Antic Teatre es vestirà amb lluentons. Un cop al mes, l'Antic Teatre Cabaret proposarà un recorregut pel verdader cabaret dels 70, pels seus locals, els seus artistes i el seu ambient canalla. Més que una obra de teatre, Antic Teatre Cabaret serà una festa, un tribut i un homenatge a tots aquells que van lluitar per donar-li color a una Barcelona gris i asfixiada.

Aquesta nova etapa del DESPLUME, alternarà als artistes de cabaret de tota la vida amb nous artistes que treballen partint de la base cabaretera amb performances i diferents disciplines artístiques, sempre inspirats en el cabaret dels 70.

Antic Teatre Cabaret serà un lloc de trobada pels amants d'aquest gènere i permetrà descobrir a aquells que ho desconeixen el que significa una verdadera vetllada cabaretera.

Eduardo Gión
Director de cinema, teatre i documentalista.
Ha treballat com ajudant de direcció de curt-metratges i llarg-metratges en 35mm.
Ha realitzat la festa basada en el cine underground de terror “Transilvania Club” amb el cineasta Luis Macias i els músics XSDJ.
Participa en diversos esdeveniments com 080 Barcelona, col·laborant amb fotògrafs com Miguel Villalobos per a la producció de la desfilada homenatge a Thierry Mugler. Escriu i produeix reportatges per revistes com Candy Magazine i Paraíso Magazine.

Actualment està en preparació d’un projecte anomenat “Wams” junt amb el fotògraf Raúl Hidalgo on han fotografiat i entrevistat a artistes com Jonas Mekas, Bob Gruen, Daniel Riera, Greg Gorman, Bruce Labruce, Mathiue Cesar, entre d'altres.

Antic Teatre se viste de lentejuelas. Una vez al mes, Antic Teatre Cabaret propondrá un recorrido por el verdadero cabaret de los 70, por sus locales, sus artistas y su ambiente canalla. Más que una obra de teatro, será una fiesta, un tributo y un homenaje a todos aquellos que lucharon por darle color a una Barcelona gris y asfixiada.

En esta nueva etapa, El Desplume alternará artistas de toda la vida del cabaret, con artistas nuevos, cuyo trabajo parte de las raices del verdadero cabaret, con performances, y diferentes disciplinas artísticas siempre inspiradas en el cabaret de los 70.

Antic Teatre Cabaret será un lugar de encuentro para los amantes de este género y permitirá descubrir a aquellos que lo desconocen lo que significa una verdadera velada cabaretera.

Eduardo Gión
Director de cine, teatro y documentalista.
Ha trabajado como ayudante de dirección de cortometrajes y largometrajes en 35mm.
Ha realizado la fiesta basada en el cine underground de terror “Transilvania Club” junto al cineasta Luis Macias y los músicos XSDJ.
Participa en eventos como 080 Barcelona, colaborando con fotógrafos como Miguel Villalobos para la producción del desfile homenaje a Thierry Mugler. Escribe y produce reportajes para revistas como Candy Magazine y Paraíso Magazine.

Actualmente está en preparación de un proyecto llamado “Wams” junto al fotógrafo Raúl Hidalgo donde han fotografiado y entrevistado a artistas como Jonas Mekas, Bob Gruen, Daniel Riera, Greg Gorman, Bruce Labruce, Mathiue Cesar, entre otros.

Antic Teatre is dressing up in sequins! Once a month, the Antic Teatre Cabaret will invite us back to the authentic cabaret of the 70s, to visit its clubs and artistes and soak up its raffish atmosphere. More than a stage show, this will be a party, a tribute and a homage to all those who fought to bring colour to Barcelona during its grey and airless period.

In this new phase, El Desplume will alternate career cabaret artistes with new artists whose work is based on the very roots of true cabaret, with performances and acts always inspired by the 70s.

Antic Teatre Cabaret will become a meeting point for lovers of this genre and will allow those who have never done so before to experience an evening of authentic cabaret.

Eduardo Gión
Is a director of cinema, theatre and documentaries.
He has worked as director’s assistant on short and long 35mm films.
Together with film director Luis Macias and musicians XSDJ, he created club night “Transilvania Club” based on underground horror cinema.
He has taken part in events such as 080 Barcelona, where he collaborated with photographers such as Miguel Villalobos on the production of a tribute catwalk for Thierry Mugler. He writes and produces articles for periodicals Candy Magazine and Paraíso Magazine.

He is currently working on a project called “Wams” together with photographer Raúl Hidalgo, for which they have photographed and interviewed such artists as Jonas Mekas, Bob Gruen, Daniel Riera, Greg Gorman, Bruce Labruce and Mathieu Cesar among others.

Se diría que aquí no pasa nada és la proposta escènica procedent del projecte, Antes de nacer estaba muerto.

Sorgeix de la idea d'intentar escenificar una consciència del trànsit a través de la poesia, entesa aquesta com a art del temps, on s'evoqui la memòria com a conjunció d'aquest transcurs. Escenificar i trobar-me en aquesta consciència.

D'una manera gairebé elemental Se diría que aquí no pasa nada és l'escenificació d'un diari construït durant un viatge i de com aquest “no lloc” produeix multitud de territoris, intensifica la mirada i intenta treure a la llum els esdeveniments invisibles que sorgeixen de la nostra quotidianitat.

