¨Y per què John Cage?" intenta ser un estudi sobre so, significat i cos en un discurs donat. El poder del so de las paraules. So com estructura, com dinàmica que viatja i es transforma. Discurs sensorial i no significatiu. No volem significar, al contrari, volem designificar per endinsar-nos en el terreny d´allò sensitiu, d´allò relacional, d´allò perceptiu i corpori. El discurs pot ser qualsevol discurs. No es important el què diem sino com ho diem, quienes eines musicals i coreogràfiques utilitzem per destrossar el text i submergir-nos en el treball de l´intèrpret per suggerir i surfejar per les onades d´allò que no significa. Fragmentació, repetició i unisò son les nostres eienes de treball per composar aquesta estructura coreogràfica a la anomenarem DISCURS¨

Guillem Mont de Palol es va graduar a la SNDO (School for New Dance Development) a Amsterdam el 2006. Combina el treball per a diferents coreògrafs per així poder fer el seu propi treball. Com intèrpret treballa amb Mette Ingvartsen, Vincent Dunoyer, Andrea Bozic, Min Tanaka y Masu Fajardo. La seva obra es situa entre la dansa, la instal·lació, l’esdeveniment i la performance. Les seves últimes creacions són I need you to play that body i About George.

Jorge Dutor va estudiar escenografia a la RESAD de Madrid. Després de passar pel món del cinema i la televisió, va aterrar a l’àmbit de la dansa i les arts escèniques. Treballa amb Pere Faura i Aitana Cordero.

"Y por qué John Cage? quiere ser un estudio sobre sonido y significado en un discurso dado. El poder del sonido de las palabras. sonido como estructura, como dinámica que viaja. Discurso sensorial y no significativo. No queremos significar, al contrario, queremos designificar para adentrarnos en el terreno de lo sensitivo, de lo relacional, de lo perceptivo y de lo corpóreo. El discurso puede ser cualquier discurso. No es importante lo que decimos sino cómo lo decimos, qué herramientas musicales y coreográficas utilizamos para destrozar el texto y submergirnos en el trabajo del intérprete para suggerir i surfear por las olas de lo no significativo. Fragmentación, repetición y unísono son nuestras herramientas para componer esta estructura coreográfica a la que llamaremos DISCURSO"

Guillem Mont de Palol se graduó en la SNDO (School for New Dance Development) en Amsterdam en 2006. Combina el trabajo para diferentes coreógrafos para así poder hacer su propio trabajo. Como intérprete trabaja con Mette Ingvartsen, Vincent Dunoyer, Andrea Bozic, Min Tanaka y Masu Fajardo. Su obra se sitúa entre la danza, la instalación, el evento y la performance. Sus últimas creaciones son I need you to play that body y About George.

Jorge Dutor estudió escenografía en la RESAD de Madrid. Tras pasar por el mundo del cine y la televisión, aterrizó en el ámbito de la danza y las artes escénicas. Trabaja con Pere Faura y Aitana Cordero.

”Y por que John Cage?” is a study on sound and meaning in a given speech. The power of the sound of words; sound as structure, as a travelling dynamic. Sensorial rather than meaningful speech. We don’t want to have meaning, on the contrary, we want to remove the meaning in order to penetrate the realms of the senses, of relationships, of perceptions and of the physical. The speech could be any speech. What we say isn’t important, but how we say it, what musical and choreographic tools we use to deconstruct the text and submerge ourselves in the performance, surfing and insinuating the waves of no meaning. Fragmentation, repetition and echoing are the tools used in the composition of this choreographic structure that we shall call SPEECH.

Guillem Mont de Palol graduated from the SNDO (School for New Dance Development) in Amsterdam in 2006. He then worked with different choreographs while at the same time developing his own creations. As a performer he has worked with Mette Ingvartsen, Vincent Dunoyer, Andrea Bozic, Min Tanaka and Masu Fajardo. His work slots in between dance installation, event and performance. His latest works are I need you to play that body and About George.

Jorge Dutor studied stage design at RESAD in Madrid. After working in film and televison, he ended up in the field of dance and stage arts. He has worked with Pere Faura and Aitana Cordero.

"Et pour quoi John Cage ? veut être une étude sur le son et le sens  dans un discours. La puissance des sons des mots, le son comme structure, comme une dynamique qui voyage. Un discours sensoriel et non significatif. Nous ne voulons pas signifier, au contraire, nous voulons designificar pour nous enfoncer dans le domaine du sensitif, du relationnel, le perceptif et le corporel. Le discours peut être n'importe quel discours. Ce n'est pas important ce que nous disons mais si la façon de le dire, quels outils musicaux et choréographiques  on utilise pour détruire  le texte et plonger dans le travail de l'interprète pour suggérer  et  surfer dans les vagues du non significatif. Une fragmentation, une répétition et un unisson sont nos outils pour composer cette structure choréographique  que nous  appellerons  DISCOURS"

Guillem Mont de Palol , diplômé par le SNDO (School for New Dance Development) à Amsterdam en 2006. Il travail avec différents chorégraphes, pour ainsi pouvoir continuer son travail. Comme interprète il travaille avec Mette Ingvartsen, Vincent Dunoyer, Andrea Bozic, Min Tanaka et Masu Fajardo. Son travail se place entre la danse, l’installation et la performance. Ses dernières créations sont, son I need you to play that body y About George.

Jorge Dutor fait des études de scénographie à RESAD à  Madrid. Après avoir travaillé dans le cinéma et la télévison,il atérrit dans le monde de la danse et les arts scéniques. Il travaille avec Pere Faura et Aitana Cordero.

Com el Jaromir va buscar la felicitat és un espectacle poètic inspirat en la obra homònima de Peter Svetina. L'astrònom Jaromir observa les estrelles des del seu altell, buscant la felicitat. Cada dia el visita la senyoreta Jarmila, que li cuida la casa. Un dia ennuvolat, quan no es veuen les estrelles en el cel, Jarmila enfoca el seu telescopi a un altre lloc, a un passeig màgic entre relats de petits moments secrets. Jaromir queda desconcertat, com si li hagués arribat un cometa de veritat; ¿havia tingut sempre la felicitat al seu abast?

Ajda Rooss és un artista versàtil, que treballa principalment amb marionetes com a dramaturga, directora, marionetista, escriptora i pedagoga. Col·labora amb vàries institucions (els teatres de marionetes de Ljubjana i Maribor) i centres independents (Glej Theatre, Konj Puppet Theatre, Fru-Fru Theatre).
Després d’un breu període estudiant arquitectura, Jasna Vastl va entrar en l’Acadèmia de Belles Arts de Ljubljana, va estudiar a Bratislava i es va certificar en Comunicació Visual al 1997. Al 2002 va obtenir la Llicenciatura en disseny d’escenografia i vestuari de l’Acadèmia de Teatre de Ljubljana, on imparteix classes sobre escenografia des del 2010. Treballa en els àmbits d’escenografia, vestuari i disseny de marionetes.



Barne Vižintin, nascut el 1969, és marionetista, professor, actor i animador i treballa pel Teatre de Marionetes de Ljubljana. Ha col·laborat en molts teatres independents i públics, ha fundat quatre teatres de marionetes independents professionals i ha rebut nombrosos guardons pel seu treball i contribució a la cultura marionetista d'Eslovènia.

Como Jaromir buscó la felicidad es un espectáculo poético inspirado en la obra homónima de Peter Svetina. El astrónomo Jaromir observa las estrellas desde su altillo, buscando la felicidad. Cada dia le visita la señorita Jarmila, quien le cuida la casa. Un día nublado, cuando no se ven estrellas en el cielo, Jarmila enfoca su telescopio a otro lugar, a un paseo mágico entre relatos de pequeños momentos secretos. Jaromir queda desconcertado, como si le hubiera alcanzado un cometa de verdad; ¿había tenido siempre la felicidad a su alcance?

