YE: En llengua asturiana, tercera persona singular del present de l’indicatiu del verb “ser” (cat.:és)

ORBAYU: Així es com es diu en territori asturià a aquella pluja lleugera, gairebé imperceptible, però que cala... També en tenim d'altres tipus, per pluja no serà, però aquesta és, sens dubte, la que millor ens defineix. (cat .: xim-xim/plovisqueig).

Creació escènica humorística a partir d’alguns dels millors moments que han anat sorgint a les trajectòries artístiques de Redondo i Albuerne en la recerca del riure (propi i aliè). Utilitzant aquests moments, al mateix temps, com a disparadors per crear-ne altres de nous; deixant-se travessar pel singular imaginari de la seva terra asturiana.
Una peça de peces cosida amb fils de circ i que vol ser com l’orbayu: lleugera, gairebé imperceptible, però amb la ferma pretensió de calar fins als ossos.

Jorge Albuerne, asturià
Realitza estudis de Gravat i Estampació a la EAAyOA d’Oviedo. Es llicencia en Belles Arts a la Universitat del País Basc especialitzant-se en Ceràmica i Escultura. Vinculat des de fa anys al món del circ de carrer, inicia la seva formació en dansa a Bilbao i al mateix temps continua la seva formació circense en equilibris acrobàtics, quadrant aeri, màstil xinès i trapezi volant.

José Luís Redondo, asturià Té la titulació en Ciències de l’activitat física i de l'esport. Va estudiar diferents tècniques de circ com aeris, equilibris, malabars, acrobàcia i clown a l’Escola de Circ Carampa (Madrid, 2004-05) i ha continuat els seus estudis de circ a l’Escola de Circ Criollo (Buenos Aires, 2005-06).

YE: En la Lengua Asturiana, tercera persona singular del presente de indicativo del verbo “ser”. ( cast.: es ).

ORBAYU: Así se denomina en el territorio Asturiano a aquella lluvia liviana, casi imperceptible, pero que empapa…también tenemos de otros tipos, por lluvia no será, pero ésta es, sin duda, la que mejor nos define. (cast.: calabobos).

Creación escénica humorística a partir de algunos de los mejores momentos que han ido surgiendo en las trayectorias artísticas de Redondo y Albuerne en la búsqueda de la risa (propia y ajena). Y utilizándolos a su vez, como disparador para crear otros nuevos; dejándose atravesar por el singular imaginario de su tierrina asturiana.
Una pieza de piezas cosida con hilos de circo y que quiere ser como el orbayu, liviana, casi imperceptible, pero con la firme pretensión de calar hasta los huesos.

Jorge Albuerne, Asturiano
Realiza estudios de Grabado y Estampación en la EAAyOA de Oviedo. Se licencia en Bellas Artes en la Universidad del País Vasco especializándose en Cerámica y Escultura. Vinculado desde años al mundo del circo de calle, inicia su formación en danza en Bilbao y simultáneamente continúa su formación circense en equilibrios acrobáticos, cuadrante aéreo, mástil chino y trapecio volante.

José Luis Redondo, Asturiano
Es titulado en Ciencias de la Actividad física y del Deporte. Ha estudiado diferentes técnicas de circo como aéreos, equilibrios, malabares, acrobacia y clown en la Escuela de Circo Carampa (Madrid, 2004-05) y ha continuado sus estudios de circo en la Escuela de Circo Criollo (Buenos aires, 2005-06).

YE: In Asturian, third person singular of the present of the verb ‘to be’ . (Eng: is).

ORBAYU: The Asturian word for that light, almost imperceptible rain that drenches you… we have other types, it’s not as if we’re short of rain, but this is, undoubtedly, the one that best defines us. (Eng: drizzle).

This is a humorous performance creation built on some of the better moments from the varied artistic trajectories of Redondo and Albuerne as they search for laughter (their own and that of others). And they use those moments as triggers for new ones, while allowing themselves to be influenced by the singular vision of their little Asturian homeland.
A piece made up of pieces sewn together with circus thread, that wants to be like the orbayu: light, almost imperceptible, but with the firm objective of drenching you to the bone.

Jorge Albuerne, native of Asturias
Studied Printing and Engraving at the EAAyOA in Oviedo. Obtained a degree in Fine Arts from the Universidad del País Vasco specialising in Ceramics and Sculpture. With a long-time connection to the world of street circus, he began training as a dancer in Bilbao and continued his circus training with acrobalance, cradle, Chinese pole and flying trapeze.

José Luis Redondo, native of Asturias
Has a degree in the Science of Physical Activity and Sports. He has studied different circus techniques such as aerial, balance, juggling, acrobatics and clown at the Circo Carampa school (Madrid, 2004 -05) and continued his circus training at the Creole Circus School (Buenos Aires, 2005-06).

Setena temporada de FLUX CLUB, un club de vídeo amb una periodicitat quinzenal que pretén reflectir la vitalitat del vídeo de creació de la nostra ciutat. Es tracta d’una extensió del Festival de vídeo d’autor FLUX, amb sessions obertes a tot el que està passant en el camp del vídeo a Barcelona, que complementen el festival des del punt de vista dels seus continguts i que estenen el seu període d’acció més enllà dels dies estrictament dedicats al festival. FLUX CLUB acull tot tipus de sessions amb projeccions, videoperformances i col·loquis que ofereixen al públic la possibilitat del contacte directe amb els videocreadors. Poden ser sessions monogràfiques d'autors reconeguts, temàtiques, dedicades a gèneres com la videodansa i la videopoesia, o col·lectives dedicades a autors emergents. FLUX CLUB és un espai de difusió del vídeo de creació a la ciutat de Barcelona.