Però sobretot i abans de res és una trucada a la celebració diària del fet d'estar viu.

David Mallols
Va néixer a València, on es va llicenciar en Art Dramàtic i posteriorment en Direcció i Dramatúrgia a l’Institut del Teatre de Barcelona. Al 2011 va estrenar L'Herència a Barcelona, la seva primera peça llarga. Des de 2012 porta treballant en el projecte Antes de nacer estaba muerto donant com a resultat alguns treballs en vídeo: de norte y sur (Aproximaciones a la idea de diario. 2013) o accions com Hemisferios (Escenarios del Streaming. 2013). També el 2014, al costat d’Inés Lambisto, desenvolupa el projecte "Otro tiempo vendrá distinto a este" (2014), en residència a MediaEstruch.
També col·labora com a intèrpret amb la companyia El Conde de Torrefiel.

Se diría que aquí no pasa nada es la propuesta escénica procedente del proyecto Antes de nacer estaba muerto.

Surge de la idea de intentar escenificar una conciencia del tránsito a través de la poesía, entendida ésta como arte del tiempo, donde se evoque la memoria como conjunción de ese transcurso. Escenificar y encontrarme en esa conciencia.

De una manera casi elemental, Se diría que aquí no pasa nada, es la escenificación de un diario construido durante un viaje y de como este “no lugar” produce multitud de territorios, intensifica la mirada e intenta sacar a la luz los acontecimientos invisibles que surgen de nuestra cotidianidad.

Pero sobre todo y ante todo es una llamada a la celebración diaria del hecho de estar vivos.

David Mallols
Nació en Valencia, donde se licenció en Arte Dramático y posteriormente en Dirección y Dramaturgia en el Institut del Teatre de Barcelona.
En 2011 estrenó La Herencia en Barcelona, su primera pieza larga. Desde 2012 lleva trabajando en el proyecto Antes de nacer estaba muerto dando como resultado algunos trabajos en vídeo: de norte y sur (Aproximaciones a la idea de diario. 2013) o acciones como Hemisferios (Escenarios del Streaming. 2013). También en 2014, junto a Inés Lambisto, desarrolla el proyecto Otro tiempo vendrá distinto a este (2014), en residencia en MediaEstruch.
También colabora como intérprete con la compañía El Conde de Torrefiel.

Se diría que aquí no pasa nada (It seems that nothing happens here) is an artistic performance from the long-term project Antes de nacer estaba muerto (Before I was born I was dead).

It arises from the idea of trying to stage an awareness of transition using poetry, which is in turn perceived as the art of time, where memory is recalled as the conjunction of that transition. The aim is to stage this awareness and find myself in it.

Essentially, Se diría que aquí no pasa nada is the staging of a diary created during a journey, showing how this “no place” produces a multitude of territories, intensifies our way of looking and tries to reveal the invisible events emerging from our day-to-day existence.

But above and before all it calls us to a daily celebration of the fact that we’re alive.

David Mallols
Was born in Valencia, where he graduated in Drama and later in Directing and Dramaturgy at the Institut del Teatre of Barcelona.
In 2011 he created La Herencia in Barcelona, his first long piece. Since 2012 has he been working on this project, resulting in some video work: de norte y sur (Aproximaciones a la idea de diario. 2013), and actions such as Hemisferios (Escenarios del Streaming. 2013). Also in 2014, along with Inés Lambisto, he developed the project Otro tiempo vendrá distinto a este (2014), in residence at MediaEstruch.
He also works as a performer for El Conde de Torrefiel.

Vestits inesperats per a cerimònies indefinides és una peça que uneix el disseny, la performance, i la venda al mateix teatre. Utilitza una singular col·lecció tèxtil com a desencadenant d’un procés coreogràfic-mercantil en un esdeveniment social híbrid que torna a reivindicar el teatre com a lloc d’acció, reacció i re-invenció continua.

La peça concreta moviment, inaugura espais, puntualitza accions, emancipa imatges, enuncia curiositats i despatxa teixits en una dinàmica artesanal davant de les estructures comercials de producció massiva; distanciant-se de la relació imposada sobre moda, tendència, adquisició i rebuig continu.

Es busca restablir la relació visual de l’audiència amb l’espai i el cos, transformant-los a temps real i amplificant així la seva percepció imaginària.

Paqiro López, performer.
A partir de les inquietuds artístiques estimulades pel seu entorn, ha creat peces en solitari. També ha col·laborat en diversos projectes amb artistes nacionals.
Titulat en Patronatge Industrial i Disseny de Modes, actualment inicia amb Unexpected dresses una col·laboració amb Murugarren.

Javier Murugarren
Després d’una trobada amb la Companyia El Ojo de la Faraona abandona els seus estudis de ciències per la faràndula. Es gradua en coreografia a la SNDO i cursa estudis de disseny de moda a l’AMFI.
El seu interès per la recerca tèxtil i la seva incidència en el procés coreogràfic el porta a crear dos treballs claus en el seu desenvolupament. Calamiteiten i Vestits inesperats per a cerimònies indefinides.
Col·labora amb nombroses companyies, col·lectius i artistes internacionals.

Vestidos inesperados para ceremonias indefinidas es una pieza que aúna el diseño, la performance y la venta en el mismo teatro. Utiliza una singular colección textil como desencadenante de un proceso coreográfico-mercantil en un evento social híbrido que vuelve a reivindicar el teatro como lugar de acción, reacción y reinvención continua.