Ajda Rooss es un artista versátil, que trabaja principalmente con marionetas como dramaturga, directora, marionetista, escritora y pedagoga. Se certificó en dramaturgia en la Academia de Teatro de Ljubljana. Colabora con varias instituciones (los teatros de marionetas de Ljubljana y Maribor) y centros independientes (Glej Theatre, Konj Puppet Theatre, Fru-Fru Theatre).
Tras un breve período estudiando arquitectura, Jasna Vastl entró en la Academia de Bellas Artes de Ljubljana, estudió en Bratislava y se certificó en Comunicación Visual en 1997. En 2002 obtuvo una licenciatura en diseño de escenografía y vestuario de la Academia de Teatro de Ljubljana, donde imparte clases sobre escenografía desde el 2010. Trabaja en los ámbitos de escenografía, vestuario y diseño de marionetas.

Barne Vižintin, nacido en 1969, es marionetista, profesor, actor y animador y trabaja para el Teatro de Marionetas de Ljubljana. Ha colaborado con muchos teatros independientes y públicos, ha fundado cuatro teatros de marionetas independientes profesionales y ha recibido numerosos galardones por su trabajo y contribución a la cultura marionetista en Eslovenia.

How Jaromir sought happiness is a poetic show inspired by Peter Svetina’s homonymous story. The stargazer Jaromir keeps looking at the stars from his attic room, seeking happiness. Each day, he is visited by misses Jarmila, who helps him with housework. On a cloudy day, when no stars appear in the sky, Jarmila turns his telescope elsewhere, to a magical walk through stories of small, secret moments. He is suddenly shaken, as if hit by a comet: was happiness within his reach all this time? The performance is without text, therefore appropriate for international audiences.

Ajda Rooss is a versatile artists, working mainly on puppeteering as a dramaturg, director, puppeteer, writer, pedagogue. She graduated dramaturgy at the Ljubljana Academy of Theatre. She collaborates with numerous institutions (the Ljubljana and Maribor Puppet Theatres) and NGOs (Glej Theatre, Konj Puppet Theatre, Fru-Fru Theatre).
After briefly studying architecture, Jasna Vastl enrolled into the Ljubljana Academy of Arts, spent time studying in Bratislava and graduated Visual Communication in 1997. In 2002, she recieved a BA in set and costume design at the Ljubljana Theatre Academy, where she’s been lecturing on set design since 2010. She works in the fields of set, costume and puppet design.




Barne Vižintin, born in 1969 is a puppeteer, teacher, actor – animator, employed at the Ljubljana Puppet Theatre. He has collaborated with many institutional and independent theatres, founded four independent professional Puppet theatres and has recieved numerous awards for his work and contributitions to the puppeteer culture in Slovenia.

La tipologia d'aquest projecte de l’Associació Cultural OME es basa en la unió de dos músics o no-músics, els quals en l'espai de 45 minuts puguin oferir una intervenció sonora (o no) repartida en dos sols de 15 minuts cadascun i un duet de 15 minuts.
Intervencions amb instruments, artefactes, electrònica, micròfons, ordinadors i objectes (manipulats) de tot tipus.
A cada intervenció participarà sempre Juan Crek (que utilitzarà la seva veu, instruments diversos, bases, objectes i micro-contactes) amb un altre músic o no-músic.


Pablo Rega
La Corunya 1971 - guitarrista i músic electrònic.
Col · labora amb diverses formacions i projectes:  "IED8", "Pensen els peus" al costat de Nilo Gallego, "Z1C0" amb LAR. Legido i Tom Chant, "AH-Unha" ensemble d'improvisació, "BRUITAGE" amb Tom Chant i Javier Carmona i "BANDA CREBINSKY".
Realitza instal · lacions sonores amb l'escultor Oscar de Paz, i peces per a diferents festivals d'art i tecnologia. Ha col · laborat amb el col · lectiu "Binaural" a Portugal i ha realitzat nombroses bandes sonores per a companyies de teatre com, Chevere (Galícia), Ladanaus (Lleó), Los Corderos (BCN), Antigua i Barbuda (BCN), PlayGround (BCN), així com per a diferents projectes de cinema documental. Realitza conduccions per a diferents formacions com l'orquestra OMEGA (Santiago de Compostel · la) i la Banda de Improvisadors de Barcelona (BIB) i ha estat membre de l'orquestra FOCUS de Madrid. Com a compositor realitza peces a partir de la manipulació i fabricació de dispositius de so presos de diferents fonts i materials, tant electrònics com acústics.
Actualment resideix a Barcelona.


Juan Crek
Format en la tècnica mecànica del saxofon baríton. Explora les possibilitats fonètiques de la veu i la manipulació d'objectes quotidians. Cofundador de bandes com OME Acústic, Banda d'Improvisadors de Barcelona, Macromassa, Olas de Cresta Blanca, Ongo, Quartet Zap de Saxòfons. Casat des de 2010 amb la insigne arquitecta veneçolana Meralis Castrillo. Li agraden les paelles, el formatge, els albercocs, viatjar en tren, la migdiada, les albes i la vida (això que hi ha entre el néixer i el morir).

La tipología de este proyecto de la Asociación Cultural OME se basa en la unión de dos músicos o no-músicos, los cuales en el espacio de 45 minutos puedan ofrecer una intervención sonora (o no) repartida en dos solos de 15 minutos cada uno y un dueto de 15 minutos.
Intervenciones con instrumentos, artilugios, electrónica, micrófonos, ordenadores y objetos (manipulados) de todo tipo. En cada intervención participará siempre Juan Crek (que utilizará su voz, instrumentos diversos, bases, objetos y micro-contactos) junto a otro músico o no-músico.

Pablo Rega
La Coruña 1971 - guitarrista y músico electrónico.
Colabora con diversas formaciones y proyectos: "IED8", "Piensan los pies" junto a Nilo Gallego, "Z1C0" con LAR. Legido y Tom Chant, "AH-UNHA" ensemble de improvisación, "BRUITAGE" con Tom Chant y Javier Carmona y "BANDA CREBINSKY".
Realiza instalaciones sonoras con el escultor Oscar de Paz, y piezas para diferentes festivales de arte y tecnología. Ha colaborado con el colectivo "Binaural" en Portugal y ha realizado numerosas bandas sonoras para compañías de teatro como, Chevere (Galicia), Ladanaus (León), Los Corderos (BCN), Antigua i Barbuda (BCN), PlayGround (BCN), así como para diferentes proyectos de cine documental. Realiza conducciones para diferentes formaciones como la orquesta O.M.E.GA (Santiago de Compostela) y la Banda de Improvisadores de Barcelona (BIB) y ha sido miembro de la orquesta FOCO de Madrid.
Como compositor realiza piezas a partir de la manipulación y fabricación de dispositivos de sonido tomados de diferentes fuentes y materiales, tanto electrónicos como acústicos.
Actualmente reside en Barcelona.

Juan Crek
Formado en la técnica mecánica del saxofón barítono. Explora las posibilidades fonéticas de la voz y la manipulación de objetos cotidianos. Cofundador de bandas como OME Acústic, Banda de Improvisadores de Barcelona, ​​Macromassa, Olas de Cresta Blanca, Ongo, Cuarteto Zap de Saxofones. Casado desde 2010 con la insigne arquitecta venezolana Meralis Castrillo. Le gustan las paellas, el queso, los albaricoques, viajar en tren, la siesta, los amaneceres y la vida (eso que hay entre el nacer y el morir).

The typology of this project is based on the union of two musicians or non-musicians, who in the space of 50 minutes will provide a sound intervention (or not) divided into two 15-minute solos and a 20-minute duet.
These interventions will use instruments, gadgets, electronica, microphones, computers and (manipulated) objects of all kinds. Juan Crek (using his voice, diverse instruments, databases, objects and micro-contacts) will take part in all the interventions together with another musician or non-musician.



