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| ★ 4 i 5 Febrer 4 y 5 Febrero 4th & 5th February ★ |
PERE FAURA
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Mostra final del taller itinerant realitzat a Nunart, La Caldera, La Visiva i La Palomera (Les Antonietes Teatre). El taller proposa treballar els conceptes del nou projecte escènic de Pere Faura titulat “Sweet Fever”, basat en (re)descobrir, (re)encarnar i transformar coreografies icòniques de pel·lícules musicals del anys 70s i 80s. Copiant, comentant, versionant i destrossant a John Travolta o Patrick Swayze es desenvoluparan eines coreogràfiques alhora que s’examinaran i redefiniran les seves narratives estereotipades de l’amor, la felicitat o el treball per construir nous materials escènics més personals. |
Muestra final del taller itinerante realizado en NunArt, La Caldera, La Visiva y La Palomera (Les Antonietes Teatre). El taller propone trabajar los conceptos del nuevo proyecto escénico de Pere Faura titulado "Sweet Fever", basado en (re)descubrir, (re)encarnar y transformar coreografías icónicas de películas musicales de los años 70s y 80s. Copiando, comentando, versionando y destrozando a John Travolta o Patrick Swayze se desarrollarán herramientas coreográficas a la vez que se examinarán y redefinirán sus narrativas estereotipadas del amor, la felicidad o el trabajo para construir nuevos materiales escénicos más personales |
Final presentation of the itinerant workshop held at NunArt, La Caldera, La Visiva and La Palomera (Les Antonietes Teatre). The workshop aims to work on the concepts contained in Pere Faura’s new performing project, "Sweet Fever", based on (re)discovering, (re)embodying and transforming iconic film choreographies from the 70s and 80s. By copying, commenting, versioning and destroying John Travolta and Patrick Swayze, different choreographic tools will be developed and we will examine and redefine the stereotypical narratives of love, happiness and work to build up new personal performing material. |
| ★ 6 i 7 Febrer 6 y 7 Febrero 6th & 7th February ★ |
TIRSO ORIVE LIARTE
HORARIS HORARIOS SCHEDULES |
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Activitat lúdica i creativa on mitjançant l’ús de dispositius digitals i del maneig manual d'objectes, els nens podran construir una aventura mentre experimenten amb l'entorn i amb ells mateixos. El moviment dels seus cossos constitueix l'eina principal de interactuació amb els continguts gràfics i sonors d'aquest recorregut. Aquestes accions, queden enregistrades per les càmeres web i la càmera d'infrarojos -kinect-. Així, amb les seves mans mouran varetes i modificaran el contingut de la pantalla. També mouran amb el seus caps, pilotes i boles del món. I amb tot el seu cos, ballaran amb curiosos avatars. |
Actividad lúdica y creativa donde a través del uso de dispositivos digitales y el manejo manual de objetos, los niños podrán construir una aventura mientras experimentan con el entorno y con ellos mismos. El movimiento de sus cuerpos queda registrado por las cámaras web y de infrarrojos -kinect- instaladas en la sala, y constituye la herramienta básica de interactuación con los contenidos gráficos y sonoros de este recorrido. Con las manos moverán varitas, con sus cabezas, pelotas y bolas del mundo, y con todo su cuerpo bailarán con curiosos avatares. |
Creative and play-oriented Workshop-performance in which, through the use of digital devices and other manual objects, children can build up a graphic and sound adventure while experimenting with the environment and themselves. The movements of their bodies, recorded by webcams and infrarreds (kinect) installed in the space, are the basic means of interaction with the visual and aural contents of their trajectories. They will use their hands to wave wands, their heads to bounce balls and terrestrial globes, and with their whole bodies they will dance with strange avatars. |
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★ DIMARTS 9, 16, 23 Febrer i 1 Març ★ ★ MARTES 9, 16, 23 Febrero y 1 Marzo ★ ★ TUESDAYS 9th, 16th, 23rd February & 1st March ★ |
ERRATEKE
HORARIS / HORARIOS / SCHEDULES |
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ESTHER BELVIS PONS sobre ERBESTE de Rakel Espeleta:
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Para Rakel.
– ¿Cómo te va?
– Bien―respondo.
Entonces empiezo a pensar en cosas pequeñas como el hueco que queda libre al fondo del armario, el retazo de vida que hay detrás de la mirilla de la puerta o las figuras que se forman con el vaho de la ducha. Pienso en esas cosas pequeñas a las que no prestamos atención, esas cosas que solamente se hacen evidentes si uno se para a mirar todo aquello que no tiene aparente interés. Y concentrándome en lo pequeño puedo evitar, al responder “bien”, que mi mirada se pose en lo grande. [+]
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Rakel Ezpeleta ha creado esta pieza mostrando sus cosas pequeñas para hablarnos de las grandes. Y lo hace desde esa mirada suya que lo sostiene todo. Porque esta pieza nos enseña a sostener el cuerpo cuando ya parece que hemos perdido todo control sobre el mismo. Un cuerpo descontrolado que a través de sus aspavientos intenta complacer al otro. Un cuerpo dispuesto que se atreve a todo. Un cuerpo que tropieza con el mundo y decide dedicarle una última canción, un último baile, una última cena. Así, un poco entre el amor y el despecho que siente el que irremediablemente se abandona en los brazos de la vida, esperando que el día de mañana sea mejor que el anterior. Esta pieza hecha de retazos de vida planea sobre todos nosotros; incluso diría que está cocinada con nuestros propios recuerdos. Todos somos un poco Erbeste, este personaje que se apasiona y se pelea tanto con el presente para no hacer balance, para no contarse a sí misma lo que ya no fue, lo que ya seguramente no será. Este personaje que no pertenece a ningún lugar, pero que se cuela en la casa que son nuestros cuerpos; allí donde guardamos las historias, los secretos, las voces. Se cuela para recordarnos, con una sonrisa, que en las casas de todos pasan cosan extrañas. Para decirnos: – Sí, yo también tengo un mundo de cosas pequeñas, que me salva de esa precariedad que me hace sentir todo lo grande. Porque en un mundo en la que la mayoría respiramos con los pulmones corrompidos, Rakel nos propone esta pieza llena de oxígeno para seguir intentándolo mañana, sea lo que sea lo que cada uno tiene que intentar. |
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Docu-ficció satírica en forma de monòleg...sol...recital...una mena de cabaret solitari en el una intèrpret transita ocupacions, ubicacions, idiomes, registres i textures en el seu empeny de trobar un lloc propi. Erbeste mostra la realitat d’una dona migrant que es sent sempre fora de lloc; la rel.lació d’un mateix amb la seva memòria, amb les expectatives alienes i el desitg de pertinença. Erbeste vol arribar a mostrarse com els demes poden demanar que sigui.Tan acostumada es a adaptarse i intentar encaixar ...que per el nord. Algú li va dir que això era part de la vida de comediant, però també li va dir que per triomfar cal ser genuí...¿ A les hores...? |
Docu-ficción satírica en forma de monólogo… solo… recital… una suerte de cabaret solitario en el que una intérprete transita ocupaciones, ubicaciones, idiomas, registros y texturas en su afán por encontrar un lugar propio. Erbeste muestra la realidad de una mujer migrante que se siente desubicada; la relación de uno con su propia memoria, con las expectativas ajenas y con el deseo de pertenencia. |
Satirical docufiction presented as a monologue… solo... recital…. a kind of solitary cabaret in which a performer goes through occupations, locations, languages, registers and textures in her eagerness to find a place of her own. Erbeste shows the reality of a migrant woman who feels out of place; the relationship we have to our own memories, to other people’s expectations and to the desire to belong.