La pieza concreta movimiento, inaugura espacios, puntualiza acciones, emancipa imágenes, enuncia curiosidades y despacha tejidos en una dinámica artesanal frente a las estructuras comerciales de producción masiva; distanciándose de la relación impuesta sobre moda, tendencia, adquisición y desecho continuo.

Se busca restablecer la relación visual de la audiencia con el espacio y el cuerpo, transformándolos en tiempo real y amplificando así su percepción imaginaria.

Paqiro López, performer.
A partir de las inquietudes artísticas estimuladas por su entorno, ha creado piezas en solitario. También ha colaborado en varios proyectos con artistas nacionales.
Titulado en Patronaje Industrial y Diseño de Modas, actualmente inicia con Unexpected dresses una colaboración con Murugarren.

Javier Murugarren
Tras un encuentro con la Compañía El Ojo de la Faraona abandona los estudios de ciencias en pos de la farándula. Se gradúa en coreografía en el SNDO y cursa estudios de diseño de moda en AMFI.
Su interés en la investigación textil y su incidencia en el proceso coreográfico lo lleva a crear dos trabajos clave en su desarrollo. Calamiteiten y Vestidos inesperados para ceremonias indefinidas.
Colabora con numerosas compañías, colectivos y artistas internacionales.

Unexpected dresses for undefined ceremonies is a piece that brings together textile design, performance and retail in the same theatre. It uses a unique clothing collection as the trigger for a commercial/choreographic process inside a hybrid social event that positions theatre as a place for action, reaction and continuous reinvention.

The piece establishes movement, inaugurates spaces, punctuates actions, emancipates images, enunciates curiosities and serves up textiles within a context of craftsmanship faced against the structures of mass production and commercialisation, creating a distance from the imposed relationships between fashion, trends, purchasing and continuous disposability.

We are trying to re-establish the audience’s visual relationship between space and body, changing this in real time and so enlarging their imagined perception.

Paqiro López, performer.
His own artistic leanings inspired by his life and environment have led him to create solo work, and he has collaborated on a number of projects by national artists. Holder of a degree in Industrial Pattern-making and Fashion Design, he is currently embarking on this collaboration with Murugarren.

Javier Murugarren
Following an encounter with company El Ojo de la Faraona he abandoned his studies in science in search of the showbiz life. He is a graduate in choreography from the SNDO and studies fashion design at AMFI.
His interest in textile research and its influence on the choreographic process has led to the creation of two key development pieces: Calamiteiten and Vestidos inesperados para ceremonias indefinidas.
He collaborates with a number of international companies, collectives and artists.

Què és el cav_a ?
Es un programa de intercambio cultural para compartir, entender y dar a conocer las prácticas de creación escénica en Cataluña, y al mismo tiempo aprender sobre estas prácticas en cada país de acogida que se visita. Fomentando la cooperación internacional entre centros independientes de investigación en el campo de las artes multidisciplinares, esperamos poder incrementar las perspectivas culturales y propagar nuevas formas de expresión creativa.

Por qué?
El programa tiene la finalidad de estimular la creatividad basando el desarrollo artístico en el intercambio y el conocimiento, la internacionalización de la creación escénica contemporánea catalana, y el ánimo de transcender fronteras.

Por eso, queremos trabajar en nuevas producciones juntamente con otros centros que compartan nuestra filosofía, además de establecer intercambios directos ya sea entre artistas, centros culturales o ciudades. Con actuaciones, talleres y enseñanzas compartidas, crearemos una vía de información entre creadores y profesionales del arte, sacándoles de su aislamiento e integrándoles en la comunidad, ayudándoles así a afrontar los retos sociales, políticos y profesionales del artista-ciudadano.

Para quién?
Permitirá a creadores catalanes dar a conocer su trabajo y sus prácticas de creación a las distintas comunidades que los acojan, compartiendo conocimientos e intereses con público y profesionales locales. Al mismo tiempo abrirá el camino para que artistas de otros países nos visiten de vuelta en Barcelona, nutriendo el ámbito de las artes escénicas contemporáneas de una programación internacional, encuentros y debates.

Nuestra meta principal es facilitar oportunidades para que artistas de todas las nacionalidades puedan mostrar su trabajo a un público más amplio, y ayudarles a desarrollar su relación con el público, creando un intercambio fluido de opiniones que pueda llevar a la generación de nuevos lenguajes de expresión y la evolución de nuevas maneras de ver y comprender las artes escénicas contemporáneas.

Dónde?
Tenemos Europa como primer objetivo. ¿Pero por qué parar aquí? El mundo está aquí fuera...

Ediciones anteriores:

Catalan artists visiting Slovenian artists. Ljubljana, Desembre 2011 (Glej Theatre). →

Catalan artists visiting Croatian artists. Rijeka, Desembre 2012 (HKD). →

Catalan artists visiting French artists. Saint Ouen/París. Juny/Desembre 2013 (Mains d'Oeuvres). →

Antic Teatre - Espai de Creació es un centro Cultural y Social independiente situado en un edificio, patrimonio cultural, construido en 1650 en el centro de Barcelona. Dispone de una sala polivalente, bar, terraza y jardín. También cuenta con AdriAntic, un espacio para residencias artísticas situado en la periferia de la ciudad.