Pablo Rega
La Coruña 1971 - Guitar and electronic musician.
Collaborate with diverse backgrounds and projects: "IED8", "Think their feet" with Nilo Gallego, "Z1C0" with LAR. Legido and Tom Chant, "AH-Unha" improvisation ensemble, "BRUITAGE" with Tom Chant and Javier Carmona and "BANDA CREBINSKY".
Makes sound installations with the sculptor Oscar de Paz, and parts for various festivals of art and technology. He has collaborated with the group "Binaural" in Portugal and has done numerous soundtracks for theater companies, Chevere (Galicia), Ladanaus (Leon), Lambs (BCN), Antigua i Barbuda (BCN), PlayGround (BCN) and for several documentary film projects.
Make lines for different groups such as the orchestra O.M.E.G.A (Santiago de Compostela) and the Band of Improvisers of Barcelona (BIB) and has been a member of the orchestra FOCUS Madrid.
As a composer, he makes plays from the handling and manufacture of audio taken from different sources and materials, both electronic and acoustic. Presently lives in Barcelona.




Juan Crek
Trained in technique of baritone saxophone, he explores the phonetic possibilities of voice and the manipulation of everyday objects. Cofounder of bands such as OME Acústic, Banda de Improvisadores de Barcelona, ​​Macromassa, Olas de Cresta Blanca, Ongo, and Cuarteto Zap de Saxofones. He has been married to celebrated Venezuelan architect Meralis Castrillo since 2010. He likes paella, cheese, apricots, riding trains, siestas, dawn and life (that thing you do between being born and dying).

La typologie du projet de l’ Association Culturelle OME est fondée sur l'union de deux musiciens ou non-musiciens, qui dans un espace de 45 minutes offrent une intervention sonore (ou non), divisé en deux solos de 15 minutes chacun et un duo de 15 minutes.
Interventions avec instruments, gadgets, électronique, microphones, ordinateurs et objets (manipulées) de toutes sortes.
Dans chaque intervention Juan Crek participera toujours (utilise sa voix, des instruments divers, des bases, objets et micro-contactes) avec un autre non-musicien ou musicien.

Juan Crek
Formé dans la technique mécanique du saxophone baryton. Explore les possibilités phonétiques de la voix et la manipulation d’objets quotidiens. Co-fondateur de bandes comme OME, Acústic , Banda de Improvisadores de Barcelona, Macromassa, Olas de Cresta Blanca, Ongo, Cuarteto Zap de Saxofones. Marié depuis 2010 avec la célèbre architecte de venézuela Meralis Castrillo. Il aime la paella, le fromage, les abricots, voyager en train, la sieste, les levers de soleil et la vie (ce qui est entre la naissance et la mort).

Post Mortem es constitueix a partir d’un personatge, una dona que alienada per la rutina, la solitud i l’avorriment de la seva existència domèstica, imagina i protagonitza històries on la frontera entre allò que s’inventa i la realitat es desdibuixen. Aquest projecte treballa sobre com les nostres trajectòries es construeixen a partir de la fluctuació entre nosaltres i les nostres circumstàncies externes, entre la nostra essència i la nostra existència, i aposta per al poder de l’invenció per guiar la nostra realitat.

“Només escric perquè no puc evitar-ho” (Charlotte Brontë).

Ester Forment Llicenciada en Psicologia i Màster en Mediació Corporal Especialista: Psicomotricitat. Es forma com a ballarina des del 1995 i investiga diferents còdis de moviment. Les seves arrels neixen de les arts marcials, on va començar desde molt petita, i moguda per la curiositat va explorar la dansa i els seus altres camins: capoeira, contact-improvització, clàssic, contemporani (tècniques Graham, Horton…).

Isabel Franco, filòloga i escenògrafa, ha treballat com a diseñadora d’escenografia, vestuari i il·luminació en diversos projectes i disciplines. Post Mortem és la seva primera incursió en la dramatúrgia i respon al seu interès per treballar els elements escènics com a part imprescindible i activa de la creació escènica.


Volem agrair a Diego Anido la seva col·laboració en la Direcció d’aquest projecte, la seva dedicació i passió que ens ha regalat en el procés d’aquest treball. I també a Jordi Serrano pel seu compromís amb els vídeos i les fotografies.

Post Mortem se construye a partir de un personaje, una mujer que alienada por la rutina, la soledad y el aburrimiento de su existencia doméstica imagina y protagoniza historias donde la frontera entre la invención y lo real se desdibuja. Este proyecto trabaja sobre cómo nuestra trayectoria se construye a partir de la fluctuación entre nosotros y nuestras circunstancias externas, entre nuestra esencia y nuestra existencia, y apuesta por el poder de la invención para guiar nuestra realidad.


“Solo escribo porque no puedo evitarlo” (Charlotte Brontë).

Ester Forment Licenciada en Psicología y Máster en Mediación Corporal Especialista: Psicomotricidad. Se forma como bailarina desde 1995 e investiga distintos códigos de movimiento. Sus raíces nacen de las artes marciales, dónde comenzó desde muy pequeña y luego movida por la curiosidad exploró la danza y sus otros caminos: capoeira, contact-improvisación, clásico, contemporáneo (técnicas Graham, Horton…).

Isabel Franco, filóloga y escenógrafa, ha trabajado como diseñadora de escenografía, vestuario e iluminación en diversos proyectos y disciplinas. Post Mortem es su primera incursión en la dramaturgia y responde a su interés por trabajar los elementos escénicos como parte imprescindible y activa de la creación escénica.


Nos gustaría agradecer a Diego Anido por la Dirección de este proyecto, por su entrega, dedicación y pasión que nos ha regalado en el proceso de este trabajo. Y también a Jordi Serrano por su compromiso con los vídeos y las fotografías.

Post-mortem is based on a character: a woman who, alienated by the routine, loneliness and boredom of her home life imagines and lives out stories in which the line between imagination and reality becomes blurred. This project works on the idea that our path is constructed from the flow existing between ourselves and our external circumstances, between our essence and our existence, and it upholds the power of invention as a guide for our reality.



"I only write because I cannot avoid it. " (Charlotte Brontë).

Ester Forment holds a degree in Psychology and a Masters in Corporal Mediation specialising in psychomotor activity. She trained as a dancer from 1995 and investigates different codes of movement. Her roots are in martial arts, which she began at a very young age, and then curiosity led her to explore dance and its various manifestations: capoeira, contact-improvisation, classic, contemporary (Graham and Horton techniques, etc…).

Isabel Franco, philologist and set designer, has designed scenery, wardrobe and lighting for diverse projects and disciplines. Post-mortem is her first incursion into dramaturgy and responds to her interest in working sets as an indispensable and active part of stage creation.




We would like to thank Diego Anido for directing this project, and for the enthusiasm, dedication and passion he has shown us during this working process. Also Jordi Serrano, for his video and photographic work.

Post Mortem, se construit à partir d’un personnage, une femme qui aliénée par la routine, la solitude et l’ennui de son existence doméstique, imagine et joue des histoires où la frontière entre l’invention et la réalité change. Ce projet travaille sur comment notre trajectoire est construite à partir de la fluctuation entre nous et nos circonstances externes, entre notre essence et notre existence, et un pari par le pouvoir de l'invention pour guider notre réalité.




"J'écris seulement parce que je ne peux pas l'éviter" (Charlotte Brontë).

Ester Forment licenciée en Psychologie et un Master dans la Médiation Corporelle . Spécialiste : Psychomotricité. Se forme comme danseuse dès 1995 et enquête différents codes de mouvement. Ses racines naissent des arts martiaux, où elle a commencé depuis très petite et tout de suite bougée par la curiosité a exploré la danse et ses autres chemins : capoeira, contact- improvisation, classique, contemporain (des techniques Graham, Horton …)

Isabel Franco filphilologue et scénographe, à travaillé comme diseñadora d'une mise dans scène, les costumes et l’éclairage dans divers projets et différentes disciplines. Post Mortem est sa première incursion dans la dramaturgie et répond à l’ intérêt de travailler les éléments scéniques comme une étape éssentielle et active de la création scénique.

Nous tenonsà remercier Jacques Anido par la direction de ce projet, pour son engagement, le dévouement et la passion qui nous a donné dans le processus de ce travail. Et Jordi Serrano pour l’ engagement en faveur des vidéos et des photographies.