Habitual Video Team és una associació sense ànim de lucre que té com a objectius principals la promoció de tot tipus d’activitats relacionades amb les arts audiovisuals i concretament amb la videocreació: www.habitualvideoteam.org.
Una branca de les seves activitats és l'organització de festivals, cicles i mostres de vídeo, com el festival de vídeo d’autor FLUX: www.fluxfestival.org, i el festival INFLUX [vídeo a escena] dedicat a les arts escèniques audiovisuals: www.influxfestival.org.
Una altra branca fonamental de la seva feina és la documentació videogràfica (gravació i edició) d’esdeveniments culturals generalment de petit format com concerts, poesia, performances o espectacles teatrals. A partir del 2012, posa en marxa el projecte SUMMA, amb la finalitat de convertir aquest patrimoni audiovisual de més de 1.000 gravacions en un arxiu videogràfic on line d'accés públic: www.summa-hvt.org.

Séptima temporada de FLUX CLUB, un club de vídeo con una periodicidad quincenal que pretende reflejar la vitalidad del vídeo de creación de nuestra ciudad. Se trata de una extensión del Festival de vídeo de autor FLUX, con sesiones abiertas a todo lo que está pasando en el campo del vídeo en Barcelona, que complementan el festival desde el punto de vista de sus contenidos y que extienden su período de acción más allá de los días estrictamente dedicados al festival. FLUX CLUB acoge todo tipo de sesiones: proyecciones, videoperformances y coloquios que ofrecen al público la posibilidad del contacto directo con los videocreadores. Pueden ser tanto sesiones monográficas de autores reconocidos, como temáticas colectivas dedicadas a autores emergentes, a la presentación de trabajos de estudiantes, o centradas en la videopoesía o la videodanza. FLUX CLUB es un espacio de difusión del vídeo de creación en la ciudad de Barcelona.

Habitual Video Team es una asociación sin ánimo de lucro que tiene como objetivos principales la promoción de todo tipo de actividades relacionadas con las artes audiovisuales y concretamente con la videocreación: www.habitualvideoteam.org.
Una rama de sus actividades es la organización de festivales, ciclos y muestras de vídeo, como el festival de vídeo de autor FLUX: www.fluxfestival.org, y el festival INFLUX [vídeo a escena], dedicado a las artes escénicas audiovisuales: www.influxfestival.org.
Otra rama fundamental de su trabajo es la documentación videográfica (grabación y edición) de eventos culturales generalmente de pequeño formato como conciertos, poesía, performances o espectáculos teatrales. A partir de 2012, pone en marcha el proyecto SUMMA, con el fin de convertir este patrimonio audiovisual de más de 1.000 grabaciones en un archivo videográfico on line de acceso público: www.summa-hvt.org.

The seventh season of FLUX CLUB is here: a fortnightly video club that reflects the vitality of video creation in our city. It’s an extension of the FLUX Video Auteur Festival, with sessions open to everything currently going on in the field of video in Barcelona, complementing the festival from the point of view of its content and extending its sphere of influence beyond the few days programmed for the festival itself. FLUX CLUB includes all kinds of sessions: screenings, video performances and debates offering direct contact between the audience and the filmmakers. These sessions focus on a range of subjects, from monographic by well-known directors to specific themes, from groups of up-and-coming authors to students; they may cover video poetry or video dance. FLUX CLUB is a space for the dissemination of video creation in the city of Barcelona.

Habitual Video Team is a non-profit association whose main objectives are to promote activities related to visual arts and specifically video art: www.habitualvideoteam.org.
A fundamental area of their work is the organization of festivals, cycles and video shows, such as the FLUX Video Auteur Festival: www.fluxfestival.org, and INFLUX festival [video on stage], dedicated to audiovisual performing arts: www.influxfestival.org. Another branch of Habitual Video Team’s activities is video documentation (recording and editing) of mainly small format cultural events such as concerts, poetry, performances or theatre shows. It has a video archive of over 1.000 recordings. In 2012 they launched the SUMMA project with the aim of converting this audiovisual heritage into a non-profit online video archive: www.summa-hvt.org.

Antic Teatre es vestirà amb lluentons. Un cop al mes, l'Antic Teatre Cabaret proposarà un recorregut per l’autentic cabaret dels 70, pels seus locals, els seus artistes i el seu ambient canalla. Més que una obra de teatre, Antic Teatre Cabaret serà una festa, un tribut i un homenatge a tots aquells que van lluitar per donar-li color a una Barcelona gris i asfixiada.

Aquesta nova etapa del Desplume, serà un retorn al cabaret mes íntim, més a prop teu.
Antic Teatre Cabaret serà un lloc de trobada pels amants d'aquest gènere i permetrà descobrir a aquells que desconeixen el que significa una verdadera vetllada cabaretera.

Eduardo Gión
Director de cinema, teatre i documentalista.
Ha treballat com ajudant de direcció de curt-metratges i llarg-metratges en 35mm.
Ha realitzat la festa basada en el cinema underground de terror “Transilvania Club” amb el cineasta Luis Macias i els músics XSDJ.
Participa en diversos esdeveniments com 080 Barcelona, col·laborant amb fotògrafs com Miguel Villalobos per a la producció de la desfilada homenatge a Thierry Mugler. Escriu i produeix reportatges per revistes com Candy Magazine i Paraíso Magazine.

Actualment la seva nova web “Wams” junt amb el fotògraf Raúl Hidalgo on han fotografiat i entrevistat a artistes com Jonas Mekas, Bob Gruen, Daniel Riera, Greg Gorman, Bruce Labruce, Mathiue Cesar, entre d'altres.

Antic Teatre se viste de lentejuelas. Una vez al mes, Antic Teatre Cabaret propondrá un recorrido por el verdadero cabaret de los 70, por sus locales, sus artistas y su ambiente canalla. Más que una obra de teatro, será una fiesta, un tributo y un homenaje a todos aquellos que lucharon por darle color a una Barcelona gris y asfixiada.

En esta nueva etapa, El Desplume se convertira en un cabaret más intimo más cerca de ti. Antic Teatre Cabaret será un lugar de encuentro para los amantes de este género y permitirá descubrir a aquellos que lo desconocen lo que significa una verdadera velada cabaretera.