Antic Teatre es uno de los referentes de la escena independiente actual. Un Centro de recursos de las artes multidisciplinares para la investigación y el desarrollo de nuevos lenguajes escénicos.

Somos la ÚNICA SALA DE LA CIUDAD CON PROGRAMACIÓN REGULAR (365 días al año) basada únicamente en la investigación.

Nuestra MISIÓN es apoyar y fomentar la capacidad de experimentación, creación, producción, exhibición, producció, exhibición, promoción y difusió de los artistas profesionales, liberándolos de las presiones y demandas del mercado, impulsando así la innovación y el riesgo.

Somos miembros de la red internacional Trans Europe Halles, una red europea integrada por centros culturales impulsados por ciudadanos y artistas.

www.anticteatre.com →

Pantelis Makkas (Grecia, 1976)
Estudió fotografía en la Escuela de Bellas Artes de Atenas y Praga, y en la Academia Gerrit Rietveld de los Países Bajos. De 2005 a 2007 recibió la beca de De Ateliers en Amsterdam.
En 2009 se doctoró en Investigación Artística en la Universidad de Laiden y PhDaArts. Su trabajo comprende instalaciones de vídeo, investigación y actuaciones artísticas y ha sido presentado en Grecia y alrededores.
Ha presentado exposiciones individuales en el Museo de Arte de Macedonia, Stedelijk Museum de Amsterdam, Benaki Museum, Public Space with a Roof (Amsterdam), Rijks Academy (Amsterdam), y ha participado en exhibiciones grupales en De Appel, Bienal de Grecia, Camp, Fundación Michalis Kakogiannis, Centro Luigi Pecci (Italia), De Buren (Bruselas), Akademski Filmski Centar(Belgrado), Bios (Romantzo), WTC Art Gallery (Rotterdam), Positivism SMBA (Amsterdam), Videoformes (France), etc.
Colabora con producciones teatrales desde 2008.

www.pantelismakkas.com


Theodora Tzimou
Estudió en el Teatro Nacional de Grecia. Ha participado en 23 performances teatrales, la mayoría con Michael Marmarinos. También colaboró con Milivoyevits, Elena Penga, Lefteris Vogiatzis, Εlli Papakonstantinou, John Chouvardas, Efi Theodorou, Nikaiti Kontouri a.o.

Durante 3 años colaboró con el Teatro Nacional de Grecia y ha realizado giras con varias producciones en Europa. Ha participado en 20 películas y ha sido reconocida como Meror Actriz por su actuación en la película “Pandora” en el Thessaloniki Film Festival (donde también la han nominado 3 veces) Ha participado en 6 cortos y 4 series de televisión.

ALLES (TOT) és fer tot al mateix temps. Usant la veu i el cos, l’Ángela i en Koldo es transformen en aigua, terratrèmols o helicòpters. Canten cançons, munten ritmes de hip hop, desfan el terra per a convertir-lo en una arpa... i com un eco, les cançons de la Carmen Miranda. L’univers és enorme i l’Àngela i el Koldo ho celebren d’una manera rítmica i dinàmica.
ALLES (TOT) s’ha ballat a Festival Hommik (Estònia), Imaginate Festival (Escòcia), Krokkus Festival Hasselt i Kopergietery (Bèlgica), Festival Starcke Stucke, Tanzhaus NRW i Think Big Festival (Alemanya), Danstationen Malmó (Suècia), Casa Encendida, Cuarta Pared i Teatro Pradillo (Madrid), Swoop Festival (Dinamarca) i Kikker Theatre (Utrech, Holanda).

Alma Söderberg (Suècia) i Angela Peris Alcantud (Espanya) són coreògrafes, performers i músics. Han estudiat al Conservatori Superior d’Arts Escèniques d’Amsterdam (SNDO). Basen el seu treball en l’ús del so, el moviment i la paraula, interrelacionant aquests tres elements des de diverses perspectives.
Actualment l'Alma està investigant sobre el so i el moviment. L'Àngela treballa com artista col·laboradora del programa Mus-e (art per la convivència) en diversos centres escolars a Barcelona.

Koldo Aristegui va estudiar a The London Contemporary Dance School (The Place) i a la SNDO (School for New Dance Development) a Amsterdam. Ha treballat amb la cia. Mudances-Angels Margarit entre altres.

Des de la creació de ALLES l’any 2012 formen part de la xarxa europea de nous creadors Fresh Tracks Europe.

ALLES (TODO) es hacer todo al mismo tiempo. Usando la voz y el cuerpo, Angela y Koldo se transforman en agua, terremotos o helicópteros. Cantan canciones, montan ritmos de hip hop, deshacen el suelo para convertirlo en un arpa… y como un eco, las canciones de Carmen Miranda. El universo es enorme y Angela y Koldo lo celebran de una manera rítmica y dinámica.
ALLES (TODO) se ha bailado en Festival Hommik (Estonia), Imaginate Festival (Escocia), Krokkus Festival Hasselt y Kopergietery (Bélgica), Festival Starcke Stucke, Tanzhaus NRW y Think Big Festival (Alemania), Danstationen Malmó (Suecia), Casa Encendida, Cuarta Pared y Teatro Pradillo (Madrid), Swoop Festival (Dinamarca) y Kikker Theatre (Utrech, Holanda).