Aquests dos documentals formen part de la trilogia d’Arturo Hortas sobre el petroli i l’indigenisme a l’Amazònia equatoriana, que acabarà amb “El caso Sarayaku”, actualment en fase de producció.


“Sucumbíos Tierra sin Mal”
Els habitants d’aquesta terra peregrinaven eternament en busca de la “Terra sense Mal”, un lloc on tinguessin abundància d’aliments i pau entre la seva gent.
Al 2011 es cumpleix un segle de la primera extracció de petroli a l'Equador. A Sucumbíos va començar al 1967, afectant a cinc nacionalitats indígenes. Una d’elles és el Pueblo Cofán.

“Yasuní, el buen vivir”
Aquest documental tracta sobre la problemàtica de la Reserva de la Biosfera Yasuní, a l’Amazonia equatoriana, que alberga el 20% de les reserves de petroli del país. La iniciativa Yasuní ITT sol·licita a la comunitat internacional el 50% dels diners que s’obtindrien amb l’extracció de l’or negre, per a invertir-ho en conservació, investigació i energies alternatives.


Arturo Hortas, llicenciat en Veterinària, cooperant i creador musical i audiovisual. L’últim dels seus discos publicats, anomenat “En la mitad del mundo”, que narra una experiència de cooperació a la Universidad Campesina Amazónica de Sucumbíos (Ecuador), serà l’antesala de la seva trilogia dedicada al petroli i indigenisme a l’Amazònia Equatoriana.

Estos dos documentales forman parte de la trilogía de Arturo Hortas sobre el petróleo e indigenismo en la Amazonia ecuatoriana, que terminará con “El caso Sarayaku”, actualmente en fase de producción.


“Sucumbíos Tierra sin Mal”
Los habitantes de esta tierra peregrinaban eternamente en busca de la "Tierra sin Mal", lugar donde tuvieran abundancia de alimentos y paz entre sus gentes.
En 2011 se cumple un siglo de la primera extracción de petróleo en Ecuador. En Sucumbíos comenzó en 1967, afectando a cinco nacionalidades indígenas. Una de ellas es el Pueblo Cofán.

“Yasuní, el buen vivir”
Este documental tata sobre la problemática de la Reserva de la Biosfera Yasuní, en la Amazonia ecuatoriana, que alberga el 20% de las reservas de petróleo del país. La iniciativa Yasuní ITT solicita a la comunidad internacional el 50% del dinero que se obtendría con la extracción del oro negro, para invertirlo en conservación, investigación y energías alternativas.

Arturo Hortas, licenciado en Veterinaria, cooperante y creador musical y audiovisual. El último de sus discos publicados, llamado “En la mitad del mundo”, que narra una experiencia de cooperación en la Universidad Campesina Amazónica de Sucumbíos (Ecuador), será la antesala de su trilogía dedicada al petróleo e indigenismo en la Amazonia Ecuatoriana.

These two documentaries are part of Arturo Hortas’ trilogy on oil and the indigenous people of Ecuador’s Amazonia. The last instalment, The Sarayaku Affair, is currently under production.


"Sucumbíos, Land without Evil"
The denizens of this land wandered eternally in search of the Land without Evil, a place where they would find food in abundance and peace between their peoples.
2011 marked the hundredth anniversary of the first oil strike in Ecuador. Oil extraction began in Sucumbíos in 1967, affecting five different indigenous peoples: one of these is the Cofán tribe.

"Yasuní: The Good Life"
This documentary examines the situation in the Yasuní Biosphere Reserve, in Ecuadorian Amazonia, which also holds 20% of the country’s oil reserves. The Yasuní ITT initiative has asked the international community for 50% of the money that would be obtained by extracting the ‘black gold’, so that it can be invested in conservation, research and alternative energies.

Arturo Hortas holds a degree in Veterinary Medicine as well as being a collaborative and creative musician and film maker. His latest release, In the middle of the world, talks about his cooperation experience at the Landworkers’ Amazonian University of Sucumbíos (Ecuador) and is an introduction to his trilogy dedicated to oil and indigenous peoples in Ecuadorian Amazonia.

El Come&See és un mercat d’espectacles d’arts escèniques dirigit sobretot a programadors i productors internacionals, però també de l’estat espanyol i de Catalunya. La proposta del Come&See és donar a conèixer els millors espectacles de les arts escèniques catalanes i difondre les arts contemporànies produïdes al territori.


En l’edició d’aquest any, les fàbriques de creació de Barcelona s’afegeixen a la proposta i seran els espais on es desenvoluparan els showcases (exhibició de petits fragments dels espectacles) i les presentacions dels projectes de les companyies seleccionades. És per això que l’Antic Teatre, un dels referents de l’escena independent actual del país i centre de recursos globals per les companyies d’arts escèniques i visuals compromeses amb la recerca de nous llenguatges, serà l’espai on es podran veure les propostes que fan referència a les “noves tendències” de la creació escènica del territori.


La participació de l’Antic Teatre en aquest projecte respon als seus objectius de donar més visibilitat i oportunitats dins el mercat estatal i sobretot internacional a les propostes basades en la investigació de nous llenguatges, que solen tenir grans dificultats alhora de poder accedir a aquests circuits.


A part de les activitats programades en les fàbriques de creació, la resta del Come&See tindrà la seva seu central a la Ciutat del Teatre i se celebrarà en el marc del GREC 2012, Festival de Barcelona. Al Hub del Grec, que s’instalarà a la Plaça Margarida Xirgu dins la carpa gran del Circ Cric, se celebraran els actes de trobada, diàleg, mercat, presentacions de projectes per a la coproducció i festes durant la nit.

El Come&See es un mercado de espectáculos de artes escénicas dirigido sobretodo a programadores y productores internacionales, pero también del estado español y de Catalunya. La propuesta del Come&See es dar a conocer los mejores espectáculos de las artes escénicas catalanas y difundir las artes contemporáneas producidas en el territorio.


En la edición de este año, las fábricas de creación de Barcelona se añaden a la propuesta y serán los espacios donde se desarrollarán los showcases (exibición de pequeños fragmentos de los espectáculos) y las presentaciones de los proyectos de las compañías seleccionadas. Es por esto que Antic Teatre, uno de los referentes de la escena actual del país y centro de recursos globales para las compañías de artes escénicas y visuales comprometidas con la investigación de nuevos lenguajes, será el espacio donde se podrán ver las propuestas que hacen referencia a las “nuevas tendencias” de la creación escénica del territorio.

La participación de Antic Teatre en este proyecto responde al sus objetivos de dar más visibilidad y oportunidades dentro del mercado estatal y sobretodo internacional a las propuestas basadas en la investigación de nuevos lenguajes, que suelen tener grandes dificultades a la hora de poder acceder a estos circuitos.

A parte de las actividades programadas en las fábricas de creación, el resto del Come&See tendrá su sede central en la Ciutat del Teatre y se celebrará en el marco del GREC 2012, Festival de Barcelona. En el Hub del Grec, que se intalará en la Plaza margarida Xirgu dentro de la carpa grande del Circ Cric, se celebrarán los actos de encuentro, diálogo, mercado, presentación de proyectos para la coproducción y fiestas durante la noche.

Come&See is a performance arts fair aimed primarily at international programmers and producers, but also at the Catalan and Spanish market. The idea behind Come&See is to provide visibility for Catalonia’s top work in performance arts and extend their reach beyond national terrain.



Barcelona’s creation factories are joining the event this year as venues for showcases and full-length works of selected companies. Antic Teatre, one of the landmarks in national peformance creation and a global resource centre for performance and visual art companies committed to the research of new languages, will host all performances in the ‘new tendencies’ category of Catalan performance arts.






Antic Teatre sees its participation in this project as a way of supporting its aims to provide more visibility and opportunities within the national and, above all, international markets for cutting-edge and research-based performance work, which usually encounters difficulties in accessing these circuits.