Erbeste wants to show herself as others may want her to appear. She is so used to adapting and trying to fit in that she becomes disoriented. Someone told her this was part of life as a player, but they also told her that to succeed she must be genuine…
So then what? |
| ★ 11-14 Febrer 11-14 Febrero 11-14 February ★ |
TWINS EXPERIMENT
HORARIS HORARIOS SCHEDULES |
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CRIS BLANCO sobre ¿Cómo se hace una performance? de Twins Experiment:
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Un día de 2015 mientras algunos rezagados que no nos íbamos nunca de Pradillo bailábamos un tema de Rhianna y/o de Kiesza y/o de Pulp Ainhoa y Laura se me acercaron y me dijeron: “hola, queremos hacer nuestra primera pieza, va de intentar saber cómo se hace una performance y queremos que tú seas nuestra coach”. Yo les dije que sí corriendo y seguimos bailando muy contentas. No siempre se tiene la oportunidad de asistir a la primera pieza de alguien, que te dejen asomar la nariz ahí me parece un reto y una suerte. [+]
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Y desde entonces me fui asomando, no tanto como me hubiera gustado porque el tiempo y el espacio son unos factores que, por algún misterio, todavía no dominamos, y he ido viendo cómo le preguntaban a sus madres “qué es y cómo se hace una una performance?” y a todo el que pillaban, y a mí que les decía que no tengo ni idea, y se fueron a Ámsterdam a hacer las pruebas para entrar en la SNDO, y allí vieron muchas performances, y se preguntaban si para hacer una performance hay que usar muchos objetos, y llevar zapatillas New Balance, y calcetines brillantes, y si hay que saber quién es Marten Spangberg, y después conocieron a Marten Spangberg y les pareció muy bien, y se fueron a Brest y Barcelona y a PAF (Performing Arts Forum), cada vez viendo más piezas y reconstruyéndolas de memoria, y se atascaron porque ahora parecía que estaban aprendiendo demasiado sobre performance y se desatascaron porque estaban juntas y ellas en realidad lo que querían era ser twins, gemelas, ser iguales, ser una misma persona, pensar lo mismo, hacer todo juntas y a la vez, y vieron muchos videos de gemelos y se pusieron a jugar juntas, a practicar, y decidieron meter el proceso en la práctica, o que la práctica fuera el proceso y que fuera un juego y que sería lo que enseñarían como performance . Se preguntaban por la performance y se toparon con el juego y sus reglas, algo tendrán que ver. Yo he tenido la suerte de ver algo del proceso y me ha parecido emocionante. Ahora os podéis asomar vosotros también a ese proceso. Hay que ir a verlo, hay que verlas practicar, hay que ir a ver la primera pieza de alguien, hay que ver si se han convertido en twins, si llevan New Balance y si les sigue interesando saber cómo se hace una performance o se han puesto a hacerla. |
PLAYDRAMATURGIA sobre ¿Cómo se hace una performance? de Twins Experiment:
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Se pisan las frases.
Claro.
Es como si tuvieran un Dropbox o algo así desde el que sacar las frases juntas.
Se ríen mazo.
Las Twins son las Titwins. Antes se llamaban así pero les sonaba a mono tití o a T-shirt o a dibujito animado, no lo sé, pero para mí que suena más cerca de lo que son, menos a gemelas gemelas y más a un nombre cualquiera con cualesquiera que sean las abstracciones que vaya a nombrar o para lo que sirva llamarse así. [+]
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Los nombres
comprometen, lo dice uno que se apellida Dramaturgia, que es jodido, y a la vez sirven para crear un diálogo interno con la propia práctica o familia. Para decirla o desdecirla. Estas gemelas, que ni lo son ni casi nunca lo parecen, se apellidan Experiment, que es lo más parecido a Expósito, el apellido aquel de aquellos horfanatos. El experimento no es otro que intentar saber cómo se hace una performance. Las Titwins se preguntan, como nosotros, de dónde vienen las cosas que les gustan, las que llevan viendo vorazmente y motivando viajes y haciéndoles llenar libretas con ideas e impresiones desde hace un par de años. Cuál ha sido la gestación de sus cosas favoritas, cómo gestionar esta lluvia de cuerpos que hacen cosas en escena, qué hay de herencias, de estilos, de tendencias. De familias. Lo chungo de la purpurina es que no te la quitas de encima en años, siempre queda alguna motita por ahí rondando. Yo fui este finde al Antic a ver lo de Pere Faura. Una invocación de coreografías top de musicales hit al servicio de otras cosas. Me emocioné mucho al ver a Oihana en escena. Birra en mano le contaba a Oihana que había leído el uso de las frases coreográficas como citas; también frases que se extraen de allá para ponerlas acá y que sirven para apoyar una idea normalmente distinta a la que trae, que discurre en un cuerpo de texto mayor y también distinto al de la cita en sí, menos en Tinder. Al citar es inevitable atravesar lo que se dice. Y ese a través activa un juego doble con el respeto: por un lado, es un gesto de reconocimiento; por otro, una apropiación utilitaria. Lo que me gustaba mientras veía lo de Pere es lo que me suele gustar de vivenciar la escena: la profunda sensación de presente, la comprensión de unos materiales en purito gerundio. Y es que las citas, cuando se las resucita, abandonan el participio. Y pienso ahora que no hay nada que tenga más sentido recuperar (repertoriar) para poner en contractura con el presente que el movimiento. Desde este prisma recupero ahora las sensaciones del primer encuentro con las Twins alrededor de este trabajo que traen ahora al Antic, en Madrid, allá por mayo. Y cómo se preguntaban cómo se hace una performance precisamente citando un montón de frases coreográficas que les habían interesado en algún momento o parecido importante; que reconocían por lo que sea y que, en su mayoría, nosotros también, como espectadores, hacíamos al presenciarlas. Me gusta reconocer citas en pintura, en el flamenco, me gustan los samplers en el rap y los mashups por todos lados y las apropiaciones a lo Sherrie Levine y los covers en YouTube. Pero lo que me flipa es comprobar que toda esa fuerza por poner