Eduardo Gión
Director de cine, teatro y documentalista.
Ha trabajado como ayudante de dirección de cortometrajes y largometrajes en 35mm.
Ha realizado la fiesta basada en el cine underground de terror “Transilvania Club” junto al cineasta Luis Macías y los músicos XSDJ.
Participa en eventos como 080 Barcelona, colaborando con fotógrafos como Miguel Villalobos para la producción del desfile homenaje a Thierry Mugler. Escribe y produce reportajes para revistas como Candy Magazine y Paraíso Magazine.
Actualmente está en preparación de un proyecto llamado “Wams” junto al fotógrafo Raúl Hidalgo donde han fotografiado y entrevistado a artistas como Jonas Mekas, Bob Gruen, Daniel Riera, Greg Gorman, Bruce Labruce, Mathiue Cesar, entre otros.

Antic Teatre dresses up in sequins! Once a month, Antic Teatre Cabaret will take us on a journey to the genuine cabaret of the 70s, visiting its venues, its artists and its rough-and-ready atmosphere. More than a performance, this will be a party, and a tribute to all those who fought to provide a touch of colour when Barcelona was grey and choking.
In this new phase, El Desplume will become more up-close and personal; Antic Teatre Cabaret will be a meeting point for all lovers of this genre and will show those who have never experienced it what a real cabaret night is all about.

Eduardo Gión
Is a director of cinema, theatre and documentaries. He has worked as director’s assistant on short and long 35mm films. Together with film director Luis Macias and musicians XSDJ, he created club night “Transilvania Club” based on underground horror cinema.
He has taken part in events such as 080 Barcelona, where he collaborated with photographers such as Miguel Villalobos on the production of a tribute catwalk for Thierry Mugler. He writes and produces articles for periodicals Candy Magazine and Paraíso Magazine.
He is currently working on a project called “Wams” together with photographer Raúl Hidalgo, for which they have photographed and interviewed such artists as Jonas Mekas, Bob Gruen, Daniel Riera, Greg Gorman, Bruce Labruce and Mathieu Cesar among others.

"Striptease" és un striptease al teatre i a la seva mirada. Un striptease, una performance i una conferència que compara de manera irònica i divertida el fet teatral amb l’art de despullar-se.

Què esperem veure quan anem al teatre? I quan anem a veure un striptease? I quan anem a veure una peça de teatre que es diu “striptease”?

"Striptease" parla d’aquestes expectatives, del mecanisme de generació del desig en totes dues convencions i de la relació de seducció entre performer i espectador, allà on la seva mirada es converteix finalment en la protagonista principal d’aquest striptease.

“bomberos con grandes mangueras”
En un intent de despullar els despullats, la peça re-visita l’imaginari pornogràfic com a pràctica coreogràfica. Amb estratègies que oscil.len entre la concreta re-contextualizació i la completa abstracció, un ballarí practica sol la dansa dual per excel·lència. Una masturbació sense soledad. Un striptease a l’arquitectura del plaer que el públic presencia en aquell espai entre ser espectador i ser voyeur, entre allò públic i allò privat, entre l’explícit y l’eròtic. Una reflexió nua, suada i bruta sobre la gimnàsia de l’excitació y la fisicalitat del desig.

Pere Faura, Barcelona 1980, es gradua de la School for New Dance Development (SNDO) d’Amsterdam el 2006, amb una peça de dansa que guanya l’ITS Festival Award, i és seleccionada per la gira DansClick al voltant dels Països Baixos. Aquell mateix any entra com a coreògraf resident al Teatre Frascati d’Amsterdam, on crea la major part de les seves obres, presentades internacionalment, i el 2009 rep el prestigiós premi Charlotte Kohler Prize. Després de graduar-se de l’Amsterdam Master of Choreography, el 2011 torna a Barcelona i treballa en noves produccions en diferents centres de creació de la ciutat, així com col·labora amb altres artistes com Iñaki Álvarez, Joan Escofet, Aggtelek o Desilence Studio, entre d’altres.

El treball de Pere Faura es caracteritza per l’apropiació d’elements de la cultura pop, com l’striptease, la disco, els musicals o el porno, remesclats en una coreografia multidisciplinar que combina tots els elements de l’engranatge teatral.

A part del seu treball com a creador, també realitza una faceta de programació i disseny de contextos per a l’exhibició artística a través del col·lectiu ARTAS (ARTistes ASsociats a La Poderosa) i com a membre fundador de G.R.U.A (Grup de Recerca d’Universos Artístics) on col·labora amb Claudia Solwat i Anna Rubirola.

“Striptease” es un striptease al teatro y a su mirada. Un striptease, una performance y una conferencia que compara de manera irónica y divertida el hecho teatral con el arte de desnudarse.

¿Qué esperamos ver cuando vamos al teatro? ¿Y cuando vamos a ver un striptease? ¿Y cuando vamos a ver una pieza de teatro que se llama “striptease”?

“Striptease” habla de esas expectativas, del mecanismo de generación del deseo en ambas convenciones y de la relación de seducción entre performer y espectador, dónde su mirada se convierte finalmente en la protagonista principal de ese striptease.

“bomberos con grandes mangueras”
En un intento de desnudar a los desnudados, la pieza re-visita el imaginario pornográfico como práctica coreográfica. Con estrategias que oscilan entre la concreta re-contextualización y la completa abstracción, un bailarín practica solo la danza dual por excelencia. Una masturbación sin soledad. Un striptease a la arquitectura del placer que el público presencia en ese espacio entre ser espectador y ser voyeur, entre lo público y lo privado, entre lo explícito y lo erótico. Una reflexión desnuda, sudada y bruta sobre la gimnasia de la excitación y la fisicalidad del deseo.