In addition to the activities programmed at the creation factories, Come&See will have its headquarters at the Ciutat del Teatre and will be integrated into the GREC 2012 Festival of Barcelona. All related meetings, discussions, market, project presentations for coproductions and night-time parties will be held at the Grec’s Hub, which will be set up in Margarida Xirgu Square inside Circ Cric’s big top.

Significats de Fogó: 1) m. Antigament, lloc en les cuines on es feia el foc per cuinar. 2) En les calderes de les màquines de vapor, lloc destinat al combustible 3) Amer. Foc que es fa a terra. 4) Reunió d'amics al voltant d'un foc.
Aquest "Fogó Elèctric” serà la reunió d'una sèrie d'artistes que desenvolupen els seus projectes al voltant del circuit bending, els 8 bits i l'electrònica DIY (Do it Yourself). Aparells modificats, sintetitzadors de construcció casolana i velles consoles gameboy es reuniran al voltant d'una "foguera elèctrica" on cada artista compartirà els seus sons i els artistes visuals aportaran les seves produccions pixelades! El focus d'atenció anirà passant d'un en un fins a acabar en una jam amb tots tocant alhora.



El col·lectiu d'artistes de la cultura DIY (Fes-ho tu mateix) més actiu de la ciutat es fa present a l'Antic Teatre per desenvolupar aquesta performance. Tots compten amb una trajectòria nacional i internacional ja sigui en concerts o donant tallers de construcció o modificació d'aparells electrònics.

Significados de Fogón: 1) m. Antiguamente, sitio en las cocinas donde se hacía el fuego para guisar. 2) En las calderas de las máquinas de vapor, lugar destinado al combustible 3) amer. Fuego que se hace en el suelo. 4) Reunión de amigos alrededor de un fuego.
Este “Fogon Eléctrico” sera la reunión de una serie de artistas que desarrollan sus proyectos en torno al cicuit bending, los 8 bits y la electrónica DIY. Aparatos modificados, sintetizadores de construcción casera y viejas consolas gameboy se reunirán en torno a una “fogata eléctrica” donde cada artista compartirá sus sonidos y los artistas visuales aportarán sus producciones pixeladas! El foco de atención irá pasando de uno en uno hasta acabar en una jam con todos tocando a la vez.

El colectivo de artistas de la cultura DIY (Hazlo tu mismo) mas activo de la ciudad se hace presente en Antic Teatre para desarrollar esta performance. Todos cuentan con una trayectoria nacional e internacional ya sea en conciertos o dando talleres de construcción o modificación de aparatos electrónicos.

Meanings for the word ‘fogón’: 1) m. Formerly, the place in kitchens where the cooking fire was. 2) The place for holding fuel in the boilers of steam engines. 3) Amer. Open fire on the ground. 4) A meeting of friends around a fire.
This "Electric Cooker" will bring together a number of artists who develop their projects around circuit bending, the 8-bit and electronic DIY. Modified devices, homemade synthesizers and old gameboy consoles will gather around an "electric range" where each artist will share his or her sounds and visual artists will supply their pixelated creations! The focus of attention will pass from one to the other and will end with a jam with everyone playing at once.




The city’s most active DIY (Do It Yourself) culture collective comes to the Antic to develop this performance. All members boast a national and international career either in live performances or teaching workshops in the construction or modification of electronic devices.

Cuisinière significations: 1) m. Autrefois le site dans les cuisines où le feu était pour la cuisson. 2) Dans les chaudières de locomotives à vapeur, conçu pour placer carburant 3) Amer. Feu qui est faite dans le sol. 4) Réunion d'amis autour d'un feu.
Cette «Cuisinière Électrique» se réunira un certain nombre d'artistes à développer leurs projets autour de la flexion, le cicuit de bricolage 8-bit et de l'électronique. Dispositifs modifiés synthés homebuilt et consoles Gameboy se réuniront autour d'une "puissance de feu", où chaque artiste feront part de leurs sons et les artistes visuels apportent leurs productions pixélisé! L'accent de la colère d'un par un et de finition dans une jam avec tout le monde joue à la fois.



Le collectif d'artistes de la culture DIY (Do It Yourself) plus actif dans la ville est présent dans le théâtre antique de développer cette performance. Tous disposent d'un national et international Trajectòria soit en concert ou en donnant des ateliers de construction ou de modification des appareils électroniques.

(remor) és una peça de moviment d'onze minuts creada i dirigida per Marta Barceló i Joan Miquel Artigues dins una cel·la de l'antiga presó de Palma.
A partir de les sensacions que ens evocava el mateix espai començàrem un procés de recerca física que ens va dur a escoltar “la remor” d'una vivència compartida entre dues persones i el seu desig de traspassar tots els límits.
A (remor), dos personatges aïllats entre sí es retroben a través del record, revivint un viatge vital que els ha deixat una empremta que persisteix més enllà del temps i de l'espai i conformant així un breu viatge a frec de pell que ens convida a sentir la remor d'una relació i les pulsions que tenen a veure amb la conquesta de la llibertat, amb la intensa presència de la vida i la mort. La proposta consisteix en una instal·lació de 3mx4m concebuda no només com a espai escènic sinó amb un valor artístic per ella mateixa. El mobiliari és l'original de la cel·la on es va crear l'obra. El públic entra en petits grups de de divuit persones i es situa dins l'espai escènic, gairebé a tocar dels actors. Durant onze minuts viuen la sensació d'estar tancats dins una cel·la i visionant una intensa peça escènica que apunta directament a les emocions més profundes.


Res de Res és una de les companyies pioneres de les Balears en la recerca d'un llenguatge gestual propi i amb la inclusió habitual de tècniques de circ. La seva singular aposta ha estat aclamada a una vintena de països.
Res de Res i Joan Miquel Artigues s'uneixen per produir aquest espectacle que és, a la vegada, un fascinant viatge existencial i poètic.

(remor) es una pieza de movimiento de once minutos creada y dirigida por Marta Barceló y Joan Miquel Artigues en el interior de una celda de la antigua cárcel de Palma.
A partir de las sensaciones que nos evocaba el espacio, iniciamos un proceso de investigación física que nos llevó a escuchar el rumor (remor) de una vivencia compartida entre dos personas y su deseo de traspasar todos los límites.
En (remor), dos personajes aislados entre sí se reencuentran a través del recuerdo, reviviendo un viaje vital que les ha dejado una huella que persiste más allá del tiempo y del espacio y conformando así un breve viaje a flor de piel que nos invita a sentir el recuerdo de una relación y las pulsiones que tienen que ver con la conquista de la libertad, con la intensa presencia de la vida y la muerte.
La propuesta consiste en una instalación de 3mx4m concebida no sólo como espacio escénico sino con un valor artístico por sí misma. El mobiliario es el original de la celda donde se ha creado la obra. El público entra en pequeños grupos de dieciocho personas y se sitúa dentro del espacio escénico, casi a tocar de los actores. Durante once minutos, viven la sensación de estar encerrados en una celda y visionando una intensa pieza escénica, que apunta directamente a las emociones más profundas.

Res de Res es una de las compañías pioneras de las Baleares en la búsqueda de un lenguaje gestual propio y con inclusión habitual de técnicas de circo. Su singular apuesta ha sido aclamada ya en una veintena de países.
Res de Res y Joan Miquel Artigues se unen para producir este espectáculo que es, a la vez, un fascinante viaje existencial y poético.

(remor) is an eleven minute-long movement piece devised and directed by Marta Barceló and Joan Miquel Artigues inside a cell in the old prison of Palma.
Based on the feelings that the space inspired in us, we initiated a physical research process that led to us listening to the rumour (remor) of an existence shared by two people and their desire to transcend all limits.
In (remor) two isolated characters are reunited through memory, reliving a lifetime’s journey that has left a mark that persists beyond space and time. This brings to the surface a shorter voyage that allows us to share the memory of a relationship and the beat that expresses the achievement of liberty, the intense presence of life and death.
The piece takes the form of a 3m x 4m installation intended not only as a stage set but also as something of inherent artistic value. The furnishings are taken from the original cell where the piece was devised. The audience enter in small groups of 18 and take up positions inside, practically touching the actors. For eleven minutes they will experience the sensation of being locked in a cell and witnessing an intense stage performance that directly targets our deepest emotions.