en gerundio lo que existe en participio cobra auténtico sentido cuando se organiza, ahora, para construir algo más. Y es ahí dónde reside este experimento y mi deseo por estar delante. Al poco de llegar a su casa con las maletas a cuestas, preguntaba Oihana a las Twins si necesitarían algo más de lo obvio. Una de las dos le contestó con lo que sonó a la única respuesta necesaria: “No, para la práctica lo importante es estar juntas”. Javi de Play  Ayer me quedé dormido leyendo a Eduardo Haro Ibars en una frase que decía: “Flash Gordon explica los secretos del oficio: saberse el guión y no tropezar con los muebles”. Todavía no sé qué significa, y por eso me gusta. Sí intuyo que Flash Gordon empezaría a currar en lo suyo sabiéndose el guión y no tropezando con los muebles, pero que poco a poco iría desprendiéndose del texto hasta que los muebles desaparecieron, y que así es como consiguió moverse como un rayo. Las Twins comparten ahora su primer trabajo, pero viene de lejos, de antes de que empezara. Quizás del momento en el que comenzaron a desprenderse. Y puede que ese momento fuera un laboratorio con Paz Rojo en el participaron Ainhoa y Laura que, precisamente, iba de eso, de desprenderse para dejar de ser algo y abrir campos a otros movimientos. Posibilidades que sólo tienen sentido en forma de pregunta, ya que a veces no consiste más que en jugar con la respuesta. “¿Cómo se hace un perfomance?” supongo que va de eso. Cada vez tengo menos claro qué es una obra de teatro, de danza, una performance o como lo llamen, y mucho menos cómo se hace eso que dice Valcárcel Medina que tiene fecha, hora, lugar y duración, eso para lo que se convoca a un público. En caso de haberlas, hay obras y hay obras. Hace unas semanas entre cañas me contaba un colega que había visto una obra de Mårten Spångberg. No me dijo nada. Sólo apuntó una idea. Que le molaba esa obra de Spångberg porque no entraba en la dialéctica vanguardia-retaguardia. Es decir: viejonuevo, guay-no guay. Y eso, para mí, a día de hoy, si es que es cierto o posible o me lo quiero creer, es uno de los lugares desde el que trabajar que más me acerca a las obras en el caso de haberlas. No salirse, ni siquiera entrar en las formas, las herramientas, los conceptos y los ademanes que han convertido la obsesión por la novedad y lo original en uno de nuestros peores enemigos como creadores, pero también como público (o “consumidores”). Los “decididores” (su propaganda) lo saben, lo están explotando, y como decían Los Planteas, seguimos “aquí dando vueltas” como si no consiguiéramos desprendernos de su maquinaria. Me gusta encontrarme con personas que se centran en generar las condiciones de presente para por si acaso logramos entre todos que se produzca una apertura, y ya. Yo sólo con eso flipo. Mazo. Molt. Todavía no he visto la primera obra de las Twins Experiment, pero conozco su recorrido y el lugar desde el que están peleando por trabajar, y creo que “por allí resopla”. Por eso quiero ir a ver cómo se preguntan cómo se hace una performance. María Salgado nos decía en un taller hace poco que en literatura, como en los demás ámbitos, siempre se tiende a estar con o en contra. Javi cita mucho a María para defender estar con. Para esta obra las Twins empezaron a trabajar con los materiales de obras de Aitana Cordero, Aleksandra Lemm y Emma Daniel, Paz Rojo, Cris Blanco, Eva Meyer Keller, con lugares, con libros, con… De todo eso se habrán desprendido, y habrán conseguido abrir otros campos en su juego por responder a la pregunta. Por eso quiero ir a ver “¿Cómo se hace una performance?” Por eso y para que me inviten con mi Carnet de Prensa de Teatron a una caña en el Antic Teatre. Fer de Play! |
MAR MEDINA sobre ¿Cómo se hace una performance? de Twins Experiment:
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El cuerpo de este texto ha surgido de una partida. Las Twins esencialmente juegan, así que les propuse a Laura y Ainhoa jugar una partida de SUSANA*, que es un juego para hablar de cosas, y escribir sobre su trabajo. [+]
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Las instrucciones del juego determinan un mínimo de tres jugadores, uno de los cuales será
SUSANA y los otros dos los asistentes que, mediante el diálogo, la ayudarán a articular, desplegar
o reconducir su discurso en relación a las preguntas de cada tirada. Como las Twins juegan a ser
una sola mente, me puse a pensar que ocurriría si tuviesen que darse la voz entre ellas para
responder. Así que les propuse una escisión y, dividiéndolas entre SUSANA y asistente, salieron a
jugar Laura y Ainhoa. Sin tiempo para ponerse de acuerdo previamente y alternando de lado a lado
de la cancha han estado, aunque sin estarlo nunca, en el mismo equipo. Lo que sigue a continuación es la transcripción de esa conversación alrededor de ¿Cómo se hace una performance? de Twins Experiment. Estuvimos hablando 45 minutos. Lo mismo que dura la pieza que presentan en Antic Teatre durante este fin de semana. SUSANA es ahora Ainhoa: ¿Por qué te interesa trabajar con este medio? -Medio. El medio. Supongo que nos estaremos refiriendo a… hmmm… Lo primero que me viene a la cabeza es la performance. Entonces, si es la performance, ¿por qué me interesa trabajar con este medio? Porque tiene que ver con un lugar en el que se explora. Que difícil es esto. A ver… (Laura como asistente dice “Jo, Ainhoa!, pero si lo hemos hablado mil veces!). Porque es un lugar en el que se explora desde la investigación, la experimentación, porque no hay tanta sensación de farsa… no sé. “A ver, como te asisto?” dice Laura. Y prosigue: “viniendo de donde venimos, del teatro físico, o viniendo de lo último que hicimos antes de esto que fue un Chejov, te empezó a interesar la performance a raíz de ¿Qué puede un cuerpo? de Paz Rojo, no? Y te acuerdas que hablamos de qué nos pasó cuando vimos los dúos? De qué pasó ahí? “. “Sí!”, dice Ainhoa, “como que de repente descubres un nuevo medio que no es en el que has estado trabajando y te pones a trabajar desde otro lugar que no es el de la interpretación. De una manera que te lleva más allá del lugar de representación, más allá de la posibilidad de representar. Y añade, “y hay algo como con el presente también. Con lo que pasa ahí en ese momento. Y también en la relación con el espectador. El lugar desde el que trabajas es completamente diferente. Emborronado… como yo ahora. Y también por el riesgo. Sí, el riesgo. -O sea, que a ti te pone? -Me pone, me pone… (risas) -Que bruta!