Pere Faura, Barcelona 1980, se gradúa de la School for New Dance Development (SNDO) de Ámsterdam en 2006, con una pieza de danza que gana el ITS Festival Award, y es seleccionada para la gira DansClick alrededor de los Países Bajos. Ese mismo año entra como coreógrafo residente en el Teatro Frascati de Ámsterdam, dónde crea la mayor parte de sus obras, presentadas internacionalmente, y en 2009 recibe el prestigioso premio Charlotte Kohler Prize. Después de graduarse del Amsterdam Master of Choreography, en 2011, vuelve a Barcelona y trabaja en nuevas producciones en diferentes centros de creación de la ciudad, así como colabora con otros artistas como Iñaki Álvarez, Joan Escofet, Aggtelek o Desilence Studio, entre otros.

El trabajo de Pere Faura se caracteriza por la apropiación de elementos de la cultura pop, como el striptease, la disco, los musicales o el porno, remezclados en una coreografía multidisciplinar que combina todos los elementos del engranaje teatral.

Aparte de su trabajo como creador, también realiza una faceta de programación y diseño de contextos para la exhibición artística a través del colectivo ARTAS (ARTistas ASociados a la Poderosa) y como miembro fundador de G.R.U.A. (Grup de Recerca d’Universos Artístics) en el que colabora con Claudia Solwat y Anna Rubriola.

“Striptease” is a striptease of the theatre and the way it’s viewed. A striptease, a performance and a conference that, using humour and irony, compare the theatre to the art of undressing.

What are we expecting to see when we go to the theatre? And when we go to see a striptease? And when we go to see a theatre show called “striptease”? “Striptease” talks about these expectations, about the mechanism of desire existing in both cases, about the seductive relationship between performer and spectator; a spectator whose gaze eventually becomes the leading figure in this striptease.

“bomberos con grandes mangueras”
In an attempt to undress the undressed, the piece re-visits the common visualisation of porn as a choreography. Using different strategies such as concrete re-contextualization or complete abstraction, a dancer practices the dual dance par excellence on his own. A masturbation without loneliness. A striptease to the architecture of pleasure, which the audience witnesses in that space between being a spectator and being a voyeur, between the private and the public, between the explicit and the erotic. A naked, sweaty and dirty reflection on the gymnastics of excitement and the physicality of desire.

Pere Faura, Barcelona 1980, graduated from the School for New Dance Development in Amsterdam (SNDO) in 2006, and his graduating piece won the ITS Festival Award and was selected for the DansClick tour of The Netherlands. That same year he became resident choreographer at Frascati Theatre in Amsterdam, where he created most of his works, presented internationally, and in 2009 received the prestigious Charlotte Kohler Prize. After graduating in Amsterdam Master of Choreography in 2011, he returned to Barcelona where he continued developing his work at different creation centers in the city, as well as collaborating with other artists such as Iñaki Alvarez, Joan Escofet, Aggtelek or Desilence Studio, among others.

Pere Faura's work is based on the appropriation of elements of pop culture, such as striptease, disco, musicals or porn, which he remixes and transforms into a new multidisciplinary choreography that combines all the elements of theatrical conventions.

Apart from his work as a deviser, he’s also involved in programming activities and designing new contexts for artistic exhibition as a member of the collective ARTAS (ARTistas ASociados a La Poderosa) and as founding member of G.R.U.A. (Grup de Recerca d’Universos Artístics).

Mix-a-scene és un projecte que proposa desenvolupar una experiència acústica, visual i coreogràfica per a l'espectador, on el performer-ballarí-Dj, punxa en directe la mateixa manera que balla i acciona partitures coreogràfiques. A si mateix l'escena va acompanyada de peces visuals generades en temps real. Es tracta de construir una sessió acústica i visual que reprodueix, versiona i barreja fragments (samplejats) històrics i icònics de la dansa, la música i els visuals. La proposta realitza un viatge que experimenta amb la cronologia, la superposició d'estils i principis artístics, utilizanado estratègies de la postproducció i l'esperit Dj de L'apropiació, manipulació i versionat de materials.

Amaranta Velarde
És coreògrafa i ballarina. Ha presentat el seu treball en llocs com Secció Irregular del Mercat de les Flors, Antic Teatre, Escena Poblenou, MACBA Barcelona, Laboral Gijón o MUSAC León. A Barcelona ha treballat amb El Conde de Torrefiel, Pere Faura, Cristina Blanco, Diana Gadish i el col·lectiu Artas de la Poderosa.

Alba Corral
És coneguda per les seves actuacions audiovisuals en viu on s'integra la codificació i l'elaboració, en col·laboració amb músics en temps real. Ha actuat amb músics de la talla de Jon Hopkins, Miguel Marín (àlies Arbre), Fibla i la Síndrome de Stendhal. El treball de Corral ha estat exhibit en festivals i esdeveniments com Eufonic, Future Everything, Alpha-ville Festival, Sonar, Primavera Sound i LEV.

Mix-en-scene es un proyecto que propone desarrollar una experiencia acústica, visual y coreográfica para el espectador, donde el performer-bailarín-Dj pincha en directo al igual que baila y acciona partituras coreográficas. Así mismo la escena va acompañada de piezas visuales generadas en tiempo real. Se trata de construir una sesión acústica y visual que reproduce, versiona y mezcla fragmentos (sampleados) históricos e icónicos de la danza, la música y los visuales. La propuesta realiza un viaje que experimenta con la cronología, la superposición de estilos y principios artísticos, utilizando estrategias de la postproducción y el espíritu Dj de apropiacion, manipulación y versionado de materiales.

Amaranta Velarde
Es coreógrafa y bailarina. Ha presentado su trabajo en sitos como Secció Irregular del Mercat de las Flores, Antic Teatre, Escena Poblenou, MACBA Barcelona, Laboral Gijón o MUSAC León. En Barcelona ha trabajado con El Conde de Torrefiel, Pere Faura, Cristina Blanco, Diana Gadish y el colectivo Artas de la Poderosa.

Alba Corral
Es conocida por sus actuaciones audiovisuales en vivo donde se integra la codificación y la elaboración, en colaboración con músicos en tiempo real. Ha actuado con músicos de la talla de Jon Hopkins, Miguel Marín (alias Arbol), Fibla y el Síndrome de Stendhal. El trabajo de Corral ha sido exhibido en festivales y eventos como Eufonic, Future Everything, Alpha-ville Festival, Sonar, Primavera Sound y LEV.