Alma Söderberg (Suecia) y Angela Peris Alcantud (España) son coreógrafas, performers y músicas. Han estudiado en el Conservatorio Superior de Artes Escénicas de Amsterdam (SNDO). Basan su trabajo en el uso del sonido, el movimiento y la palabra, interrelacionando estos tres elementos desde diferentes perspectivas.
Actualmente Alma investiga sobre el sonido y el movimiento. Angela trabaja como artista colaboradora del programa Mus-e (arte por la convivencia) en centros escolares de Barcelona.

Koldo Arostegui estudió en The London Contemporary Dance School (The Place) y en la SNDO (School for New Dance Development) a Amsterdam. Ha trabajado con la Compañía Mudances-Angels Margarit entre otros.

Desde la creación de ALLES en 2012 forman parte de la red europea de nuevos creadores Fresh Tracks Europe.

ALLES (Everything) is doing everything at once. Using voice and body, Angela and Koldo become water, earthquakes or helicopters. They sing songs, play hip-hop beats, undo the floor to create a harp… while the songs of Carmen Miranda echo in the background. The universe is gigantic and Angela and Koldo celebrate this with rhythm and dynamism.
ALLES (Everything) has been danced at Festival Hommik (Estonia), Imaginate Festival (Scotland), Krokkus Festival Hasselt and Kopergietery (Belgium), Festival Starcke Stucke, Tanzhaus NRW and Think Big Festival (Germany), Danstationen Malmö (Sweden), Casa Encendida, Cuarta Pared and Teatro Pradillo (Madrid), Swoop Festival (Denmark) and Kikker Theatre (Utrecht, Netherlands).

Alma Söderberg (Sweden) and Angela Peris Alcantud (Spain) are choreographers, performers and musicians. They have studied at the Amsterdam High Conservatory for Performance Arts. Their work is based on the use of sound, movement and word, connecting these three elements from differing perspectives.
Alma is currently investigating sound and movement, while Angela works as artist on the Mus-e programme (art for coexistence) at schools around Barcelona.

Koldo Arestegui studied at the London Contemporary Dance School (The Place) and at the School for New Dance Development in Amsterdam. He has worked with Compañía Mudances – Angels Margarit among others.

Since creating ALLES in 2012 they have been members of the European network of new creators Fresh Tracks Europe.

ProtoLight és un sistema de il·luminació interactiva que permet crear ambients i objectes on la seva luminescència canvia d’acord a diferents inputs procedents de l’espai físic exterior circumdant (tals com so i moviment) o mitjançant dades on-line. Per aquest esdeveniment hem creat un concert d’immersió que reuneix tot dos: Protoligth i Reactable. Durant l’esdeveniment, Carles està envoltat per 24 tòtems d’il·luminació que mostren a temps real visualitzacions generades pel so creat amb el Reactable.
A través d’aquest enfocament, oferim una innovadora experiència audiovisual de gran escala que pot integrar-se perfectament a qualsevol espai arquitectònic i ser navegat pel públic durant la performance musical.

Protopixel
Som un estudi de disseny d'interacció amb seu a Barcelona, que estima concebre, dissenyar i oferir experiències interactives en viu. La nostra principal àrea d'acció és Interactive Lighting Design (disseny luminescent interactiu), que combinem amb interfícies avançades, la interacció de tot el cos, i l'arquitectura de mitjans per crear contingut digital de gran força expressiva. Apliquem un enfocament integral que abasta des del disseny centrat en l'usuari per a la creació de prototips ràpids, fins al contingut i desenvolupament d'interfícies, gestió i desplegament.

Carles López
Músic, productor, compositor & DJ nascut a Barcelona, ha actuat en més de 40 països, en tot tipus d'esdeveniments, clubs i festivals. Forma part de Reactable Systems col·laborant en el desenvolupament de Reactable i essent el músic principal. Carles també ha ajudat a crear Samplr, un instrument musical trencador per a iPad.

ProtoLight es un sistema de iluminación interactiva que permite crear ambientes y objetos cuya luminiscencia cambia de acuerdo a diferentes inputs procedentes del espacio físico exterior circundante (tales como sonido y movimiento) o por medio de datos on-line. Para este evento hemos creado un concierto de inmersión que reúne ProtoLight y Reactable. Durante el evento, Carles está rodeado por 24 tótems de iluminación que muestran en tiempo real visualizaciones generadas por el sonido creado con Reactable. A través de este enfoque, ofrecemos una innovadora experiencia audiovisual de gran escala que puede integrarse perfectamente a cualquier espacio arquitectónico y ser navegado por el público durante la performance musical.

Protopixel
Somos un estudio de diseño de interacción con sede en Barcelona, que ama concebir, diseñar y ofrecer experiencias interactivas en vivo. Nuestra principal área de acción es el Interactive Lighting Design (diseño luminiscente interactivo), que combinamos con interfaces avanzadas, la interacción de todo el cuerpo, y la arquitectura de medios para crear contenido digital de gran fuerza expresiva. Aplicamos un enfoque integral que abarca desde el diseño centrado en el usuario para la creación de prototipos rápidos, contenido y desarrollo de interfaces, gestión y despliegue.