… -A mi también. SUSANA es ahora Laura: ¿El formato con el que estás trabajando es el formato adecuado para hacer lo que quieres hacer? -“Puedo decir sí o no y chao, no?” -Sí (risas). “Pero es como el “sí y además”, no?” añade sonriendo y se dispone a contestar. “Considerando en este caso formato como acto escénico que voy a compartir, sí. Creo que es adecuado el hacerlo para que otra gente lo vea”. “Igual tiene que ver con el dispositivo”, apunta Ainhoa. “El dispositivo, vale sí”. Sigue Laura, “si le llamo formato a lo que nosotras hacemos que es un juego, un juego en el que Laura y Ainhoa entran, las Twins juegan 45 minutos, y Laura y Ainhoa se van, creo que es el formato adecuado porque a lo largo de un año y medio de proceso todo ha sido, de manera muy inconsciente, como un juego. En el sentido en que nos juntábamos para hacer prácticas comunes como reproducir piezas que ya existen, leer… la manera de hacer ha llevado a que el formato sea un juego. No lo encontramos realmente hasta después de un año, o sea, no lo pudimos nombrar como juego hasta después de ese tiempo. Nunca quisimos hacer un juego, nunca fue la idea, pero todo tenía esa dinámica que no sé como es (mueve las manos como moviendo cosas invisibles de sitio), sólo sé reproducirla con las manos”. Y sigue, “creo también que dentro del juego tú tienes una serie de pautas, de cosas a hacer, pero cómo las haces, en qué tiempo las haces, para qué las haces, en qué desembocan… Todas esas preguntas vienen a posteriori. Y todo eso es el riesgo que nosotras querermos asumir. Por eso creo que, a día de hoy, este formato de juego es el que mejor contiene el trabajo de un año y medio. -Si el formato se deriva del proceso suele ser así. -“Pues un sí”. SUSANA es ahora Ainhoa: ¿Qué materiales necesitas? -El cuerpo. A mi Twin, a mi otro cuerpo. El cuerpo, sí, porque si no tengo cuerpo no puedo acceder a otro cuerpo. Necesito también una kettle con una luz azul, dos micrófonos, una playlist bastante variada, dos pares de zapatillas, unas bragas, dos petos, dos cajas, rotuladores, sudaderas Adidas, Rihanna… “Qué más materiales?” Se pregunta. Y Laura toma el relevo, saltándose las reglas, y añade: “una linterna de muchos colores, libros, waffles, calcetines de rayas, una tela de colores con purpurina, pintauñas de purpurina, los tatuajes, los brillitos, a Perec, a Agamben”. Y Ainhoa sigue “sí, y agua, un proyector, capsulas de té, Céline Dion, las tazas de camping, unas luces de bici. Y luego todos los objetos que están pero que no salen. Que están ahí sólo porque tienen que estar, no sabemos por qué, pero no hay manera de desprenderse de ellos”. SUSANA es ahora Laura: ¿Si no tienes las herramientas necesarias cómo te las inventas? -Partiendo del hecho de que cuando empecé a hacer esto consideré que no tenía las herramientas y me las inventé, creo que sólo tienes que hacerlo. Es algo así como probar. Te pasa una cosa por la cabeza y la pruebas. En este caso como era con Ainhoa, lo que me pasaba por la cabeza lo compartía con ella. A veces, al compartir esa herramienta imaginada la clarificaba y una vez clarificada la ponía en práctica. Y sirviese o no sirviese ahí quedaba. -El compartir es entonces un generador de herramientas. Ainhoa dice en voz baja “…es que nos hemos inventado todo…”. Y Laura sigue: “Y la observación. Si no tienes herramientas te las puedes inventar observando. En algunos contextos la observación se ha perdido. Nosotras hemos observado mucho. Me he dado cuenta de que durante un año y medio he observado mucho. A mucha gente, muchas piezas”. Empiezan a hablar al unísono, “es un poco científico: tienes la observación, la hipótesis…”. Y sigue Laura, “de ahí sale un invento. Es como una fórmula, no es que invente de la nada. El inventar es un proceso, un trabajo. Y hay algo también de estar muy abierta a inventar, disponible. Porque igual lo que se te pasa por la cabeza no pertenece a un patrón, a un contexto, a una estructura o a una forma reconocible, porque igual es algo nuevo para ti y para apreciar eso tiene que haber una puertecita abierta”. SUSANA es ahora Ainhoa: ¿Puedes aplicar tu práctica o metodología a otra profesión o disciplina y viceversa? -Yo creo que sí. En relación a la metodología sí. A través de poner cosas en el espacio hemos empezado a entender lo que hacemos juntas y el porqué lo hacemos juntas. El encontrar ese universo común se ha transformado en una metodología, en una manera de trabajar. A ese nivel hay algo de ir generando metodología mientras haces, en vez de imponer una metodología, que puede aplicarse a otras disciplinas. -Sí, lo veo, pero… ¿vosotras podríais cocinar juntas? ¿Aplicando las reglas de vuestro trabajo en escena, podríais hacer una paella? -Siguiendo las mismas pautas que tiene el juego? Contestan a dúo, una vez más Laura pasa por encima de la red, “¡Pues podría ser!” (risas). Y siguen juntas de manera casi indiscernible: “Sí. Yendo a la base sí. Una cosa detona a otra, una cosa interrumpe a otra, es un juego de detonadores. Entonces sí que podría ser algo así como cuando echas la cebolla y empieza a chisporrotear pues entonces la otra echa el calabacín, y cuando la otra va a echar el arroz la otra dice “no!, que todavía no!” y entonces después echas el agua de golpe y pones música. Y entonces la música tiene que sonar hasta que el agua hierva, y cuando termine de hervir tiene que haber un silencio como de dos minutos para que el arroz esté tranquilito, se repose, y digas: “esto lo he hecho yo” (risas). SUSANA es ahora Laura: ¿Estás trabajando con el medio adecuado? -A ti te ha salido antes esa pregunta que hablaba del medio (refiriéndose a Ainhoa) y a mí me ha interpelado. Porque tú has dicho antes la palabra performance. Y yo tengo como un poquito de conflicto ahí entre performance y coreografía. “Estás trabajando con el medio adecuado?” se pregunta a si misma de nuevo en voz alta. Y