Mix-en-scene is a project that aims to develop an acoustic, visual and choreographic experience for the audience, where the performer-dancer-Dj plays a live set while dancing and acting out choreographies. This is accompanied by visual pieces generated in real time. It is about building an acoustic and visual session that reproduces, mixes and remakes historical and iconic samples of dance, music and visuals. The piece creates a trajectory that experiments with chronology and the superposition of artistic styles and principles, using postproduction strategies and the Dj spirit of appropriation, manipulation and remixing of materials.

Amaranta Velarde
Is a choreographer and dancer. She has presented her work at venues such as Secció Irregular Mercat de las Flores, Antic Teatre, Escena Poblenou, MACBA Barcelona, Gijón Labor and Leon MUSAC. In Barcelona she has worked with El Conde de Torrefiel, Pere Faura, Cristina Blanco, Diana Gadish and the Artas collective at La Poderosa.

Alba Corral
Is known for her audiovisual live performances in which encoding and image development are integrated in real time in collaboration with musicians. She has performed with musicians such as Jon Hopkins, Miguel Marin (aka Tree), Fibla and Stendhal Syndrome. Corral's work has been shown at festivals and events such as Eufonic, Future Everything , Alpha-ville Festival, Sonar, Primavera Sound and LEV.

Setena temporada de FLUX CLUB, un club de vídeo amb una periodicitat quinzenal que pretén reflectir la vitalitat del vídeo de creació de la nostra ciutat. Es tracta d’una extensió del Festival de vídeo d’autor FLUX, amb sessions obertes a tot el que està passant en el camp del vídeo a Barcelona, que complementen el festival des del punt de vista dels seus continguts i que estenen el seu període d’acció més enllà dels dies estrictament dedicats al festival. FLUX CLUB acull tot tipus de sessions amb projeccions, videoperformances i col·loquis que ofereixen al públic la possibilitat del contacte directe amb els videocreadors. Poden ser sessions monogràfiques d'autors reconeguts, temàtiques, dedicades a gèneres com la videodansa i la videopoesia, o col·lectives dedicades a autors emergents. FLUX CLUB és un espai de difusió del vídeo de creació a la ciutat de Barcelona.

Habitual Video Team és una associació sense ànim de lucre que té com a objectius principals la promoció de tot tipus d’activitats relacionades amb les arts audiovisuals i concretament amb la videocreació: www.habitualvideoteam.org.
Una branca de les seves activitats és l'organització de festivals, cicles i mostres de vídeo, com el festival de vídeo d’autor FLUX: www.fluxfestival.org, i el festival INFLUX [vídeo a escena] dedicat a les arts escèniques audiovisuals: www.influxfestival.org.
Una altra branca fonamental de la seva feina és la documentació videogràfica (gravació i edició) d’esdeveniments culturals generalment de petit format com concerts, poesia, performances o espectacles teatrals. A partir del 2012, posa en marxa el projecte SUMMA, amb la finalitat de convertir aquest patrimoni audiovisual de més de 1.000 gravacions en un arxiu videogràfic on line d'accés públic: www.summa-hvt.org.

Séptima temporada de FLUX CLUB, un club de vídeo con una periodicidad quincenal que pretende reflejar la vitalidad del vídeo de creación de nuestra ciudad. Se trata de una extensión del Festival de vídeo de autor FLUX, con sesiones abiertas a todo lo que está pasando en el campo del vídeo en Barcelona, que complementan el festival desde el punto de vista de sus contenidos y que extienden su período de acción más allá de los días estrictamente dedicados al festival. FLUX CLUB acoge todo tipo de sesiones: proyecciones, videoperformances y coloquios que ofrecen al público la posibilidad del contacto directo con los videocreadores. Pueden ser tanto sesiones monográficas de autores reconocidos, como temáticas colectivas dedicadas a autores emergentes, a la presentación de trabajos de estudiantes, o centradas en la videopoesía o la videodanza. FLUX CLUB es un espacio de difusión del vídeo de creación en la ciudad de Barcelona.

Habitual Video Team es una asociación sin ánimo de lucro que tiene como objetivos principales la promoción de todo tipo de actividades relacionadas con las artes audiovisuales y concretamente con la videocreación: www.habitualvideoteam.org.
Una rama de sus actividades es la organización de festivales, ciclos y muestras de vídeo, como el festival de vídeo de autor FLUX: www.fluxfestival.org, y el festival INFLUX [vídeo a escena], dedicado a las artes escénicas audiovisuales: www.influxfestival.org.
Otra rama fundamental de su trabajo es la documentación videográfica (grabación y edición) de eventos culturales generalmente de pequeño formato como conciertos, poesía, performances o espectáculos teatrales. A partir de 2012, pone en marcha el proyecto SUMMA, con el fin de convertir este patrimonio audiovisual de más de 1.000 grabaciones en un archivo videográfico on line de acceso público: www.summa-hvt.org.

The seventh season of FLUX CLUB is here: a fortnightly video club that reflects the vitality of video creation in our city. It’s an extension of the FLUX Video Auteur Festival, with sessions open to everything currently going on in the field of video in Barcelona, complementing the festival from the point of view of its content and extending its sphere of influence beyond the few days programmed for the festival itself. FLUX CLUB includes all kinds of sessions: screenings, video performances and debates offering direct contact between the audience and the filmmakers. These sessions focus on a range of subjects, from monographic by well-known directors to specific themes, from groups of up-and-coming authors to students; they may cover video poetry or video dance. FLUX CLUB is a space for the dissemination of video creation in the city of Barcelona.

