados de estéticas o nos recuerdan a piezas. “Algunos son memoria” dice Ainhoa, sáltandose las reglas del juego. Y sigue: “la kettel azul es de nuestra casa de Ámsterdam…, es que hay algo ahí entre la vida y lo que hacemos muy difuso. Yo hay veces que no sé si la vida es lo que hacemos en la pieza o si lo que estamos haciendo ahora mismo es la pieza. Se difumina mucho también por la relación que tenemos”. -Hay un lugar no jerárquico también en la relación que se establece en escena cuando se está mirando desde fuera. Entre vuestras acciones y las acciones de los objetos se establece un paralelismo. Por ejemplo, Ainhoa pone la kettle y la kettle calienta el agua. Llega un momento, cuando ha pasado el tiempo suficiente, en el que el efecto de vuestras acciones y el efecto que producen los objetos sobre todo lo demás se equipara. El sujeto de la segunda parte de la oración, la kettle, se coloca como sujeto al mismo nivel que Ainhoa. Ainhoa me contesta: “Hay algo muy importante en relación a nosotras con los objetos. Los objetos son los dueños del mundo. Nosotras somos menos que los objetos. Nosotras, en concreto, somos mucho de las cositas.” Y Laura sigue: “Vimos unos calcetines con emoticonos y ya se nos estaba yendo un poco de las manos… Somos unas fetichistas, pero a través de todo eso hemos ido construyendo una identidad. Nos hicimos muchísimas preguntas. Hubo un tiempo en que nos cuestionamos la estética del performer. Hay muchas tendencias. Cuando estás en diferentes contextos te fijas en la gente, en cómo viste, cómo se peina… Porque nosotros estamos en España. Y España no está en el triángulo de las Bermudas que forman Ámsterdam, Bruselas y Berlín. Esas tres ciudades se codean. Y es casi como que marcan algo”. Y Ainhoa añade: “Hay algo como de lo último, de lo último, de lo último que está ahí. Algo de la calle, algo de la cultura de masas. “Sí!”, sigue Laura, “salieron los aparatitos estos que ahora se llevan que son como un patinete eléctrico y a los tres días estábamos viendo uno en una pieza”. -Es lo que vosotras decís de la incorporación, es lo mismo que hace la publicidad, es una manera de hacer muy de ahora. Tengo esto y lo incorporo. Las prácticas absorven del medio de manera inmediata, en la medida en que algo está apareciendo ya está siendo puesto en escena. Además, el límite entre lo que se enseña y lo que no es cada vez más fino. Los medios están ahí, podríamos colgar una foto de lo que estamos haciendo ahora mismo en Instagram. Y Ainhoa añade, haciendo un chasquido de dedos: “Ya. Así. Esto podría ser una pieza para tres personas que actúan y son espectadoras a la vez”. La alarma que marcaba el fin de los 45 minutos no sonó y al acabar de hablar de las herramientas habíamos saltado ya al minuto 2 de la prórroga. Yo que les iba a decir de volver a tirar. Ellas siguen en juego en Barcelona aún dos días más, hoy y mañana en el Antic. *SUSANA ha sido desarrollado inicialmente por Aimar Pérez Galí, Clara Tena, Carme Torrent i Mar Medina en residencia en el Centre Choreographique National Rubaix Nord-Pas de Callais (Francia). |
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Es la pregunta des la que parteixen Ainhoa i Laura. |
Es la pregunta desde la que parten Ainhoa y Laura |
It’s the question that’s Ainhoa and Laura’s starting point |
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