sigue. “Sí, estoy trabajando con el medio adecuado si digo que mi medio es el trabajo coreográfico. Pero si digo que el medio es el de la performace, no lo sé. No sé. Lo niego casi como por rehuir de algo”. Ainhoa apunta “de un tiempo acá ha habido como un trasvase de significado de la palabra performance a la palabra coreografía, como contenedor de muchas cosas, y como que la frontera está muy desdibujada”. Laura sigue: “Relaciono la performance con el arte de acción pero no sólo es eso, también está relacionada con los años 60, en la órbita del happening y, si tengo en cuenta todo eso, no considero que actualmente sea mi medio porque no estoy haciendo ese tipo de acciones. A lo mejor, como he vuelto de Ámsterdam hace un año y he conocido a gente que trabaja con coreografía estoy más familiarizada con ese medio. -Coreografía expandida. – “Sí. Si lo llamo coreografía, en el sentido más amplio de la palabra, el medio es el adecuado.” SUSANA es ahora Ainhoa: ¿Hay equilibrio entre práctica y descanso? -¿En lo que hacemos? No. No hay, no hay, no hay. Ningún equilibrio. No hay descanso. Laura salta la barrera de nuevo y dice: “De hecho Ainhoa pierde continuamente el equilibrio. Muchísimo” (risas). Y Ainhoa sigue: “Sí, yo pierdo constantemente el equilibrio porque no hay descanso. Entonces claro, acabas en el tropiezo. Hay algo de hacer y hacer y cuando lo que estás haciendo no es visible estás haciendo dentro, en la cabeza. Ahí. Todo el rato. Intentado encontrar lo que viene después, intentando encajar las piezas del puzzle”. – ¿El proceso ha sido igual de trepidante? -Ha habido descanso porque no hemos podido hacerlo todo de golpe. Por falta de espacio. Porque si no… si no tendríamos ya tres piezas! (risas). Laura añade, “de hecho tenemos cuatro. Tres en la cabeza y esta” (más risas). Sigue Ainhoa haciendo uso de su turno: “Sí que ha habido espacios de pausa pero en los momentos en que hemos estado ensayando no ha habido descanso. De hecho creo que somos como bastante bestias. ¿Que tenemos la sala de nueve de la mañana a diez de la noche? Pues de nueve de la mañana a diez de la noche estamos en la sala. Y no paramos de trabajar, aunque comamos o nos echemos la siesta juntas, sigue siendo trabajo. Hay una especie de cosa como de mantener la actividad volcada hacia el trabajo todo el rato. De mantener el proceso activo todo el tiempo. Por lo tanto no hay equilibrio. Y esto también es generacional y también es de ahora, está todo el rato presente el ¿si no estás trabajando que estás haciendo? Si no estás trabajando no estás haciendo nada. El ocio queda al margen. Está mal visto. Descansar es malo. Hay algo muy chungo. Tenemos muy presente esta cosa de la multiventana, que es muy peligrosa. Parece que sólo estás haciendo un video para subir a Youtube pero a la vez sabes que te va a servir para hacer nosequé y a la vez te está inspirando para otra cosa futura. Y a la vez estás calentando el tupper con la comida. Y todo lleno. Todo lleno y todo vacío. Porque de repente te sientes como que ya no hay más. Yo creo que hasta los sueños a veces están como fracturados también. Lo multitodo. Míranos. Estamos multi. Hablando y dibujando a la vez. Increíble. SUSANA es ahora Laura: ¿Qué lenguaje necesitas para hacer lo que haces? -No es broma. Necesitaría el lenguaje telepático. Digamos que tengo el lenguaje verbal y el no verbal, pero me doy cuenta de que para hacer lo que hago necesito inventarme un lenguaje nuevo, que ahora ya existe y es el de las Twins, que tiene mucho que ver con pasar tiempo juntas. Al estar tanto tiempo juntas se ha ido desarrollando un lenguaje sin querer. (Empiezan a hablar a la vez, doblando la voz) “Como que se te pegan gestos, haces cosas a la vez, asocias cosas a la vez”. “Me estoy metiendo, me callo”, dice Ainhoa. Y Laura sigue. “Claro, ves, te crees que sabes lo que la otra piensa y lo dices. No nos diferenciamos. En realidad ahora porque estás tú pero cuando hablamos y no hay nadie más una acaba las frases de la otra o hablamos raro” (empiezan de nuevo a hablar a la vez y reímos). Laura sigue: “Realmente creo que funcionaría muy bien la telepatía entre las dos. ¿Las twins como se comunican? Nos hemos planteado el lenjuage verbal dentro de la pieza, porque entre nosotras no hablamos. Las Twins no hablan, así que al principio cada vez que queríamos decirnos algo lo hacíamos mediante medios, utilizando un chat o el traductor de Google. Y si hablamos para el público, hablamos las dos a la vez. Con la misma entonación, los mismos tiempos, si no, no hablamos. No lo necesitamos. Y si necesitamos que la otra se entere de algo es casi intentar comunicar con la mirada… algo casi medio telepático, sí. Últimamente está saliendo lo onomatopéyico y el uso de los emoticonos”. “Sí”, dice Ainhoa, “y ahí es donde decimos cultura de masas, toda esa sobreestimulación, toda esta cosa de nuestra generación que es como… es muy fuerte”. Y Laura sigue “es como que de repente dices este emoticono somos nosotras, y si te pongo esto y esto otro quiere decir esta cosa” (suena el tono de aviso de mensaje de whatsapp en mi móvil). -Entonces eso es estar huyendo de la representación y yendo a buscar aquello que te representa. Laura contesta: “Es muy fuerte, eh. Yo creo que eso ocurre también porque a nosotras nos pesa un poquito el lenguaje. El lenguaje verbal, el lenguaje del teatro, la declamación, y eso que venimos del teatro físico. Aún así hay mucho peso de la palabra.” SUSANA es ahora Ainhoa: ¿Eres flexible en lo que haces? -Bueno, partiendo de la base de que lo que hago es porque he sido flexible pues supongo que sí, no? Me refiero a que tiene que haber algo premeable para encontrar ese lugar común y esa metodología de trabajo. Si no hay una flexibilidad y tú lo que quieres hacer es una técnica concreta pues eso es lo que va a haber. “Oh! y yo le puedo hacer una pregunta?” dice Laura. -No. Hay una targeta para formular una pregunta pero nos tendría que salir. -Pues no la hago pero me la guardo aquí en la multicosa (risas). Ainhoa sigue: “Supongo que soy flexible hasta un punto”. -“Hasta que punto?”, dice Laura, y me pregunta en voz baja, “eso sí puedo, no?”) -“Hasta que punto?”