Habitual Video Team is a non-profit association whose main objectives are to promote activities related to visual arts and specifically video art: www.habitualvideoteam.org.
A fundamental area of their work is the organization of festivals, cycles and video shows, such as the FLUX Video Auteur Festival: www.fluxfestival.org, and INFLUX festival [video on stage], dedicated to audiovisual performing arts: www.influxfestival.org. Another branch of Habitual Video Team’s activities is video documentation (recording and editing) of mainly small format cultural events such as concerts, poetry, performances or theatre shows. It has a video archive of over 1.000 recordings. In 2012 they launched the SUMMA project with the aim of converting this audiovisual heritage into a non-profit online video archive: www.summa-hvt.org.

The last show reflexiona al respecte de la crisi de la Humanitat del segle XXI, de la perdua dels seus valors, del ensorrament de les ideologies, principis, conviccions, creences i estructures de les parts visibles i invisibles de les nostre crisis personals i col.lectives.

The las show es una performance de llarga durada ( 12 hores non stop) que culmina en un espectacle de 60 minuts en el que hi participan 11 interprets escènics convidats, amb els que l’artista ha treballat préviament.

El format de l’espectacle permet a la creadora respondre artisticament a una questió clau ¿ Que faria si aquest fos el meu darrer show? Cadascuna de les decisions que s’han pres al llarg del proces creatiu: que el projecte finalment sigui de llarga durada; les accions que realitzará l’artista en el decurs de 12 hores; el que hi hagi convidat a 11 artistes per participar.hi; i que aquesta performance es desenvolupi dins de un teatre, es deurien llegir com a respostes a aquesta pregunta.

The last show les experiencies personals son el punt de partida per conectar amb l’universal, treballant des el mes intim al public, des l’individual al comunitari, des l’invisible al visible, des la realitat a la ficció. Manifesta el desig de crear bellesa tot i les circunstancies tant terribles i les carencies d’humanitat que ens envolten tan a la nostra societat com al mon i els temps que ens han tocat viure.

L’estructura de la performance es la següent:

De 10’00h a 21’00h (Diumenges de 9’00h a 20’00h):
Maria Stoyanova crea una instal.lació humana a partir de l’ejecució de 11 accions repartides al llarg de 11hores ( una acció per hora). Durant les 11hores no podrá entrar public a la sala. Es podrá seguir l’experiencia per internet (via streaming).

De 21’00h a 22’00h (Diumenges de 20’00h a 21’00h):
A les 21’00h s’obren les portes de la sala al public. Aquesta será la darrera hora de la performance y comptará amb la participación de 11 intérprets escènics convidats.

Maria Stoyanova (Sofia, 1974)
És artista resident de Antic Teatre. Des de l'any 2002 es dedica professionalment a les arts escèniques combinant les seves facetes d'actriu, performer, creadora escènica, docent i directora. Crea experimenta i investiga dins dels nous llenguatges i la creació contemporània i desenvolupa la seva pròpia línia de treball. L'artista treballa com a creadora en solitari ("Gitana a Barcelona", "Madama (s) Butterfly (s)", "Sade was myself", "Paisatges de Txèkhov", etc.) i en col·laboració amb artistes i companyies nacionals i internacionals (Cantabile2 - Dinamarca, Eva Isolde Balzer - Berlin, Jillian Greenhalgh - País de Gal·les, Peter Gadish - Bcn, Karel Mena - Bcn, etc.).

The last show reflexiona sobre la crisis de la Humanidad del siglo XXI, sobre la pérdida de sus valores, sobre el derrumbamiento de ideologías, principios, convicciones, creencias y estructuras, sobre las partes visibles e invisibles de nuestras crisis personales y colectivas.

The last show es una performance de larga duración (12 horas non-stop) que culmina en un espectáculo de 60 min en el cual participan 11 intérpretes escénicos invitados con los cuales la artista ha trabajado previamente.

El formato del espectáculo permite a la creadora responder artísticamente a una pregunta clave: ¿Qué haría si este fuese mi último show? Cada una de las decisiones que se han ido tomando a lo largo del proceso de creación: que el proyecto finalmente sea de larga duración; las acciones que realizará la artista a lo largo de las 12 horas; el que haya invitado a 11 artistas a participar; y que esta performance se realice dentro de un teatro, se deberían leer como respuestas a esta pregunta.

The last show parte de experiencias personales para conectar con lo universal, trabajando desde lo pequeño a lo grande, desde lo interior a lo exterior, desde lo íntimo a lo público, desde lo individual a lo comunitario, desde lo visible a lo invisible, desde la realidad a la ficción. Manifiesta el deseo de crear Belleza a pesar de las circunstancias tan terribles y carentes de Humanidad que nos rodean tanto en nuestra sociedad como en el mundo y la época que nos ha tocado vivir.

La estructura de la performance es la siguiente:

De 10:00h a 21:00h (domingos: de 09:00h a 20:00h): María Stoyanova crea una instalación humana a partir de la ejecución de 11 acciones repartidas durante 11 horas (una acción por hora). Durante las 11 horas no podrá entrar público en la sala. Se podrá seguir la experiencia por internet (vía streaming).

De 21:00h a 22:00h (domingos de 20:00h a 21:00h):
A las 21:00h se abren las puertas de la sala al público. Esta será la última hora de la performance y contará con la participación de 11 intérpretes escénicos invitados.

María Stoyanova (Sofía, 1974)
Es artista residente de Antic Teatre. Desde el año 2002 se dedica profesionalmente a las artes escénicas combinando sus facetas de actriz, performer, creadora escénica, docente y directora. Crea, experimenta e investiga dentro de los nuevos lenguajes y la creación contemporánea y desarrolla su propia línea de trabajo. La artista trabaja como creadora en solitario (“Gitana en Barcelona”, “Madama(s) Butterfly(s)”, “Sade was myself”, “Paisajes de Chéjov”, etc.) y en colaboración con artistas y compañías nacionales e internacionales (Cantabile2 – Dinamarca, Eva Isolde Balzer – Berlin, Jillian Greenhalgh – País de Gales, Peter Gadish – Bcn, Karel Mena – Bcn, etc.).