Res de Res is one of the Balearic Islands’ pioneer companies in the search for an individual physical language that habitually works with circus techniques. Their unique proposal has been received and applauded in more than 20 countries to date. Res de Res and Joan Miquel Artigues have come together to produce this show, a fascinating journey that is both existential and poetic.

Hamlet Post Scriptum planteja una relació directa i d’una claredat devastadora entre el drama, els actuants (un present, l’altra virtual) i el públic, en un triangle que aprofundeix fins les últimes conseqüències en el vincle edípic, la ceguera i aquest sistema moribund i fictici al qual intentem sobreviure.

Una proposta performàtica dirigida pel propi Roberto García de Mesa sobre un text original del mateix títol inclòs en la seva obra Outside, Teatro poético 2006-2009 (Espiral Teatro/Editorial Fundamentos, 2010).


Roberto García de Mesa (Tenerife, 1973) és poeta, dramaturg, dramaturgista, narrador, assagista, artista plàstic i músic. Durant el curs de la seva trajectòria artística, s’experimenta des de diverses disciplines, comptant amb una obra literària formada per una vintena de llibres que figuren en diverses antologies de la literatura espanyola.


Javier Cuevas (Murcia, 1973). Psicòleg, performador, músic i agitador cultural vinculat a les arts escèniques i de l’acció a través del disseny, la coordinació i direcció artística (Centro Párraga de Murcia, Espacios Abiertos de Libre Creación de Tenerife y Laboratorio de Artes en Vivo del Teatro Leal de La Laguna), de la creació i interpretació en projectes propis i aliens i a través de la creació musical i sonora.


Maite Dono (Gasteiz, 1969). Poeta, narradora, dramaturga, cantant i actriu. Des de 1993 ha participat en numbrosos projectes com actriu i performer. Ha publicat Manta de sombra (1996), O Mar Vertical (2000), Desilencios (2003) i Circus girl (2009) i ha fet l’antologia Almanaque poético. Doce poetas para un año (2011), amb poemes d’Angélica Liddell, Angélica Liddell, Fatena Al-Gurra, Mónica Valenciano, Luna Miguel o la pròpia Maite Dono. Ha col·laborat amb altres artistes i grups com Na Lúa, La Musgaña, Espliego, Alberto Augusto Miranda, Alberto Conde, Carlos Beceiro, etc.

Hamlet Post Scriptum plantea una relación directa y de una claridad devastadora entre el drama, los actuantes (uno presente, otra virtual) y el público, en un triángulo que ahonda hasta las últimas consecuencias en el vínculo edípico, la ceguera y este sistema moribundo y ficticio al que tratamos de sobrevivir.

Una propuesta performática dirigida por el propio Roberto García de Mesa sobre un texto original del mismo título incluido en su obra Outside, Teatro poético 2006-2009 (Espiral Teatro/Editorial Fundamentos, 2010).


Roberto García de Mesa (Tenerife, 1973) es poeta, dramaturgo, dramaturgista, narrador, ensayista, artista plástico y músico. A lo largo de su trayectoria artística, se experimenta desde diversas disciplinas, contando con una obra literaria formada por una veintena de libros que figuran en diversas antologías de literatura española.


Javier Cuevas (Murcia, 1973). Psicólogo, performador, músico y agitador cultural vinculado a las artes escénicas y de la acción a través del diseño, la coordinación y dirección artística (Centro Párraga de Murcia, Espacios Abiertos de Libre Creación de Tenerife y Laboratorio de Artes en Vivo del Teatro Leal de La Laguna), de la creación e interpretación en proyectos propios y ajenos y a través de la creación musical y sonora.

Maite Dono (Gasteiz, 1969). Poeta, narradora, dramaturga, cantante y actriz. Desde 1993 ha participado en numerosos proyectos como actriz y performer. Ha publicado Manta de sombra (1996), O Mar Vertical (2000), Desilencios (2003) y Circus girl (2009) y antologado el libro Almanaque poético. Doce poetas para un año (2011), con poemas de Angélica Liddell, Fatena Al-Gurra, Mónica Valenciano, Luna Miguel o la propia Maite Dono. Ha colaborado con otros artistas y grupos como Na Lúa, La Musgaña, Espliego, Alberto Augusto Miranda, Alberto Conde, Carlos Beceiro, etc.

Hamlet Post Scriptum suggests a direct and devastatingly clear relationship between the play, the performers (one present, one virtual) and the audience, in a triangle that delves to the deepest level into the connections with Oedipus, blindness, and this ailing and unreal system that we are trying to survive.

A performance concept directed by Roberto García de Mesa, based on an original text of the same name included in his book Outside, Teatro Poético 2006-2009 (Espiral Teatro/Editorial Fundamentos, 2010).


Roberto García de Mesa (Tenerife, 1973) is a poet, dramaturge, storyteller, essayist, plastic artist and musician. Throughout his artistic career he has experimented with different disciplines, relying on a library consisting of around 20 books listed in various anthologies of Spanish literature.



Javier Cuevas (Murcia, 1973) is a psychologist, performer, musician and cultural agitator for performance arts: actively through artistic design, coordination and direction (Centro Párraga de Murcia, Espacios Abiertos de Libre Creación de Tenerife y Laboratorio de Artes en Vivo del Teatro Leal de La Laguna); and creatively through the performance of his own and other people´s projects and the creation of music and sound.

Maite Dono (Gasteiz, 1969) is a poet, storyteller, dramaturge, singer and actress. Since 1993 she has taken part in numerous projects as actress and performer. Her published works include Manta de sombra (1996), O Mar Vertical (2000), Desilencios (2003) and Circus girl (2009) and, as compiler, the anthology Almanaque poético. Doce poetas para un año (2011), which contains poetry by Angélica Liddell, Fatena Al-Gurra, Mónica Valenciano, Luna Miguel and Maite Dono herself. She has worked with other artists and groups such as Na Lúa, La Musgaña, Espliego, Alberto Augusto Miranda, Alberto Conde, Carlos Beceiro, etc.

El títol d’aquest primer treball dels Fake Druids aludeix directament a un fotograma de la pel·lícula de 1973, F for Fake (aquí es va traduir, Fraude), d’Orson Welles. Al principi d’aquest laberíntic documental sobre el frau i les falsificacions, el cineasta avisa per mitjà de titulars en blanc sobre negre que durant la següent hora de projecció tot allò narrat en la pel·lícula està basat estrictament en fets reals. La pel·lícula, tot i això, dura 90 minuts i això permet a Welles mentir a plaer durant la última mitja hora de metratge.

Al garantitzar de forma explícita amb aquesta mateixa frase (adaptada al nou producte), la autenticitat del seu contingut, els Fake Druids aconsegueixen que ens plantegem el contrari. ¿Què hi ha de veritat en el que afirmen i en el que ens conten?

Els Fake Druids són un duo de baix, bateria i veu que fan rock en anglès, directe i sense ornaments. La banda, formada a finals de 2011, practica en aquest primer treball un acusat essencialisme. Un cert dogma sembla regir totes i cada una de les cançons contenides en aquest: 1-efectiva simplicitat en les composicions i màxima contundència en el so. 2- utilització de dos únics instruments limitats a un so demolidor molt concret i invariable. 3 – no més de dos veus; les que es puguin realitzar en directe.

El título de este primer trabajo de los Fake Druids alude directamente a un fotograma de la película de 1973, F for Fake (aquí se tradujo, Fraude), de Orson Welles. Al principio de este laberíntico documental sobre el fraude y las falsificaciones, el cineasta avisa por medio de titulares en blanco sobre negro de que durante la siguiente hora de proyección todo lo narrado en la película está basado estrictamente en hechos reales. La película, sin embargo, dura 90 minutos y eso permite a Welles mentir a placer durante la última media hora de metraje.