. Ainhoa responde: “Pues ahora, por ejemplo, supongo que con lo que tenemos soy menos flexible, porque hay algo que está, y si ahora de repente eso fuese de nuevo un lugar de…”. (Laura interrumpe y se inicia un diálogo entre ellas dos) -O sea, que eres flexible en la investigación pero cuando encuentras una especie de dispositivo ya dejas de ser flexible? Eso es lo que estoy entendiendo yo ahora. -Pues no lo sé… -Flexible físicamente eres, eso sí… (risas) -Bueno, pues ya está. Lo dejamos aquí (más risas). -Esto nos va a dar para tema de conversación toda la semana… SUSANA es ahora Laura: ¿Le dedicarías un año más a desarrollar tu idea? -No, yo creo que ya esta idea se va a desarrollar compartiéndola con el público. No le daría un año más a esta idea. A la idea de Ainhoa y yo solas en un estudio no. Porque la pieza que falta es lo externo a nosotras. Un año y medio de endogamia es suficiente. Ahora ya está. SUSANA sigue siendo Laura: ¿Con qué herramientas trabajas? -Una herramienta muy potente es Ainhoa (risas). Dirigiéndose a Ainhoa, “no es que te quiera llamar herramienta”. Pero es la más potente. Es como cuando tú ves a los bailarines de Graham que se rinden a esa técnica. A esa herramienta. Pues a mí me pasa lo mismo con ella. Que yo me rindo. Y digo, “pues venga, pues vamos”. Ahora te veo como un destornillador… La herramienta es el cuerpo. -Y los objetos? -Eso es un temazo. -Sí, por eso lo saco. Laura me contesta. “Ha habido momentos en que he pensado que los objetos eran un lugar para agarrarnos cuando estábamos indefensas o indecisas. Sirven para, a través de ellos, hacer algo. Son el passing through. Todo pasa por ellos. Son canalizadores.” -Todo lo que pasa en escena está mediado por vuestros cuerpos y los objetos. La dinámica que recuerdo de la muestra de vuestro trabajo en La Caldera es la de un cuerpo que entra en acción por medio de un objeto que aparece. Así que creo que ahí hay una relación instrumental con el objeto muy potente que está creando una manera de hacer todo el rato. Laura me explica: “Antes salían muchos más objetos que ahora se están quedando dentro de las cajas. Ya no salen objetos porque sí. Aunque más que los “por qué” nos planteábamos los “para qué”. Para qué ponemos esto aquí? Muchísimos de los objetos son derivados de estéticas o nos recuerdan a piezas. “Algunos son memoria” dice Ainhoa, sáltandose las reglas del juego. Y sigue: “la kettel azul es de nuestra casa de Ámsterdam…, es que hay algo ahí entre la vida y lo que hacemos muy difuso. Yo hay veces que no sé si la vida es lo que hacemos en la pieza o si lo que estamos haciendo ahora mismo es la pieza. Se difumina mucho también por la relación que tenemos”. -Hay un lugar no jerárquico también en la relación que se establece en escena cuando se está mirando desde fuera. Entre vuestras acciones y las acciones de los objetos se establece un paralelismo. Por ejemplo, Ainhoa pone la kettle y la kettle calienta el agua. Llega un momento, cuando ha pasado el tiempo suficiente, en el que el efecto de vuestras acciones y el efecto que producen los objetos sobre todo lo demás se equipara. El sujeto de la segunda parte de la oración, la kettle, se coloca como sujeto al mismo nivel que Ainhoa. Ainhoa me contesta: “Hay algo muy importante en relación a nosotras con los objetos. Los objetos son los dueños del mundo. Nosotras somos menos que los objetos. Nosotras, en concreto, somos mucho de las cositas.” Y Laura sigue: “Vimos unos calcetines con emoticonos y ya se nos estaba yendo un poco de las manos… Somos unas fetichistas, pero a través de todo eso hemos ido construyendo una identidad. Nos hicimos muchísimas preguntas. Hubo un tiempo en que nos cuestionamos la estética del performer. Hay muchas tendencias. Cuando estás en diferentes contextos te fijas en la gente, en cómo viste, cómo se peina… Porque nosotros estamos en España. Y España no está en el triángulo de las Bermudas que forman Ámsterdam, Bruselas y Berlín. Esas tres ciudades se codean. Y es casi como que marcan algo”. Y Ainhoa añade: “Hay algo como de lo último, de lo último, de lo último que está ahí. Algo de la calle, algo de la cultura de masas. “Sí!”, sigue Laura, “salieron los aparatitos estos que ahora se llevan que son como un patinete eléctrico y a los tres días estábamos viendo uno en una pieza”. -Es lo que vosotras decís de la incorporación, es lo mismo que hace la publicidad, es una manera de hacer muy de ahora. Tengo esto y lo incorporo. Las prácticas absorven del medio de manera inmediata, en la medida en que algo está apareciendo ya está siendo puesto en escena. Además, el límite entre lo que se enseña y lo que no es cada vez más fino. Los medios están ahí, podríamos colgar una foto de lo que estamos haciendo ahora mismo en Instagram. Y Ainhoa añade, haciendo un chasquido de dedos: “Ya. Así. Esto podría ser una pieza para tres personas que actúan y son espectadoras a la vez”. La alarma que marcaba el fin de los 45 minutos no sonó y al acabar de hablar de las herramientas habíamos saltado ya al minuto 2 de la prórroga. Yo que les iba a decir de volver a tirar. Ellas siguen en juego en Barcelona aún dos días más, hoy y mañana en el Antic. *SUSANA ha sido desarrollado inicialmente por Aimar Pérez Galí, Clara Tena, Carme Torrent i Mar Medina en residencia en el Centre Choreographique National Rubaix Nord-Pas de Callais (Francia). |
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Es la pregunta des la que parteixen Ainhoa i Laura. |
Es la pregunta desde la que parten Ainhoa y Laura |
It’s the question that’s Ainhoa and Laura’s starting point |
| ★ 18-21 Febrer 18-21 Febrero 18th - 21st February ★ |
DULCE DUCA
HORARIS / HORARIOS / SCHEDULES |
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DULCE DUCA sobre DULCE DUCA:
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Inesperados encuentros en momentos insertos, han llevado la lluvia por caminos desiertos…
Han surgido nuevas semillas en estos campos arduos, sin que sean duros. La buena porción de locura proporciono los necesarios momentos de lucidez para escuchar lo que estaría para venir. [+]
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Encontré el malabar por mera casualidad y me he quedado por amor.