The Last Show considers the crisis experienced by Humanity in the 21st Century: the loss of values; the falling apart of ideologies, principles, convictions, beliefs and structures; the visible and invisible aspects of our individual and collective crises.

The Last Show is a long performance (12 hours non-stop), ending in a 60 minute show with the participation of 11 guest performers with whom Maria Stoyanova has been working previously.

The format of this performance gives Maria Stoyanova the opportunity to respond as an artist to the question: What would I do if this were my last show? Each of the decisions that has been taken throughout the creation process: opting for such a long performance; the artist's specific actions over 12 continuous hours; inviting 11 other artists to take part and showing the piece inside a theatre should all be read as replies.

The Last Show draws its inspiration from personal experience to connect with the universal, working from small to large-scale, from the inside to the outside, from what is individual to what is collective, from the visible to the invisible, from reality to fiction. It expresses the desire to create Beauty despite the horror of the circumstances, so lacking in Humanity, that surround us, as much in our society as in the world and era into which we have been born.

The performance will be structured as follows:

From 10am to 9pm (Sundays: from 9am to 8pm):
Maria Stoyanova will create a human installation based on 11 actions taking place over 11 hours (one per hour). During this period the audience will not be allowed in the auditorium, but can follow the performance online via streaming.

From 9 to 10pm (Sundays from 8pm to 9pm):
At 9pm the doors will open to the audience. This is the culmination of the performance and for this final hour Maria Stoyanova will be joined by 11 other performance artists.

Maria Stoyanova (Sofia, 1974)
Is a resident artist in Antic Teatre. She has worked in performing arts since 2002, combining her various skills as actress, performer, stage creator, teacher and director. She creates experiences and research into new languages and contemporary creation as well as developing her own line of work. She has produced work on her own: ("Gypsy in Barcelona", "Madama (s) Butterfly (s)", "Sade was myself", "Landscapes of Chekhov", etc.) and in collaboration with national and international artists and companies: (Cantabile2 - Denmark, Eva Balzer Isolde - Berlin, Jillian Greenhalgh - Wales, Peter Gadish - Bcn, Karel Mena - Bcn, etc.).

10'00 fins 11'00

11'00 fins 12'00

12'00 fins 13'00

13'00 fins 14'00

14'00 fins 15'00

15'00 fins 16'00

16'00 fins 17'00

17'00 fins 18'00

18'00 fins 19'00

19'00 fins 20'00

10'00 fins 11'00

Signatura de llibres

11'00 fins 12'00

Taller de filosofia: Un joc d'escenes curioses i preguntes misterioses que ens conviden a la reflexió, al diàleg ia la diversió

12'00 fins 13'30

Cuentacuentos

15'00 fins 16'00

Signatura de llibres

15'00 fins 16'00

Taller: pintar, dibuixar i fer gargots

15'00 fins 16'00

Signatura de llibres

17'00 fins 18'00

Taller de decoració de pedres i petxines

Llibres Va de sirenes i Va de pirates

17'00 fins 18'00

Signatura de llibres

PÍMBALO

Gratuit ///

MARTÍ SALES, NÚRIA MARTÍNEZ VERNIS, ROGER PELÀEZ & DAVID CAÑO

Gratuit ///

MOTOSIERRAS


Concert de pagament ///

Nyamnyam, en col.laboració amb Vanessa Tedejo, proposem un taller-espectacle familiar a partir del treball que l’Estel Boada està desenvolupant durant el mes d’Abril al nostre espai. La seva última intervenció “Candeletes” (27 d’Abril) i aquest taller, succeixen a l’Antic Teatre i donen una nova casa i referència al seu treball.

L'espai serà el gran seductor d'idees, l'entorn el trampolí i nosaltres la piscina. Seguint els capricis constantment, presentem una proposta basada en l'experiència plural que pot conformar la barreja d'un gat amb una torrada de mantega. Un mix explosiu que no ens deixarà indiferents.

El treball de l’Estel es guia pels interessos del moment que fins ara han estat accions en espais públics, dibuixos en temps d’espera, autopublicacions, trobades amb amics i altres capricis instalatius. La relació amb els altres i l'entorn conformen els fonaments de seus projectes.

L’objectiu de nyamnyam és promoure la creació, la reflexió, l’intercanvi de coneixement i la cultura creant estratègies de participació i interacció per a respondre a la necessitat de generar diàleg. Utilitzem dinàmiques i eines pròpies de la creació artística per a plantejar accions col.lectives que creïn relacions horitzontals i ens situïn a tots en un mateix pla d’acció. Fomentem la relació entre les diverses formes d’Art i el menjar com a element vehicular per a crear situacions que ajudin a dinamitzar i crear noves maneres de relació i contacte entre el teixit social. D’aquesta manera pretenem aprendre noves dinàmiques i crear sinergies que poden re-activar o re-pensar la nostra manera de viure, crear i menjar.

Nyamnyam, en colaboración con Vanessa Tedejo, proponen un taller-espectáculo familiar a partir del trabajo que Estel Boada está desarrollando durante el mes de abril en nuestro espacio. Su última intervención, “Candeletes” (27 de abril) y este taller tendrán lugar en el Antic Teatre y dan un nuevo hogar y un nuevo referente a su trabajo.

El espacio será el gran seductor de ideas, el entorno el trampolín, y nosotros la piscina. Siguiendo constantemente los caprichos, presentamos una propuesta basada en la experiencia plural que puede conllevar la mezcla de un gato con una tostada de mantequilla. Un mix explosivo que no nos dejará indiferentes.

El trabajo de Estel se guia por los intereses del momento, que hasta ahora han sido acciones en espacios públicos, dibujos en tiempo de espera, autopublicaciones, encuentros con amigos y otros caprichos instalativos. La relación con los demàs y el entorno conforman los fundamentos de sus proyectos.