Al garantizar de forma explícita con esa misma frase (adaptada al nuevo producto) la autenticidad de su contenido, los Fake Druids consiguen que nos planteemos lo contrario. ¿Qué hay de verdad en lo que afirman y nos cuentan?

Los Fake Druids son un dúo de bajo, batería y voz que hacen rock en inglés, directo y sin adornos. La banda, formada a finales de 2011, practica en este primer trabajo un acusado esencialismo. Un cierto dogma parece regir todas y cada una de las  canciones contenidas en él: 1 - efectiva simplicidad en las composiciones y máxima contundencia en el sonido. 2 - utilización de dos únicos instrumentos limitados a un sonido demoledor muy concreto e invariable. 3 - no más de dos voces; las que pueden realizar en directo.

The title of this first release by the Fake Druids refers directly to a still from the 1973 Orson Welles film F for Fake. At the beginning of this labyrinthine documentary on fraud and fakery, the director warns us, using white headlines on black, that during the following hour everything shown on the screen is based strictly on real events. The film, nevertheless, lasts 90 minutes, which allows Welles to lie at leisure for the last half hour of the projection.



By explicitly guaranteeing with this same sentence (adapted to the new product) the authenticity of its content, the Fake Druids manage to make us consider the opposite. What is true in what they maintain and explain?


The Fake Druids are a duet playing bass, drums and vocals making straightforward and unadorned rock music in English. The band, which formed at the end of 2011, shows a marked essentialism in this their first work. Each and every track on the disc appears to be ruled by a certain dogma: 1 – effective simplicity in composition and maximum power in sound. 2 – use of both instruments limited to a very specific and unchanging, overwhelming sound. 3 – no more than two vocals, which they can perform live.

L’amor és la religió de la postmodernitat. La boda és l’antítesi de l’amor postmodern de classe mitja. La societat de consum ens proposa aventures intenses vinculades a productes de consum per a inventar cada dia “l’amor natural”. Viatges, joies, i perfums catalitzen experiències intenses pel “nuviatge continu”.

I davant de tanta espiritualitat amorosa la industria de les noces només pot sobreviure com a simulacre. Una gran mascarada irònica que comença amb les bromes del comiat de solter i continua amb un ridícul conte de fades, de luxe o de quincalleria cursi. La boda Liminal serà quincalleria cursi de basar asiàtic, popular.


Liminal GR
Espai de difusió creativa, espai de creació difusiva. Una reflexió sobre la cultura contemporània a través de la creació artística i les noves tendències. Si no saps com funciona consulta la nostra web.

El amor es la religión de la posmodernidad. La boda es la antítesis del amor posmoderno de clase media. La sociedad de consumo nos propone aventuras intensas vinculadas a productos de consumo para inventar cada día el “amor natural”. Viajes, joyas, y perfumes catalizan experiencias intensas para un "romance perpetuo".

Y ante tanta espiritualidad amorosa la industria de la boda sólo puede sobrevivir como simulacro. Una gran mascarada irónica que comienza con las bromas de la despedida de soltero y continúa con un ridículo cuento de hadas, de lujo o de chatarra cursi. La boda Liminal será chatarra cursi de “bazar asiático”, popular.

Liminal GR
Espacio de difusión creativa, y espacio de creación difusiva. Una reflexión sobre la cultura contemporánea a través de la creación artística y las nuevas tendencias. Si no sabes cómo funciona consulta nuestra web. www.liminalgr.org

Love is the postmodern religion. Weddings are the antithesis of middle-class postmodern love. The consumer society offers intense adventures linked to consumer products to reinvent ‘natural love’ anew each day. Trips, jewellery and perfumes act as catalysts for the intense experiences of a ‘perpetual honeymoon’.

And in light of such amorous spirituality the wedding industry can only survive as a simulacrum, a huge ironic masquerade that begins with the bachelor and hen party japes and continues as a ridiculous fairy story embellished either with luxury or cheap trinkets. The Liminal wedding will be popular, like cheap trinkets from an Asian corner shop.

Liminal GR
A space for creative diffusion and diffused creativity. A reflection on contemporary culture using artistic creativity and new tendencies. If you don’t know how it works, check out our web:

ciencia_ficción és un projecte artístic basat en teories científiques, un intent de posar l’univers en un teatre, un concert, una història d’amor i robots, una xerrada de “ciència” i “ficció”, un acudit de russos, un mapa mental o un musical de cèl·lules.
En el món quàntic es diu que fins que quelcom és observat totes les situacions possibles están passant a la vegada. Fins que algú ho observa. Llavorns la naturalesa tria una de les diferents possibilitats. Així que a ciència-ficció de moment passa de tot, i tot a la vegada. Almenys fins que entris a veure’l.


Cristina Blanco viu entre Madrid i Barcelona. Des de 2003 realitza les seves pròpies peces escèniques, entre elles “cUDRADO_fLECHA_pERSONA qUE cORRE” (2004) premi Jardin d’Europe de Impulstanz 2008, TELETRANSPORTATION”(2010) i “ciencia_ficción”(2010/2012). També treballa com a intèrpret amb altres creadors de performance, teatre i cinema. És líder de la banda de música the Elements i membre dels col·lectius artístics el Club i las Calaveras de Cher.

ciencia_ficción es un proyecto artístico basado en teorías científicas, un intento de meter el universo en un teatro, un concierto, una historia de amor y robots, una charla de “ciencia” y “ficción”, un chiste de rusos, un mapa mental o un musical de células.
En el mundo cuántico se dice que hasta que algo es observado todas las situaciones posibles están sucediendo a la vez. Hasta que alguien lo observa. Entonces la naturaleza elige una de las diferentes posibilidades. Así que en ciencia_ficción de momento sucede todo, y todo a la vez. por lo menos hasta que entres a verlo.

Cris Blanco vive entre Madrid y Barcelona. desde 2003 realiza sus propias piezas escénicas, entre ellas “cUDRADO_fLECHA_pERSONA qUE cORRE” (2004) premio Jardin d’Europe de Impulstanz 2008, “TELETRANSPORTATION”(2010) y “ciencia_ficción”(2010/2012) también trabaja como intérprete con otros creadores de performance, teatro y cine. Es líder de la banda de música the Elements y miembro de los colectivos artísticos el Club y las Calaveras de Cher.

ciencia_ficción is an artistic project based on scientific theories; an attempt to squeeze the universe into a theatre, a concert, a story about love and robots, a discussion on ‘science’ and ‘fiction’, a joke about Russians, a mental map or a cellular musical.
In the quantic world it is said that until something is observed, all possible situations are occurring at the same time. Until someone observes it. Then, nature selects one of the various possibilities. So, for the time being in ciencia_ficción everything is happening, and all at once. At least until you come in to watch.


Cristina Blanco lives between Madrid and Barcelona. Since 2003 she has been performing her own stage shows, including “cUDRADO_fLECHA_pERSONA qUE cORRE” (2004), which won the 2008 Impulstanz Jardin d’Europe award, “TELETRANSPORTATION”(2010) and “ciencia_ficción”(2010/2012) . She also works as a performer with other creators in performance, theatre and cinema. She is lead singer with musical group The Elements and a member of artistic collectives El Club and Las Calaveras de Cher.

Els Johns volen proposar un concert a la fresca i una performance que és part del viatge en furgoneta per Europa que realitzaran aquest estiu. El seu pla consisteix en oferir l’atmosfera d’aquelles càlides vetllades a la vora del foc amb la companyia d’amics mentres s’expliquen històries i se n’escolten d’altres amb una guitarra i un whisky a la mà (o sense). Els Johns volen sentir-vos i saber que diuen, viuen, veuen i beuen els habitants d’aquest racó del planeta. El somni dels John the Houseband és ser trobadors, portadors i receptors i per això volen posar-hi els instruments i fer servir les armes...del ritme, la música i el ball. Us atrevirieu a confessar-vos sota la disco-ball???
Del juliol a l’octubre John The Houseband farà un recorregut amb parades per diverses ciutats d’Espanya, Alemania, Eslovènia, Itàlia i Holanda. Durant el viatge, proposaran en diversos teatres i indrets una pràctica entre l’espectacle, la improvització i el joc musical amb el públic.