Autodidacta, he echo parte de la Formación Alternativa y Auto-gestionada de Circo, FAAAC. http://www.faaac.com/ (Francia). Una formación completamente auto-gestionada por sus participantes en el departamento de L’Indre (36) en Francia, donde íbamos de aldea en aldea, con camiones y caravanas a las salas comunitarias, haciendo nuestra formación. Con este grupo, FAAAC, hemos podido realizar los proyectos mas Utópicos que alguna vez hemos podido imaginar. Como el WORK IN PROGRESS ARTS MEETING 2009. WORK IN PROGRESS ARTS MEETING fue un proyecto experimental que tenia como objetivo saber si un grupo de artistas, de todas las áreas, podían influir y cambiar algo en la vida, día-a-día de los habitantes locales. Os puedo decir que si. Srebna-Gora (Polonia) una región súper conservadora, donde un negro entraba y cinco blancos salían, donde la iglesia media los actos visibles de las personas y la vodka los invisibles, … hemos dejado una marca. Lo mas concreto que os puedo contar es que todavía existe una iglesia que sigue siendo un local de práctica de circo, donde dan clases regulares y siguen recibiendo artistas de todo el mundo en sus salas para construir sus espectáculos. Os cuento esto porque fue en la FAAAC que empece a ir más fondo en mi objetivo,… que si actúo es porque tengo algo que decir y quiero que pase algo dentro de quien esta mirando. Sea reír o llorar, quedar-se atrapado a la silla o levantar-se para ir-se. Fue cuando encontré a Iris, mi maestro, un malabarista/actor impresionante de los 90’s. Con el he recorrido hasta hoy 10 años de experiencias y exploraciones en mi manera de hacer malabares, mi manera de ver el circo, la escena y la vida. Con el empece a construir la primera versión de UM BELO DIA 30min. (2010). Hemos decidido que la idea era trabajar emocionalmente y ser libres para construir la historia a partir de ahí. En un principio las emociones eran demasiado fuertes, con la alegría no había problemas, pero con la rabia o tristeza la gente no quería verlo, (actuando en la calle), algunas personas simplemente se iban… era curioso, nos pasaba en todos los países , ni en con todas las edades, pero esa es otra historia. Así que pensé “Tengo que ser buena en esto, debo de estar haciendo un buen trabajo ” , la gente realmente siente lo que estoy transmitiendo y todo esto con los malabares. La gente estaba sufriendo de verdad con lo que yo estaba representando, actuando. La gente me decía que se olvidaban de que estaban viendo un espectáculo. … ¿os imagináis eso ?! Es muy loco, verdad?! Por lo tanto, después de estas experiencias, ahora la pregunta era,… cómo llevarlos por esta TwilightZone y pasar por la catarsis conmigo hasta tener un final feliz. Y fue ahí donde empezó esta última y nueva etapa de UM BELO DIA. – 60min./sala. UM BELO DIA es sobre dejar suelta mi imaginación, perderme en ella, no saber lo que es realidad o ficción, volver a mi y nuevamente dejar-me llevar… y así sucesivamente… Es una metaficción. La mayoría de las veces son cosas absurdas y surrealistas en un ambiente muy metafórico y onírico. Para mi los malabares son un medio y no un fin en lo que quiero transmitir. Sabes cuando haces amor, … y estás ahí,… abriendo te al otro, tocando, sintiendo, conectando… y el tiempo para…y…. mismo que en algunos momentos parece que no estamos en el mismo ritmo y es extraño, … mismo así sabéis que os queréis. Eso es lo que yo siento cuando actúo con UM BELO DIA. No se si me considero una malabarista… Si que considero que estamos en una época de oro en relación al desarrollo de los malabares y pura manipulación de objectos. Hay una corriente de aire creativo que está inspirando a mucha gente y se están desarrollando nuevas técnicas con los más diversos objectos. Es algo fascinante y inspirador. En estos últimos 40 años se asistió a grandes cambios en el mundo del circo. Surgieron de la indignación del uso de animales y la apertura de los circenses a integrar otras dramaturgias y mezclando otras técnicas artísticas. Creo que estamos en el camino pero creo que algo falta en relación a mostrar la persona que está en el escenario. Es algo sutil. Creo que los artistas circenses, en general, se siguen escondiendo detrás de su técnica, de tras de una historia que no la viven de verdad o que es demasiado fácil vivir-la. O no hay la necesidad o hay demasiado miedo a la hora de subir a un escenario y mostrar-se realmente quien somo y afirmar lo que venimos decir, mejor o peor. Hablo de los actores/personas, quien somos, cuan libres somos encima del escenario ? Que haces si no tienes tu técnica? Veo que vamos incorporando técnicas de teatro- físico pero cuando llega al justo momento de coger los objectos algo cambia. Que cambia?… Hay gente que lo hace, mis referentes… Iris, Johan Swartvagher, Anicet Leone. Después de cada actuación estaré por el Bar del Antic Teatre. Encantada de encontraros! |
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Um Belo Dia es un projecte de vida cosntruit per Dulce Duca e Iris Ziordia. Vida en forma d’espectacle. Dulce Duca incorpora el malabar, la manipulació i els equilibris de masses dins d’un llenguatje corporal unic e impactant, tansmeten emocions a una peça que integra e intriga al públic de totes les edats. Um Belo Dia es poesia surrealista viscuda per una noia als trenta anys. Ella construeix un mon des la seva visió personal, dona vida al que no la te, interactua amb la seva imaginació i ens endinsa en un mon fantàstic on tot es possible. Un Belo Dia neix de dintre seu i conecta amb l’espectador de forma primordial, pura i simple. |
Um Belo Dia es un proyecto de vida construido por Dulce Duca e Iris Ziordia. Vida en forma de espectáculo. Dulce Duca incorpora el malabar, la manipulación y los equilibrios de mazas en un lenguaje corporal único e impactante, transmitiendo emociones en una pieza que integra e intriga al público de todas las edades.
Um Belo Dia es poesía surrealista vivida por una chica a sus treinta años. Ella construye un mundo desde su visión personal, da vida a lo que no tiene vida, interactúa con su imaginación y nos sumerge en un mundo fantástico donde todo es posible. Um Belo Dia nace de las entrañas y conecta con el espectador de manera primordial, pura y simple. |
Um Belo Dia is a life project devised by Dulce Duca and Iris Ziordia. Life as spectacle. Dulce Duca juggles, manipulates and balances clubs using unique and appealing body language, transmitting emotions in a piece that attracts and intrigues audiences of all ages.