Carles López
Músico, productor, compositor & DJ nacido en Barcelona, ha actuado en más de 40 países, en todo tipo de eventos, clubs y festivales. Forma parte de Reactable Systems colaborando en el desarrollo de Reactable y siendo el músico principal. Carles también ha ayudado a crear Samplr, un instrumento musical rompedor para iPad.

ProtoLight is an interactive lighting framework that allows the creation of environments and objects whose luminescence changes according to different inputs coming from the surrounding physical space (such as sound and motion) or by means of online data.
For this event we have created an immersive concert that brings together ProtoLight and the Reactable. During the event, Carles will be surrounded by 24 lighting totems that display real time generative visualisations of the sound generated with the Reactable. Through this approach we offer an innovative big-scale audiovisual experience that can be seamlessly integrated to any architectural space and navigated by the audience during music performance.

ProtoPixel
We are an interaction design studio based in Barcelona that loves to conceive, design and bring to life interactive experiences. Our main area of action is Interactive Lighting Design, which we combine with advanced interfaces, full body interaction, and media architecture to create highly expressive digital content. We apply a holistic approach that ranges from user-centered design to fast prototyping, content and interface development, management and deployment.

Carles López
Barcelona-born musician, producer, composer and DJ Carlazz has performed in over 40 countries at all kinds of events including clubs and festivals. He is part of Reactable Systems, working on the development of Reactable and, as its main musician, Carles has also contributed to the creation of Samplr, a breaking musical instrument for iPad.

Malmenats proposa una reflexió sobre els papers que ens toca jugar en aquests temps de crisi i transformació, i qüestiona la vigència dels límits que ens imposem o que se’ns imposen (relatius a l’edat, el físic, el gènere, l’ordre...). Una peça molt dinàmica, construïda a partir de la fisicalitat, i en la qual tenen cabuda també l’humor, la poesia, la lluita, el caos, la tendresa...

Cia Mariantònia Oliver
Companyia que resideix actualment a Mallorca després d'un llarg recorregut a Barcelona. La seva forma de treballar sempre és en col·laboració amb artistes de diferents disciplines i normalment crea equip de treball per cada un del seus projectes. Compagina els treballs de creació amb projectes dedicats als infants i també projectes de temàtiques socials.

Malmenats propone una reflexión sobre los papeles que nos toca jugar en este momento de crisis y transformación, y cuestiona la vigencia de los límites que nos imponemos o que nos imponen (relativos a la edad, el físico, el género, el orden…). Una pieza muy dinámica, construida a partir de la fisicalidad y en la cual también hay sitio para el humor, la poesía, la lucha, el caos y la ternura…

Cia Mariantònia Oliver
Compañía que reside actualmente en Mallorca después de un largo recorrido en Barcelona. Su manera de trabajar siempre es en colaboración con artistas de diferentes disciplinas y lo normal es crear equipo para cada uno de sus proyectos. Compagina los trabajos de creación con proyectos dedicados a los niños y también proyectos de temáticas sociales.

is the result of our reflections on the roles we have to play in these times of crisis and transformation. In thMalmenatsis piece we question the validity of the limits we impose on ourselves as well as of those that others try to impose on us (regarding age, gender, body, organization...). This is a highly dynamic and physical performance, with a touch of humour, a hint of poetry, moments of chaos and a considerable amount of struggle.

Cia Mariantonia Oliver
Is a company currently based in Mallorca after a lengthy period in Barcelona. Their work process always involves collaborations with artists from different disciplines, and they usually create a team for each of their projects. They combine creation work with projects for children and also projects on social themes.

Sisena temporada de FLUX CLUB, un club de vídeo amb una periodicitat quinzenal que pretén reflectir la vitalitat del vídeo de creació de la nostra ciutat. Es tracta d’una extensió del Festival de vídeo d’autor FLUX, amb sessions obertes a tot el que està passant en el camp del vídeo a Barcelona, que complementen el festival des del punt de vista dels seus continguts i que estenen el seu període d’acció més enllà dels dies estrictament dedicats al festival.
FLUX CLUB acull tot tipus de sessions amb projeccions, videoperformances i col·loquis que ofereixen al públic la possibilitat del contacte directe amb els videocreadors. Poden ser sessions monogràfiques d'autors reconeguts, temàtiques, dedicades a gèneres com la videodansa i la videopoesia, o col·lectives dedicades a autors emergents.
FLUX CLUB és un espai de difusió del vídeo de creació a la ciutat de Barcelona.

Habitual Video Team és una associació sense ànim de lucre que té com a objectius principals la promoció de tot tipus d’activitats relacionades amb les arts audiovisuals i concretament amb la videocreació: www.habitualvideoteam.org.
Una branca de les seves activitats és l'organització de festivals, cicles i mostres de vídeo, com el festival de vídeo d’autor FLUX: www.fluxfestival.org.
Una altra branca fonamental de la seva feina és la documentació videogràfica (gravació i edició) d’esdeveniments culturals generalment de petit format com concerts, poesia, performances o espectacles teatrals. A partir del 2012, posa en marxa el projecte SUMMA, amb la finalitat de convertir aquest patrimoni audiovisual de més de 1.000 gravacions en un arxiu videogràfic on line d'accés públic: www.summa-hvt.org.