El objetivo de nyamnyam es promover la creación, la reflexión, el intercambio de conocimiento y la cultura creando estrategias de participación e interacción para responder a la necesidad de generar diálogo. Utilizamos dinámicas y herramientas propias de la creación artística para plantear acciones colectivas que creen relaciones horizontales y nos sitúen a todos en un mismo plan de acción. Fomentamos la relación entre las diversas formas de Arte y la comida como elemento vehicular para crear situaciones que ayuden a dinamizar y crear nuevas formas de relación y contacto entre el tejido social. De esta manera pretendemos aprender nuevas dinámicas y crear sinergias que pueden re-activar o re-pensar nuestra manera de vivir, crear y comer.

Nyamnyam, together with Vanessa Tedejo, present a workshop/performance for all the family based on the work being developed by Estel Boada during April at our venue. Both her latest creation “Candeletes” (April 27) and this workshop will take place at the Antic Teatre, providing a new home and a new reference for her work.

The place will be the great seducer of ideas; the environment the diving board; and we will be the swimming pool. Following our whims, we have come up with a concept based on the shared experience that could result from crossing a cat with a piece of buttered toast. An explosive mix that will not leave us unmoved.

Estel draws her inspiration from her current interests, which up to now have been actions in public spaces, drawings in real time, self-publications, meetings with friends and other installation whims. Her relationship with others and with the environment is fundamental to her projects.

Nyamnyam aims to promote creativity, knowledge exchange and culture by creating sharing strategies to generate dialogue. We use artistic tools to design collective actions that create horizontal relationships placing everybody on the same level of action. We create a link between diverse art forms and food, making this the vehicle for creating situations that strengthen relations and social contact between people. In this way we aim to learn new ways of creating dynamics and synergies that can re-activate or re-think our way of living, creating and eating.

Dins el cicle “Todo lo que me gusta es ilegal, inmoral o engorda”, Nyamnyam convida a Estel Boada a compartir el seu treball durant els migdies dels tres dijous del mes d’Abril a l’espai Nyamnyam. Com a final d’aquestes intervencions, Nyamnyam proposa a l’Estel realitzar una última intervenció a l’Antic Teatre, que ella titula VITAL. Cerca el mes vital nomes, el que has de necessitar no més, ja que mai de la feina cal abusar. Si busques el més essencial sense res més ambicional mare naturalesa t'ho dóna. Un espectacle musical que neda per la narrativa de contes com "El llibre de la Selva" per arribar a la destrucció de tals ideals criticant la societat actual desbordada de depressió. Anem a la recerca del plàtan i la seva felicitat.

La finalitat genèrica de Nyamnyam en el cicle “Todo lo que me gusta es ilegal, immoral o engorda” és acostar el treball de cada creador al públic, volguent fer visible i entendible el procés de treball i de creació. Així es genera un marc de diàleg entre l'artista, molt acostumat a haver de generar dispositius acabats i presentar-los com a accions definitives sense marge d'error, i el públic, que pot participar, preguntar, observar o comentar la proposta. Durant el mes d’Abril, Nyamnyam convida a l’Estel Boada. L’Estel es guia pels interessos del moment que fins ara han estat accions en espais públics, dibuixos en temps d’espera, autopublicacions, trobades amb amics i altres capricis instalatius. En les seves propostes és fonamental el nexe social i vivencial; la relació amb els altres i l'entorn conformen els fonaments de seus projectes.

Dentro del ciclo “Todo lo que me gusta es ilegal, inmoral o engorda”, Nyamnyam invita a Estel Boada a compartir su trabajo durante los mediodías de los tres jueves del mes de Abril en el espacio Nyamnyam. Como punto final de estas intervenciones, Nyamnyam le propone a Estel realizar una última intervención en el Antic Teatre, que ella titula VITAL. Busca lo mas vital no más, lo que has de precisar no más, pues nunca del trabajo hay que abusar. Si buscas lo más esencial sin nada más ambicional mamá naturaleza te lo da. Un espectáculo musical que nada por la narrativa de cuentos como "El libro de la Selva" para llegar a la destrucción de tales ideales criticando la sociedad actual rebosada de depresión. Vamos en busca del plátano y su felicidad.

La finalidad genérica de Nyamnyam en el ciclo “Todo lo que me gusta es ilegal, immoral o engorda” es acercar el trabajo de cada creador al público, queriendo hacer visible y entendible el proceso de trabajo y creación. Así se genera un marco de dialogo entre el artista, muy acostumbrado a tener que generar dispositivos acabados y presentarlos como acciones definitives sin margen de error, y el público, que puede participar, preguntar, observar o comentar la propuesta. Durante el mes de abril, Nyamnyam invita a Estel Boada. Estel se guia por los intereses del momento, que hasta ahora han sido acciones en espacios públicos, dibujos en tiempo de espera, autopublicaciones, encuentros con amigos y otros caprichos instalativos. En sus propuestas es fundamental el nexo social y vivencial; la relación con los demàs y el entorno conforman los fundamentos de sus proyectos.

As part of the cycle “Todo lo que me gusta es ilegal, inmoral o engorda”, Nyamnyam has invited Estel Boada to share her work over three Thursday lunchtimes in April. To mark the end of these interventions, Nyamnyam has Estel perform her last intervention, that she calls VITAL. She searches only for what is vital, only for what she really needs, because one mustn't overdo things. If you seek out only what is essential, nothing else, Mother Nature provides. This musical performance swims through the narratives of stories such as The Jungle Book in order to destroy those kinds of ideals from a critique of today's society, so overflowing with depression. We look for bananas and their happiness.

Nyamnyam’s ultimate aim for the “Todo lo que me gusta es ilegal, inmoral o engorda” cycle is to bring the work of each creator closer to the audience, making the working and creation process more visible and understandable. This creates a framework of dialogue between the artist, more used to having to come up with finalised works that are then presented as definite actions without margin for error, and the audience, who can take part, question, observe or make comments on what they see. During the month of April, Nyamnyam’s guest artist is Estel Boada. Estel draws her inspiration from her current interests, which up until now have been actions in public spaces, drawings in real time, self-publications, meetings with friends and other installation whims. The social and existential nexus, that is, the relation with others and with the environment, is fundamental to her projects.