Um Belo Dia is surreal poetry lived by a girl in her thirtieth year. She creates a world from her personal viewpoint, gives life to what has none, interacts with her imagination and immerses us in a world of fantasy where anything is possible. Um Belo Dia emerges from the gut and connects with the spectator in a primeval fashion, pure and simple. |
| ★ 22 Febrer 22 Febrero 22 February ★ |
G3G RECORDS: PODER MIRAR ALS ULLS
HORARIS |
TOTI GARCIA |
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G3G Records: Poder mirar als ulls El documental explica la trajectòria de la discogràfica G3G, nascuda a Barcelona l'any 1989. Els seus fundadors, Gat, Glòria i Guillem, han aconseguit recórrer 25 anys mantenint els mateixos valors del principi, sempre basats a intentar mirar la vida d'una manera menys materialista, més creativa i més equitativa. Així, al marge del materialisme imperant, G3G s'ha resistit a caure en un sistema que entén la cultura com un producte. |
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Setena temporada de FLUX CLUB, un club de vídeo amb una periodicitat quinzenal que pretén reflectir la vitalitat del vídeo de creació de la nostra ciutat. Es tracta d’una extensió del Festival de vídeo d’autor FLUX, amb sessions obertes a tot el que està passant en el camp del vídeo a Barcelona, que complementen el festival des del punt de vista dels seus continguts i que estenen el seu període d’acció més enllà dels dies estrictament dedicats al festival.
FLUX CLUB acull tot tipus de sessions amb projeccions, videoperformances i col·loquis que ofereixen al públic la possibilitat del contacte directe amb els videocreadors. Poden ser sessions monogràfiques d'autors reconeguts, temàtiques, dedicades a gèneres com la videodansa i la videopoesia, o col·lectives dedicades a autors emergents.
FLUX CLUB és un espai de difusió del vídeo de creació a la ciutat de Barcelona.
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Séptima temporada de FLUX CLUB, un club de vídeo con una periodicidad quincenal que pretende reflejar la vitalidad del vídeo de creación de nuestra ciudad. Se trata de una extensión del Festival de vídeo de autor FLUX, con sesiones abiertas a todo lo que está pasando en el campo del vídeo en Barcelona, que complementan el festival desde el punto de vista de sus contenidos y que extienden su período de acción más allá de los días estrictamente dedicados al festival. FLUX CLUB acoge todo tipo de sesiones: proyecciones, videoperformances y coloquios que ofrecen al público la posibilidad del contacto directo con los videocreadores. Pueden ser tanto sesiones monográficas de autores reconocidos, como temáticas colectivas dedicadas a autores emergentes, a la presentación de trabajos de estudiantes, o centradas en la videopoesía o la videodanza. FLUX CLUB es un espacio de difusión del vídeo de creación en la ciudad de Barcelona. |
The seventh season of FLUX CLUB is here: a fortnightly video club that reflects the vitality of video creation in our city. It’s an extension of the FLUX Video Auteur Festival, with sessions open to everything currently going on in the field of video in Barcelona, complementing the festival from the point of view of its content and extending its sphere of influence beyond the few days programmed for the festival itself. FLUX CLUB includes all kinds of sessions: screenings, video performances and debates offering direct contact between the audience and the filmmakers. These sessions focus on a range of subjects, from monographic by well-known directors to specific themes, from groups of up-and-coming authors to students; they may cover video poetry or video dance. FLUX CLUB is a space for the dissemination of video creation in the city of Barcelona. |
| ★ 24 Febrer 24 Febrero 24th February ★ |
EDUARDO GIÓN /
HORARIS / HORARIOS / SCHEDULES |
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Antic Teatre es vestirà amb lluentons. Un cop al mes, l'Antic Teatre Cabaret proposarà un recorregut per l’autentic cabaret dels 70, pels seus locals, els seus artistes i el seu ambient canalla. Més que una obra de teatre, Antic Teatre Cabaret serà una festa, un tribut i un homenatge a tots aquells que van lluitar per donar-li color a una Barcelona gris i asfixiada. |
Antic Teatre se viste de lentejuelas. Una vez al mes, Antic Teatre Cabaret propondrá un recorrido por el verdadero cabaret de los 70, por sus locales, sus artistas y su ambiente canalla. Más que una obra de teatro, será una fiesta, un tributo y un homenaje a todos aquellos que lucharon por darle color a una Barcelona gris y asfixiada. |
Antic Teatre dresses up in sequins! Once a month, Antic Teatre Cabaret will take us on a journey to the genuine cabaret of the 70s, visiting its venues, its artists and its rough-and-ready atmosphere. More than a performance, this will be a party, and a tribute to all those who fought to provide a touch of colour when Barcelona was grey and choking. |
| ★ 25-28 Febrer 25-28 Febrero 25th - 28th February ★ |
ANGELA & KOLDO
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Arribem a la adolescència com un robot de llauna preparat per qualsevol cosa menys per estar tranquil·lament descansats en els nostres cossos. A partir dels 11 anys unes hormones descarades segresten el nostre temperament i provoquen canvis inesperats en el nostre cos.Com en una pel.licula de ciència ficció patim mutacions, canviem de forma.La adolescència es una etapa de canvi però també de recerca de la identitat. Angela i Koldo tenen un desitj.Tornar a aquesta etapa i utilitzar la pell com a punt de partida. Construir des la pell casa teva, plena de sensacions on descobrirse i retrovarse a cada racó. Un lloc segur i fèrtil on creixen i floreixen els desitjos de l’imaginació , fent.nos capaços de fer qualsevol aventura i capaços d’assolir l’imposible. |
Llegamos a la adolescencia como un robot de hojalata preparado para cualquier cosa menos
para estar tranquilamente descansados en nuestros cuerpos. A partir de los 11 años, unas
hormonas descaradas se adueñan de nuestro temperamento y provocan inesperados cambios
en nuestro cuerpo. Como en una película de ciencia ficción mutamos, cambiamos de forma.
La adolescencia es una etapa de cambio pero también de búsqueda de identidad.
Angela y Koldo tienen un deseo. Volver a esa etapa y utilizar la piel como punto de partida. Construir desde la piel un hogar lleno de sensaciones donde descubrirse y reencontrarse en cada hueco Un lugar seguro y fértil donde broten los deseos de la imaginación, volviéndonos capaces de cualquier hazaña, capaces de lo imposible. |
We reach adolescence like tin robots, ready for anything except feeling relaxed in our own bodies. From the age of 11 onwards, hormones brazenly take possession of our temperaments and provoke unexpected changes in our bodies. As though in a Science Fiction film we mutate, we change shape.
Adolescence is a period of change but also a search for identity.
Angela and Koldo have a wish: to return to that period and use their skin as the starting point. From the skin outwards, they want to build a home full of sensations, so as to discover and rediscover themselves in every nook and cranny. A safe and fertile place in which the desires of imagination can flourish, making them capable of any feat, capable of achieving the impossible. |
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