John The Houseband és un grup, un col.lectiu de joves amb arrels europees creat l’any 2008 i que són formats en els nous llenguatges de les arts i el moviment. John The Houseband son sis coreògrafs, ballarins, actors i filòsofs professionals i una reunió d’amics al mateix temps amb la idea de crear i invitar a reflexionar sobre la música en escena.

Los Johns quieren proponer un concierto al fresco y una performance que es parte del viaje en furgoneta por Europa que realizarán durante este verano. Su plan consiste en ofrecer la atmosfera de aquellas cálidas veladas cerca del fuego, con la compañía de amigos mientras se explican historias y se escuchan otras con una guitarra y un whisky en la mano (o sin). Los Johns quieren sentiros y saber qué dicen, viven, ven y beben los habitantes de este rincón del planeta. El sueño de los John The Housband es ser trobadores, portadores y receptores y por eso quieren poner instrumentos y utilizar las armas... del ritmo, la música y el baile. Os atreveríais a confesaros debajo de la disco-ball??
De julio a octubre John The Houseband hará un recorrido con paradas por diversas ciudades de España, Alemania, Eslovenia, Italia y Holanda. Durante el viaje, propondrán en diversos teatros y lugares una práctica entre el espectáculo, la improvisación y juego musical con el público.

John The Houseband es un grupo, un colectivo de jóvenes con raíces europeas creado en 2008 y que están formados en los nuevos lenguajes de las artes y el movimiento. John The Housband son seis coreógrafos, bailarines, actores y filósofos profesionales y una reunión de amigos al mismo tiempo con la idea de crear y invitar a reflexionar sobre la música en escena.

The Johns want to propose an al fresco concert and performance as part of the van trip around Europe that they will be making this summer. They want to recreate the ambience of those warm nights around the campfire, in the company of friends, while tales are exchanged to the sound of a guitar and holding a glass of whisky (or not). The Johns want to feel you and to know what the inhabitants of this particular corner of the planet say, live, see and drink. The dream of John The Houseband is to be troubadours, bringers, and receivers and that’s why they want to provide instruments and use the weapons… of rhythm, music and dance. Do you dare confess under the mirror ball?
From July to October John The Houseband will travel through the cities of Spain, Germany, Slovenia, Italy and the Netherlands making stops along the way. During their trip, they will propose to theaters and other places, a practice dealing with improvisation, performance and interaction and game with their audiences.


John The Houseband is a band made up of young people with European roots, stablished on 2008, trained in new languages of arts and movement. John The Houseband is six choreographers, dancers, actors and professional philosophers, and at the same time a reunion of friends who want to create and encourage reflection on performed music.

L’espectacle Malena, llena eres de gracia de la companyia gallega Compañía das Marías produït amb la col·laboració de l’Instituto Nacional de la Mujer, explica la història de dues dones de l’est d’Europa que són enganyades per acabar com a víctimes del tràfic i l’explotació sexual.
És una obra inquietant i emocionant que mostra un camí de dolor i abandonament, nostàlgies i lluita, a través de les seves protagonistes, que són el mirall de milers de dones de tot el món que viuen un drama similar.
La companyia presenta un espectacle amb una forta expressivitat plàstica i visual que esdevé de la força sintètica i evocadora de les imatges, que es sumen al text i als procediments de realització gestual i coreogràfica que van més enllà del realisme. De manera que les actrius fan ús de l’estilització i la poètica corporal per apropar a través del gest i la dansa allò que les paraules no són capaces de descriure.


En una societat de dermis cada vegada més paquidèrmica, sotmesos a aquesta era de l’orgia de la imatge visual, aquesta companyia neix de la urgència d’aferrar, mossegar la realitat i reconnectar-se amb ella. En aquest context entenem la vocació i finalitat del teatre dels nostres dies com un lloc on s’afina, es puntualitza i genera ordre, això és, consciència. El nostre discurs teatral es basa en una expressivitat plàstica que juga amb la paraula i el gest, alhora que es difuminen els límits dels territoris dramàtics, portant a escena una peça que es deixa amarar pel que és tràgic, cinematogràfic i fantàstic.

El espectáculo Malena, llena eres de gracia de la compañía gallega Comapñía das Marías producido con la colaboración del Instituto Nacional de la Mujer, cuenta la historia de dos mujeres del este de Europa que son engañadas para acabar como víctimas de la trata y explotación sexual.
Es una obra inquietante y emocionante que muestra un camino de dolor y abandono, nostalgias y lucha, a través de sus protagonistas, que son el espejo de miles de mujeres en todo el mundo que viven un drama similar.
La compañía presenta un espectáculo con fuerte expresividad plástica y visual que deviene de la fuerza sintética y evocadora de las imágenes, que se suman al texto y a procedimientos de realización gestual y coreográfica que van más allá del realismo. De manera que las actrices hacen uso de la estilización y poética corporal para acercar a través del gesto y la danza aquello para lo que no bastan las palabras.

En una sociedad de dermis cada vez más paquidérmica, sometidos a esta era de la orgía visual, esta compañía nace de la urgencia de agarrar, morder la realidad y reconectarse con ella.
En este contexto entendemos la vocación y finalidad del teatro de nuestros días como un lugar donde se afina, se puntualiza y genera orden, esto es, conciencia. Nuestro discurso teatral se basa en una expresividad plástica que juega con la palabra y el gesto; al mismo tiempo difuminamos los límites de los territorios dramáticos, llevando a la escena una pieza que se deja empapar por lo trágico, lo cinematográfico y lo fantástico.

This performance, produced by company Das Marias from Galicia, tells the story of two women from Eastern Europe who end up as victims of sex trafficking and sexual exploitation.
It is a disturbing and stimulating piece that exposes a trail of pain and abandonment, nostalgia and struggle, using three characters whose experience mirrors that of thousands of women around the world in similar situations.
The company has created a show with strong visual and emotional expression thanks to the evocative power of the imagery, which works in combination with the narrative and the ultra-real choreographic and gestural movement. The performers use stylized and poetic body movement to come closer with gesture and dance to a subject for which words are not enough.







In an increasingly thick-skinned society, oversaturated in this era of visual excess, the company was born from the need to grab reality and take a bite in order to reconnect to it. In this context we see the vocation and purpose of today’s theatre as a place in which order – that is consciousness – is refined, highlighted and generated.
Our theatrical discourse is based on an expressiveness that plays with words and gestures, while at the same time we blur the boundaries of dramatic fields. We have brought to the stage a piece immersed in tragedy that is both visual and fantastical.

La Compagnie gallicienne Compañía das Marias racconte dans ce spectacle, produit par l'Institut National de la Femme, l'histoire de deux femmes de l'Est européen qui se retrouvent victimes de l'exploitation sexuelle.
Cette pièce inquiétante et emouvante, s'immerge dans le chemin de douleur et abandon, nostalgie et lutte de ces deux personnages, qui servent de miroir du drame auquel sont soumises des millions de femmes dans le monde.
Le spectacle est d'une remarquable expressivité plastique et visuelle: les images s'ajoutent au texte et à une réalisation gestuelle et coréographique qui s'éloigne du réalisme. Les comédiennes utilisent la stylisation et la poétique corporelle pour s'approcher à travers du geste et de la dance à des lieux que les mots ne peuvent atteindre.






Dans une société à peau pachydermique, soumise à l'âge de l'orgie visuelle, notre Compagnie naît du besoin d'appréhender et de mordre la réalité, en se reconnectant avec elle.
Notre discours théâtral est centré, dans sa pratique, sur une expressivité plastique qui joue avec le geste et la parole, et qui, en même temps, dilue les frontières entre les différents territoires dramatiques. C'est ainsi qu'on met en scène une pièce qui se laisse traverser en même temps par les univers tragique, cinématographique et fantastique