Sexta temporada de FLUX CLUB, un club de vídeo con una periodicidad quincenal que pretende reflejar la vitalidad del vídeo de creación de nuestra ciudad. Se trata de una extensión del Festival de vídeo de autor FLUX, con sesiones abiertas a todo lo que está pasando en el campo del vídeo en Barcelona, que complementan el festival desde el punto de vista de sus contenidos y que extienden su período de acción más allá de los días estrictamente dedicados al festival.
FLUX CLUB acoge todo tipo de sesiones: proyecciones, videoperformances y coloquios que ofrecen al público la posibilidad del contacto directo con los videocreadores. Pueden ser tanto sesiones monográficas de autores reconocidos, como temáticas colectivas dedicadas a autores emergentes, a la presentación de trabajos de estudiantes, o centradas en la videopoesía o la videodanza.
FLUX CLUBes un espacio de difusión del vídeo de creación en la ciudad de Barcelona.

Habitual Video Team es una asociación sin ánimo de lucro que tiene como objetivos principales la promoción de todo tipo de actividades relacionadas con las artes audiovisuales y concretamente con la videocreación: www.habitualvideoteam.org.
Una rama de sus actividades es la organización de festivales, ciclos y muestras de vídeo, como el festival de vídeo de autor FLUX: www.fluxfestival.org.
Otra rama fundamental de su trabajo es la documentación videográfica (grabación y edición) de eventos culturales generalmente de pequeño formato como conciertos, poesía, performances o espectáculos teatrales. A partir de 2012, pone en marcha el proyecto SUMMA, con el fin de convertir este patrimonio audiovisual de más de 1.000 grabaciones en un archivo videográfico on line de acceso público: www.summa-hvt.org.

The sixth season of FLUX CLUB is here: a fortnightly video club that reflects the vitality of video creation in our city. It’s an extension of the FLUX Video Auteur Festival, with sessions open to everything currently going on in the field of video in Barcelona, complementing the festival from the point of view of its content and extending its sphere of influence beyond the few days programmed for the festival itself.
FLUX CLUB includes all kinds of sessions: screenings, video performances and debates offering direct contact between the audience and the filmmakers. These sessions focus on a range of subjects, from monographic by well-known directors to specific themes, from groups of up-and-coming authors to students; they may cover video poetry or video dance.
FLUX CLUB is a space for the dissemination of video creation in the city of Barcelona.

Habitual Video Team is a non-profit association whose main objectives are to promote activities related to visual arts and specifically video art: www.habitualvideoteam.org.
A fundamental area of their work is the organization of festivals, cycles and video shows, such as the FLUX Video Auteur Festival: www.fluxfestival.org.
Another branch of Habitual Video Team’s activities is video documentation (recording and editing) of mainly small format cultural events such as concerts, poetry, performances or theatre shows. It has a video archive of over 1.000 recordings. In 2012 they launched the SUMMA project with the aim of converting this audiovisual heritage into a non-profit online video archive: www.summa-hvt.org.

Partim de la recerca sobre els happenings a la fundació Tapies, arran de l’exposició de Allan Kaprow Altres Maneres.
Aquest treball apareix després de 3 mesos endinsats en la improvisació i performance amb l’oportunitat de fer un inventari de diferents formes d’intervenció artística orientada a una creació integrada en col·lectiu.
L’art hauria de ser útil pel seu bon ús. Les reinvencions al carrer ens ajuden a escodrinyar entre les relacions professionals i interpersonals. Les reinvencions dels happenings donen una presa de consciència de la construcció de la responsabilitat comunitària. L’art i la seva inèrcia busquen el lloc que aporta intensitat a la participació amb el que observa, intentem fer el treball pedagògic, el d’apropar l’art a la vida, inclús es podria dir que fem un treball polític.

Guy Leon, ballarí i improvisador, actualment col·labora amb Helena Pellisé.

Trinidad García Espinosa, Barcelona 1976 (actualment col.labora amb Sebastian G. Ferro).

Col·lectiu Deria+Rectificadora (2001)
Centra la seva investigació en el gènere i la transformació aplicant tècniques com moviment autèntic i Feldenkrais. Produeix creacions cap a la performance multidisciplinar i la improvisació, dansa i el contact.
Creant captura d’imatges, ens qüestiona i subverteix conceptes com dominació, artificialitat, identitat i el propi acte creatiu utilitzant el moviment sense restriccions.
Els seus últims treballs inclouen Opus octubre Opus (2008) Contrastes et géodésie (2010) Lucía (2011) No hay Lugar para el reposo (2012).

Partimos de la investigación sobre happenings en la Fundació Tapies, a raíz de la exposición de Allan Kaprow Otras Maneras.
Este trabajo aparece tras 3 meses adentrados en la improvisación y performance con la oportunidad de hacer un inventario de diferentes formas de intervención artística orientada a una creación integrada en colectivo. El arte debería ser útil por su buen uso. Las reinvenciones en la calle nos ayudan a escudriñar entre las relaciones profesionales e interpersonales. Las reinvenciones de los happenings dan una toma de conciencia de la construcción de la responsabilidad comunitaria. El arte y su inercia buscan el lugar que aporta intensidad a la participación con el que observa. Intentamos hacer trabajo pedagógico, el de acercar el arte a la vida incluso se podría decir que hacemos un trabajo político.

Guy Leon, bailarin e improvisador, actualmente colabora con Helena Pellise.

Trinidad García Espinosa, Barcelona 1976 (actualmente colabora con Sebastian G. Ferro).

Colectivo Dería + Rectificadora (2001)
Centra su investigación en el género y la transformación aplicando técnicas como movimiento auténtico y Feldenkrais. Produce creaciones hacia la performance multidisciplinar y la improvisación, danza y el contact..
Creando captura de imágenes, nos cuestiona y subvierte conceptos como dominación, artificialidad, identidad y el propio acto creativo utilizando el movimiento sin restricciones.
Sus últimos trabajos incluyen Opus octubre Opus (2008) Contrastes et géodésie (2010) Lucía (2011) No hay Lugar para el reposo (2012).

Our starting point is research on happenings at the Tapies Foundation, beginning with the Allan Kaprow exhibition Altres Maneres.
This follows 3 months of improvisation and performance that provided the opportunity of establishing an inventory of different kinds of artistic intervention geared towards an integrated, collective creation. Art should be useful through good use. Reinventions at street level help us distinguish between professional and interpersonal relations. The reinvention of happenings allows us to re-evaluate the construction of communal responsibility. Art and its inertia look for the place that intensifies the participatory aspect of its observers. Our aim is to create didactic work and bring art closer to life; even it could say we do a politician work.

Guy Leon, dancer and improviser, currently working with Helena Pellise.

Trinidad García Espinosa, Barcelona 1976 (currently works with Sebastian G. Ferro).

Colectivo Dería + Rectificadora (2001)
Focus their research into gender and transformation by applying techniques such as real movement and Feldenkrais. Their creations tend towards interdisciplinary performance and improvisation, dance and contact.
By creating the capture of images, it questions and subverts such concepts as domination, artificiality, identity and the creative act itself using unrestricted movement.
Their latest works include Opus octubre Opus (2008); Contrastes et géodésie (2010); Lucía (2011) and No hay Lugar para el reposo (2012).

El sudor del signo és un treball de noves dramatúrgies on Los Menos decideixen col·locar al seu autor sobre l’escenari i que la pulsió psicofísica d’escriure (amb guix sobre taulons d’encofrar) es converteixi en un fet escènic sense que allò escrit arribi a un estadi de comunicació amb el públic. Juntament amb ell, a l’altra cara del mateix escenari, una dona es cita amb ella mateixa repetides vegades, acte que es converteix en una impossibilitat narrativa per ella.

Oluz és una peça de teatre físic que aborda l’arquetip de la dona en captiveri incidint en el seu empoderament després de llargs anys d'immoral foscor sexual amb el seu segrestador. Per les situacions viscudes, inimaginables per nosaltres, hem decidit realitzar un acte poètic de purificació de tots aquells espais profanats anomenats Zulo: Oluz.

El Laboratorio Escénico Los Menos neix l’any 2012 a la ciutat de Murcia, a causa de la inquietud dels seus artistes per crear obres i experiències en total llibertat. Els integrants són artistes multidisciplinars, que treballen entre l’art visual, l’escènic i la literatura. El grup ha presentat l’obra Oluz estrenada el 2012, així com la seva versió literària del mateix nom. Després d’un llarg any d’entrenament i laboratori, es troba actualment immers en la creació de La suor del signe.

El sudor del signo es un trabajo de nuevas dramaturgia en el que Los Menos deciden colocar a su autor sobre el escenario y que la pulsión psicofísica de escribir se convierta en un hecho escénico sin que lo escrito alcance un estadio de comunicación con el público. Junto a él, en la otra cara del mismo escenario, una mujer se cita consigo misma repetidas veces, acto que se convierte en una imposibilidad narrativa para ella.

Oluz es una pieza de teatro físico que aborda el arquetipo de la mujer en cautiverio incidiendo en su empoderamiento tras largos años de inmoral oscuridad sexual con su secuestrador. Debido a las situaciones vividas, inimaginables para nosotros, hemos decidido realizar un acto poético de purificación de todos esos espacios profanados llamados Zulo: Oluz.

El Laboratorio Escénico Los Menos nace en 2012 en la ciudad de Murcia, debido a la inquietud de sus artistas por crear obras y experiencias en total libertad. Los integrantes son artistas multidisciplinares, que trabajan entre el arte visual, el arte escénico y la literatura. El grupo ha presentado la obra Oluz estrenada en 2012 así como su versión literaria del mismo nombre. Tras un largo año de entrenamiento y laboratorio, se encuentra actualmente inmerso en la creación de El sudor del signo.

El sudor del Signo (The Sweat of the Sign) is a work of new drama where Los Menos have decided to place their author on stage and allow the psychophysical impulse to write to become a performative fact without what is written reaching a state of communication with the audience. At the same time, on the other side of same stage, a woman quotes herself repeatedly, an act which becomes a narrative impossibility for her.

Oluz is a physical theatre piece that address the archetype of women in bondage by looking at her empowerment after years of immoral sexual darkness with her kidnapper. Because of these experienced situations, unimaginable to us, we decided to perform a poetic act of cleansing of all those desecrated spaces known as Zulo (hole): Oluz.

Performance Laboratory Los Menos emerged in 2012 in the city of Murcia, from the need felt by its artists to create works and experiences with absolute freedom. Its members are multidisciplinary artists, who work in visual art, performance art and literature. The group has created the piece Oluz, which premiered in 2012, along with a written version by the same title. After a long year of training and lab work, they are currently engaged in the creation of El Sudor del signo.